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ENTREVISTA HERCULES & LOVE AFFAIR

Andy Butler, miembro fundador de Hercules and Love Affair, se sinceró con Arturo Rojas y compartió sobre el valor que se necesita para decirle al mundo que eres diferente, que tienes una manera diversa de vivir tu vida, con gustos y una forma distinta al rol que nos pre establece  la sociedad. Reflexionaron sobre la apertura que hoy existe y lo que todavía falta por deconstruir. Además, nos habló de lo que se viene con su nuevo disco.

El huracán Agatha y cómo ayudar a las comunidades afectadas

El pasado 30 de mayo, el huracán “Agatha” con categoría 2 en la escala Saffir-Simpson, tocó tierra en el poblado de La Redonda, San Pedro Pochutla, Oaxaca. A lo largo de su trayectoria afectó a la población de varios municipios de Oaxaca.

Siendo hasta el momento el huracán que ha provocado más muertes y destrucción en los últimos años. “Han pasado huracanes, pero no como éste”, compartió Pablo Hernández, damnificado de la comunidad de San Juan Ozolotepec, Oaxaca.

De manera muy desafortunada “Agatha” ha dejado a su paso 11 decesos, más de 30 desaparecidos y la pérdida total o parcial de comunidades, sin víveres, ni servicios básicos como luz, agua y telecomunicaciones.

Comunidades devastadas, como Mazunte o Zipolite, son destinos turísticos con una gran pérdida; adversidad que enfrentan en vísperas de las vacaciones de verano, la mejor época económica para ellos.

Los fenómenos naturales son eventos de la naturaleza que no podemos controlar, qué nos recuerdan lo vulnerables que somos y a su vez lo solidarios que podemos llegar a ser.

Cobijemos a nuestros hermanos en Oaxaca, nuestra ayuda es muy valiosa, significativa y la podemos ofrecer de diferentes maneras, en centros de acopio o con campañas de donación como Maha Rose o como la campaña de recolección de Sarah Hanif en Gofundme.

Te compartimos estas plataformas, para que conozcas su labor en las comunidades y sepas cómo tú también puedes aportar tu ayuda.

maharose.com

gofundme.com

Erick Raúl Alemán Ramírez

por: Rodrigo Derbez

Alemán es quizás el rapero mexicano más relevante de la actualidad. Nacido en Baja California en 1990, comenzó su carrera desde los 14 años. Se ha conviertido en uno de los máximos exponentes en toda Latinoamérica y ha colaborado con artistas internacionalmente renombrados como Snoop Dogg. Su sesión con Bizarrap es la tercera más escuchada, solo por detrás de Nathy Peluso y Trueno.

Durante la pandemia, en la que perdió familiares a manos del covid, dice haber grabado como loco. Le sirvió en su desarrollo como artista puesto que tocó temas que nunca había tocado en sus letras. Además, le pegó ver el hecho de ver a sus amigos batallando con el dinero. Dice haberse sentido bendecido puesto que el hip hop lo salvó de tener que vivir una vida de dificultades económicas.

Alemán en 2005

No siempre fue así, puesto que su ascenso a la fama fue trabajoso y tardado. Comenzando desde muy joven, su padre lo apoyó y le inculcó el gusto musical que lo define. Muchos años después, se coloca con casi 6 millones de oyentes mensuales en Spotify, además de su sesión con Bzrp que alcanzó los 110 millones de reproducciones.

El 19 de noviembre de este año sacó su más reciente álbum, Huracán, con colaboraciones con artistas como Cartel de Santa, Rels B, Junior H y la ya mencionada canción con Snoop Dogg. El lunes a la 1pm lo tendremos en Aire Libre en entrevista con Valeria. No olvides sintonizarnos en el FM o aquí mismo en el sitio web para escuchar lo que este gran artista nos tiene que contar.

Kerala Dust como el consabido viaje sin retorno de la electrónica instrumental.

Por: Daniela Arana

Kerala Dust, el trío londinense, compuesto por Edmund Kenny, Harvey Grant y Lawrence Howarth, han cautivado a muchos desde el 2016 con su EP Motions.

Este ambicioso proyecto nace en el 2013 de la mano de Edmund Kenny quien lidera la banda y cumple el papel vocal. Tras trabajar en la India en una organización benéfica en la frontera de Nepal, conoció a personas que habitaban en Kerala. Se deleitó por la simpleza y sonido del nombre de aquel lugar. Un año después de su experiencia en la India y de haberse dedicado a componer decidió nombrar su proyecto así, pues considera que es un lugar abstracto que habita en él.

Light, West (2020)

Desde sus principales inspiraciones, como Tom Waits, Talking Heads y The Velvet Underground, crean una conexión entre la diversidad de música electrónica y una que otra pieza tradicional.

Reconocemos su afición por hacernos bailar y a la vez hacernos perder la noción del tiempo al escucharlos, planteándonos la duda liberadora de no encontrarle sentido a nada que no sea disfrutar de sus beats en ese momento. A través de su resonancia ambiental, elevan tu adrenalina mezclando instrumentos eléctricos y acordes para emitir melodías groovy con tech house y deep house.

Su estilo experimental también puede jugar al borde del indie folk y blues, recreando un rico acid-house y techno instrumental, ideal para envolverte en un trance suave y rítmico.

Recientemente, el trío lanzó su último álbum “Light, West” (2020), en el que encontramos piezas maestras como Night Bell y Phoebe que cuentan historias perfectas para abrir tu subconsciente que te guiaran a un paraíso en un sueño sonoro.

Varios consideran que la música de Kerala Dust alcanza una similitud en estilos con otros proyectos del género como Monolink o incluso Nicolas Jaar. Sin embargo se eliminan los puntos de comparación por su extraordinaria creatividad al combinar estilos y la producción, lo cual complementa su total originalidad.

Mantén tus sentidos listos para el disfrute de estos grandes músicos el miércoles 15 de diciembre a las 4pm, en una sesión en vivo en Aire Libre, a través del FM o de la página web.

Lo nuevo se disuelve al interior del Alicia.

Fotos y texto por: Daniela Arana

En esta ocasión, uno de los recintos más emblemáticos en la escena independiente de la Ciudad de México, el Multiforo Cultural Alicia, nos acogió en la fría noche del viernes 26 de noviembre. En medio de sus clásicos grafitis y decoración under, nos brindó de nuevo un espacio seguro para disfrutar de la nueva oleada de música emergente.

Sumergides en la incertidumbre, se vibraba una noche de morbo musical, pues varios de los actos mantenían su trabajo fuera de las plataformas digitales. Eso nunca fue un impedimento para asistir y disfrutar del deleite de la música en vivo.

Comenzamos con un dueto inigualable, quienes nos proyectaron la moralidad de su arte, dándole un uso perfecto en un medio imperfecto, creando un acto de apreciación total. Su combinación de performance de danza y poesía por parte de Aleta y la música emotiva con algo de psicodelia generada con sintetizadores y una guitarra, fue peculiaridad del set de Auklerg.

Se apagan las luces, la gente sale. ¿Un cigarro, una chela? mmm ¿Porqué no? ¿Quién sigue? Era el ritual que se repetía entre acto y acto.

Continuamos con Monotonía, quienes regresaron a tierras chilangas directo desde Veracruz para transmitirnos ese sentir de levitación que solo elles logran con su mezcla única de elementos, con voces un tanto melancólicas y melodías distorsionadas, creando siempre ritmos hipnóticos.

Una vez más nos regalaron un buen momento para deleitarnos con su shoegaze moderno, perfecto para la noche.

Retomamos la intriga e incertidumbre en el punto donde Demencia Infantil sube al escenario. Muchos, sin conocerles, íbamos para ver su propuesta pero realmente nadie sabía qué esperar, lo cual lo hizo más impresionante. Tuvieron la facilidad de crear una atmósfera tan emocionante y genuinamente bizarra como su nombre.

Sin conocerles nos cautivaron al instante con su estilo audaz, provocador y enérgico, con ritmos que se rigen bajo la línea del punk, logrando introducirnos a su mundo de locura y emociones descontroladas; claro que el slam en ese momento fue inevitable para todes.

Llega Coqueta, atrayéndonos con sus voces emotivas y susurradas que te dan esa oportunidad de poder adjudicarte su mística lírica mientras se acompaña de teclados disonantes y una explosiva guitarra, dándonos la sensación de estar en un lugar clandestino de los años 80’s con sus múltiples oscuros sintetizadores.

Torso Corso se encargó de cerrar las presentaciones de esa noche con su post punk experimental, jazz y algo de rock progresivo con tintes de orquesta. El ensamble punk conformado por un bajo, piano y guitarra eléctrica, con la adición de un par de saxofones nos dió a probar de su licuado de múltiples estilos y técnicas. Al pasar por su intensidad contenida del poliestilismo, desde su esencia natural, nos explotaron la cabeza.

Quedamos embelesadxs con este mundo de performances y ambigüedad musical. Estamos segures que en el 2022 estas bandas nos darán mucho de qué hablar.

La escuela de la inclusión

por: Mauricio Tinoco

En casa de mis padres se escuchaba todo tipo de música a todas horas. Cuando mi padre nos llevaba a la escuela, en algunas ocasiones nos ponía un disco acerca de la vida y música de Vivaldi, en otras escuchábamos Alive! (1975) de Kiss. Nos volvíamos locos con la primera canción, Deuce, y los sonidos de los fuegos artificiales tronando a todo volumen. Si alguien nos vio en aquella época en el tráfico, seguro le sacaría una carcajada el recuerdo.

Los sábados era día de visitar la extinta Tower Records para comprar discos (algo que a la fecha sigo haciendo en otras tiendas, a pesar de tener una cuenta de Apple Music). Ahí, un mundo se abría ante mis ojos. Conocí a Black Sabbath, AC/DC, Led Zeppelin, Nirvana, así como lo que algunxs sangronxs llamarían “gustos menores” como Panda, Moderatto y Mago de Öz. La música en mi infancia jugó un papel fundamental.

Cuando salió School of Rock (2003) fue todo un evento: recuerdo platicarla durante semanas enteras con mis amigos en la primaria. Todxs queríamos a un maestro como Jack Black. Por suerte, yo en casa siempre tuve a dos adultos que me abrieron un mundo entero de música. Estoy seguro que no todxs han sido tan afortunadxs.

La secuencia inicial es alucinante: los créditos se aparecen pegados en la pared y en las chamarras de la gente. Una idea sumamente ingeniosa.

Richard Linklater tiene una filmografía respetable: La trilogía Before (1995, 2004 y 2013) con Ethan Hawke y Julie Delpy es majestuosa, ¿y qué decir de Boyhood (2014)? Una verdadera odisea hecha a lo largo de 12 años. School of Rock nos entrega a un Jack Black que se siente en el lugar perfecto (aunque también ha tenido actuaciones muy destacadas en otras películas, pero esa es arena de otro costal). Dewey Finn es un rockero venido a menos que es despedido de la banda que él mismo formó. Presionado por su mejor amigo y roomie a pagar la renta, se hace pasar por él, un maestro substituto, en la escuela “Horace Green”. Es ahí donde Dewey conoce a lxs niñxs con los que formará la banda de rock “The School of Rock”.

La pasión por la música que transmite el personaje de Jack Black es la misma que el personaje de Robin Williams en La sociedad de los poetas muertos.

Lo que logra School of Rock como pocos largometrajes es comunicarse de manera tan directa con grupos tan distintos. No debe ser tomado a la ligera que una niña se vuelve la manager del grupo, o que un niño es el estilista de la banda ¡Linklater se adelantó a su época haciendo una de las películas más inclusivas en cuestión de perspectiva de género, raza, sobrepeso y temas LGBTTTIQ+! Y aún más allá. Dewey Finn, el personaje de Jack Black, es el hombre en busca de sentido. Empieza la cinta siendo un vago y termina siendo un maestro de rock. Un melómano incomprendido que, a su particular manera, encontró su propósito. School of Rock es la historia de un hombre soberbio que sabe reconocer sus fallas. Él no es el mejor guitarrista ni mucho menos compositor, sino Zack, el alumno que acaba de conocer. Al final, Dewey Finn se convierte en el catalizador de todos estos grandes talentos, ¡qué bonito!

Por la vertiente del rock clásico y psicodélico llega Niña Diablo

Ritmos oscuros y armoniosos, junto a una excepcional lírica son para la banda instrumentos esenciales de su arte

Originarixs de la Ciudad de México, Angélica Victoria de La Era de Acuario, nos trae una nueva propuesta musical como Niña Diablo, encargándose de la voz, guitarra y bajo de su proyecto. A este, adicionó a Pablo Valero con una segunda guitarra/armónica y Rodrigo Salinas de Johnny Nasty Boots en la batería. Juntxs desarrollan por completo una versión innovadora de un sonido bastante ambicioso e hipnótico.

Con su guitarra enérgica y una voz potente, Niña Diablo logra ser parte de esa chispa que busca mantener viva la llama del rock que muchos ya dan por muerto. Ellxs nos demuestran cómo se logra reinventar el género.

Si buscas algo que te logre envolver en un ambiente de sonidos psicodélicos setenteros sobre una diversidad de indomables géneros musicales, Niña Diablo es la respuesta. Su combinación de estilos como garage, rock psicodélico y un poco de heavy blues es vital.

Luego de la reapertura de aforos, Niña Diablo ha busca al espectador para reflejar su estilo único en el escenario. Han estado tocando en distintos lugares ubicados en la CDMX. El pasado fin de semana se presentaron en No Somos Nada Café, junto a The Bunyans.

Por el momento solo puedes escucharles en vivo, pero pronto subirán material a Youtube.

Sigue sus redes sociales si quieres estar al pendiente de las próximas sorpresas de esta propuesta chilanga emergente.

Entrevista a Ela Minus | #ViernesDeNenas

Ela Minus en entrevista para #ViernesDeNenas

La psicodelia en la distorsión de Rubens; Victoria Mística

Tomando su nombre de una de las canciones más famosas de New Order, Triángulo de Amor Bizarro (TAB), es una banda española que comenzó a experimentar con géneros como el indie rock, noise rock y post-punk desde el 2004 en Galicia.

Influenciados por Sonic Youth, Spacemen 3 y Esplendor Geométrico, TAB ha desarrollado su estilo a lo largo de siete producciones además de la edición de un vinilo en 2010. En 2013, publicaron su quinto álbum Victoria Mística, una propuesta más cruda y psicodélica, sonido que la banda logró plasmar en la portada de esta producción. 

La agrupación española quedó convencida de que la pintura La lucha de San Jorge y el dragón (1607) del artista alemán Pedro Pablo Rubens representaba los colores y formas que necesitaba su quinto lanzamiento. “Cuando acabamos el disco (…) estábamos buscando un poco la gama de colores que nos pedía la intensidad de la música”, comentó la bajista de la banda Isabel Cea, para el medio digital Zambombazo

La fuerza de Rubens 

Pedro Pablo Rubens, fue un pintor barroco, interesado en los estilos del arte antiguo de 

Grecia, de Roma y la pintura renacentista. Era gran admirador de Leonardo da Vinci y Michelangelo Buonarroti, de quienes aprendió mucho de su técnica. 

Cabeza de medusa – 1618

La forma de Rubens se caracterizó por un exuberante uso de los colores de manera intensa y dinámica. Era considerado como uno de los pintores  favoritos del rey Felipe IV de España. Actualmente la mayor parte de su obra se encuentra exhibida y resguardada en el Museo del Prado. 

La lucha de San Jorge y el dragón, se inspira en la Leyenda Dorada, escrita por Jacopo della Voragine, la cual cuenta la historia de una ciudad que se encontraba sometida por un dragón, el cual era alimentado con ovejas. Cuando las ovejas escasearon los pobladores comenzaron a sortear entre los habitantes a los sacrificados para saciar el hambre de la bestia, hasta que un día fue seleccionada la hija del rey. Fue cuando San Jorge llegó a enfrentar al dragón y liberó a la comunidad.

La intervención de San Jorge 

La banda tenía la necesidad de adaptar el cuadro de Rubens a la actualidad, pero se encontraron con el problema de que cualquier cosa que hicieran no superaría el porte de Rubens. Pidieron permiso al Museo del Prado para hacer uso y reproducir la pintura de La lucha de San Jorge y el dragón.

Fue el diseñador Diego Delgado quien intervino la pieza, utilizando una muy sencilla experimentación, pero que refleja muy bien la distorsión y psicodelia de la música. 

Beginning: el nacimiento de una nueva voz

por: Mauricio Tinoco Pérez

Advertencia: La reseña de esta película contiene descripciones de delitos sexuales.

Dea Kulumbegashvili, cineasta georgiana, lanzó su ópera prima Beginning el año pasado. En el Festival Internacional de Cine de San Sebastián se llevó 4 de los 7 principales premios y fue aclamada por la crítica como “la película internacional del año”.

El cine se ha vuelto un terreno fértil para diversos artistas. Agnès Varda estudió fotografía fija, igual que Stanley Kubrick. Guillermo Arriaga ha viajado entre la novela de ficción y el cine. En este medio, grandes artistas han podido expresar ideas y emociones que a través de otro medio no han logrado.

El largometraje se encuentra plagado de situaciones machistas y sexistas. Desde el punto de vista de “la esposa” de una especie de pastor religioso, cuya única función es apoyarlo a él en lo que sea que necesite.

“Hasta los 17 años comencé a ver películas, antes de eso no había manera porque estábamos (en Georgia) en una guerra civil. Antes de eso leía mucho, me perdía en el bosque, jugaba en la calle con otrxs niñxs” comenta Dea durante la entrevista exclusiva de MUBI que sale después de la cinta. Beginning es la historia de la esposa de un líder local de los testigos de Jehová. Su nombre es Yana y sus problemas existenciales son los mismos que los de muchas personas, ¿qué sentido tiene seguir aquí? ¿por qué siento que ya no puedo más? Las preguntas que se hace siempre encuentran una pared fría y desinteresada en su esposo, David.

La película comienza con una escena fascinante; Yana está preparando todo en un salón de conferencias. Acomoda las bancas, prende las luces. Poco a poco, los feligreses comienzan a llegar y a sentarse. David, el líder, entra y comienza a hablar de un pasaje bíblico. La energía es pausada, tranquila. Súbitamente, alguien abre la puerta y avienta una bomba molotov. Cunde el pánico, todxs quieren salir, pero las puertas están bloqueadas. El salón de conferencias también está ardiendo por el exterior. La cámara nunca se mueve. Todo el tiempo, desde que inició la escena, se quedó estática. El mensaje es claro: no son bienvenidos.

La secuencia inicial, en la que incendian el salón de conferencias de los testigos de Jehová es hipnótica. Una muestra cruda de lo que es el odio.

La capacidad de Dea Kulumbegashvili de transmitir emociones es algo que pocas veces se encuentra en el cine. La cámara está usada de una manera anticuada, y sin embargo no es algo teatral lo que estamos viendo (esto pasaba mucho en los inicios del cine. La cámara se dejaba estática en un lugar y todas las acciones pasaban frente a ella). Todo lo contrario, la capacidad de la actriz principal y el resto del elenco de transmitir lo que sucede es magistral.

En un momento de la cinta, Yana camina por el bosque junto con su hijo, Giorgi. Mientras él juega, ella se acuesta en el pasto. Lo que vemos durante los siguientes 6 minutos es su cara; la luz cambia, los sonidos también, pero su rostro se queda igual durante ese tiempo. La capacidad de una directora para poder jugar con los elementos que hay fuera del cuadro es justamente lo que permite que la cinematografía exista. Literalmente está pensando fuera de la “caja”, está comunicándose a través del lenguaje cinematográfico, el cual siempre ha sido maleable al gusto de cada directorx.

Hacia la mitad de la película, un detective de policía viola a Yana. Una escena que ocurre lejos de la cámara; no podemos escuchar gritos ni gemidos, solamente observamos el forcejeo y la consumación del acto, ¿cómo seguir adelante después de eso? ¿realmente esto era lo que le faltaba a la vida? ¿ahora Yana tiene un propósito?

“Hace algunos años leí en el periódico que una mujer había asesinado a su hijo. Eso fue todo, ninguna explicación. Quise explorar eso, quise saber qué tipo de vida pudo haber llevado una mujer para que hiciera eso.”, apunta la directora en una entrevista realizada por Notebook. Yana, en la penúltima secuencia, asesina a Giorgi. Le da un licuado con un bote entero de pastillas para dormir. Se lo dice a su esposo, David, con naturalidad.

— ¿Dónde está Giorgi? Se fue a dormir muy temprano.

— Lo acabo de matar.

No podemos hablar de Beginning sin hablar de la magistral fotografía de Arseni Khachaturan, un director de fotografía bieloruso de apenas 28 años que probablemente se convierta en un referente de su generación.

La película termina de la misma manera en la que empieza, con una imagen bíblica y misteriosa, que seguramente habitará en la mente del espectador para siempre. En Dea podemos encontrar influencias tan diversas que sería imposible nombrar una que predomine. Lo que es seguro es que nos encontramos frente a una directora que tiene una voz propia, una manera de dirigir que sobresale de lo que se está haciendo hoy en día en el mainstream; Beginning es el nacimiento de una artista: Dea Kulumbegashvili.

FESTIVAL ZANATE: 6 PELÍCULAS CON ADN CHILANGO DISPONIBLES EN FILMINLATINO

El Festival de cine documental mexicano Zanate se realiza desde 2008 en la tierra favorita del sol, Colima, México. Este año cumple 14 ediciones apostando por el cine transformador, reflexivo e incluyente. Son 29 películas las que compiten en 4 categorías: Gran Premio Zanate (largometrajes), Zanate Corto-Mediometraje, Zanate Universitario y Zanate Colima (producciones locales).

Desde sus comienzos, Zanate ha apostado exclusivamente por el cine documental mexicano y cada año se reciben decenas de proyectos grabados en Ciudad de México o con realizadores chilangos. Estas son las que compiten en 2021.

La ciudad de la pericia | Dir. Yesenia Novoa Rodriguez | Compite en la categoría Zanate Corto-Mediometraje

Desde hace varias décadas, la Ciudad de México enfrenta graves problemas de movilidad y en el último año impulsada también por la pandemia, la bicicleta ha tomado gran fuerza para solucionar esta problemática. Sin embargo, por la poca protección hacia los usuarios, la escasa infraestructura ciclista y la falta de cultura vial han aumentado el número de accidentes y muertes año con año.

Disponible en Filmin Latino el miércoles 24 de noviembre.

No callarán nuestras voces | Dir. Yennué Zárate Valderrama | Compite en la categoría Zanate Corto-Mediometraje

México es uno de los países más peligrosos para ejercer el periodismo, han sido asesinados y asesinadas 131 periodistas desde el 2000. En este contexto, las mujeres periodistas enfrentan un doble desafío: en primer lugar, trabajar en un país con un alto grado de hostilidad hacia su gremio y, en segundo lugar, su condición y situación de género en un feminicida.

Disponible en Filmin Latino el sábado 27 de noviembre.

Victoria | Dir. Eloisa Diez | Compite en la categoría Zanate Corto-Mediometraje

En una ciudad pequeña, católica y conservadora de los Altos de Jalisco, Alex pierde la custodia de su hija. Tras una larga lucha judicial, busca la forma de cumplir la promesa que le hizo al nacer: estar siempre con ella. Al tiempo que defiende sus sueños: la paternidad, la música, ser hombre.

Disponible en Filmin Latino el viernes 26 de noviembre.

Flores de la llanura | Dir. Mariana X. Rivera | Compite en la categoría Zanate Corto-Mediometraje

Yecenia, una joven tejedora, atraviesa un duelo a causa del feminicidio de su prima. A través de un ritual colectivo entre mujeres honran su memoria y el legado textil que han heredado de sus abuelas.

Disponible en Filmin Latino el jueves 25 de noviembre.

La fuga | Dir. Kani Lapuerta | Compite en la categoría Zanate Corto-Mediometraje

La fuga acompaña el viaje interno de ocho hombres, que a través de un taller de teatro van transitando por las diferentes prisiones que habitan.

Disponible en Filmin Latino el sábado 27 de noviembre.

Temporada de campo | Dir. Isabel Vaca | Compite en la categoría Gran Premio Zanate

El verano ha comenzado y para Bryan sólo significa una cosa: trabajar en el campo con los toros de lidia. Junto a su abuelo y sus tíos, Bryan tendrá que demostrar que tiene lo que se necesita para convertirse en un vaquero más de la familia, mientras intenta escapar de un regreso a clases que parece inevitable.

Disponible en Filmin Latino el lunes 22 de noviembre.

Estas tan solo son 6 de las 29 películas en competencia, la mayoría estarán disponibles en la plataforma de FilminLatino.mx durante 24 horas el día de su proyección. Puedes consultar la cartelera completa por categoría aquí.

Arte en tu idioma

Por Laura Castillo (@martketmx

La diversidad de lenguas que se hablan en el mundo es enorme. El lenguaje está en constante cambio y evolución y si bien los políglotas nos dirían que es posible, aprender suficientes idiomas para entender a la diversa sociedad de la tierra es una tarea complicada. 

Sin embargo, hay formas de comunicación que se han vuelto universales. Ciertas señas con las manos o expresiones faciales significan cosas similares en diferentes culturas. Sin duda, los sentimientos que despierta el ver una obra de arte, un edificio arquitectónicamente impresionante o la destreza de los artistas en una puesta en escena, son algo tan inconsciente e instintivo que puede llegar a unirnos con alguien de un rincón recóndito de la tierra. 

Los cuadros más famosos de la historia en gran parte deben su lugar en el pensamiento colectivo gracias a las reacciones que han provocado en sus espectadores a lo largo del tiempo. 

La Balsa de la Medusa, 1818-19, Théodore Géricault

Puedes no saber todo el contexto político alrededor del naufragio de la balsa francesa  Medusa en 1816, pero al ver el cuadro de Theodore Géricault, La balsa de la Medusa, 1819, inmediatamente sabes que el evento fue un desastre. El dramatismo, desesperación y agotamiento de los personajes del cuadro, transmitido a través de la paleta de color del pintor y de la expresión figurativa, te hacen sentir la pérdida de esperanza que Géricault quiso compartir. 

Algunos otros cuadros requieren un poco más de esfuerzo lingüístico para entenderse por completo, La traición de las imágenes, 1928-1929, de René Magritte y su famoso Ceci n’est pas un pipe, nos deja muy confundidos como espectadores. El cuadro con seguridad ha sido traducido miles de veces, abriendo la puerta a un concepto innovador en su época sobre la materialidad de los objetos. 

La Traición de las Imágenes, 1928-9, René Magritte

La lengua aquí juega un papel fundamental. Si bien el arte es una llave de entrada a otras culturas, los idiomas son también una puerta de acceso tanto al arte como otras formas de vida y puntos de vista sobre el mundo. 

La posibilidad de comunicarse en otro idioma, no solo es de gran relevancia para los negocios, estudios y propósitos profesionales, también abre la puerta a muchísimos medios de acceso al arte y la cultura internacional. 

Estudiar un idioma ajeno a la lengua materna es el primer paso en el acercamiento a nuevas ideas, costumbres, gustos y formas de esparcimiento. Uno de los momentos más satisfactorios y especiales al aprender un idioma es entender una película sin subtítulos, o leer un párrafo completo de tu novela favorita y saber que lo lograste, que un nuevo programa está instalado en tu cerebro y ahora puedes entender a un porcentaje mayor de les habitantes del mundo. 

No es necesario saber alemán para sentir una profunda tristeza al ver los grabados de Käthe Kollwitz, pero leer sus escritos le dan una nueva dimensión a sus creaciones. 

Arte lenguaje grabado arte
Las Madres, 1921-2, Käthe Kollwitz

En la tarea de expandir los horizontes a nuevas lenguas, la CDMX cuenta con una rica oferta de opciones, desde los más tradicionales cursos de gramática y vocabulario, hasta iniciativas innovadoras que vinculan directamente el estudio de las lenguas con el arte y la cultura. 

Una opción para aprender y practicar francés son la biblioteca y el cinéma del Instituto Francés de América Latina (IFAL). Recién reabrieron sus puertas al público y ofrecen una amplia gama de títulos para los lectores y cinéfilos que buscan opciones alternativas a las librerías y cines de siempre. Asimismo, estudiar francés no se trata solo de saber conjugar el verbo être y Cultissime, la iniciativa lingüístico-cultural que nació en 2021, lo sabe de sobra y lo detenta como uno de sus pilares. Ofrecen una rica variedad de opciones para adentrarse a la cultura francesa desde diferentes puertas: literatura, cine, gastronomía, movimientos sociales y vinos y alcoholes, son los diferentes lentes que uno puede ponerse para aprender sobre Francia y su idioma. 

Si lo que quieres es adentrarte a la cultura alemana, una opción cultural para practicar y mejorar el idioma es el acervo del Goethe Institut, cuentan con una biblioteca y librería con cientos de títulos, talleres culturales y ciclos de cine para vivir la experiencia cultural completa. Está por terminar la vigésima Semana de Cine Alemán y aún quedan algunos días para disfrutar de sus propuestas. 

IFAL —— Río Nazas 43, Cuauhtémoc, 06500 Ciudad de México, CDMX —— @ifal_mx

Cultissime ——- @cultissime.mx

Goethe Institut ——– Tonalá 43, Roma Nte., Cuauhtémoc, 06700 Ciudad de México, CDMX ———- @goetheinstitut

Raquel entrevista a Courtney Barnett

Raquel: Estoy muy emocionada de conocerte, nunca creí que esto pasaría. ¿Dónde estás ahora?

Courtney Barnett: Estoy en Joshua Tree, California

R: Acabo de escuchar tu disco, Things Take Time, Take Time. Es todo azul y hermoso. También es algo nostálgico, de algún modo como una aceptación de la muerte.

CB: Sí

R: Obviamente lo grabaste durante la pandemia y es algo que sube los ánimos al escucharlo, pero ¿cómo fue para ti escribirlo y grabarlo?

CB: Fue una especie de viaje, el proceso de escritura. Medio lo estuve trabajando por los últimos dos años, pero definitivamente mucho de eso fue durante tiempos de pandemia, así que sí. Fue toda una montaña rusa emocional, como todo el mundo seguramente puede entender en su propio modo. Fue un buen proceso para mi, creo. Muy reflexivo. Me hizo evaluar mi vida en distintos modos y sí, terminó siendo esta cosa muy alegre, de lo cual me enorgullezco mucho.

R: Siempre has logrado ser muy honesta y cercana con tu audiencia en términos de lo que dices con tus letras, y siempre logras hacerlo alegre al mismo tiempo. Esto es algo muy placentero, pero además creas una conexión fuerte entre ti y tu audiencia. Quizás no sea a propósito, pero cada vez que escuchamos tus canciones se siente como si te llegaramos a conocer mejor. Eres una gran letrista en ese sentido. Eres muy versátil, muy honesta y hay una intención en tus letras, lo cuál no es muy común hoy en día en la música. Escribes estas canciones en tu casa, luego sales al público y la gente las escucha, y generamos esta conexión contigo, que tu no conoces. Me imagino que de tu lado debe ser difícil. ¿Cómo es?

CB: Creo que, con el tiempo y la experiencia, he aprendido que eso es la música muchas veces. Estas experiencias emocionales compartidas. Dijiste algo sobre que pueden llegar a conocerme más y creo que eso es una manera muy linda de verlo, porque es muy parecido a como yo lo vivo. Muchas de las cosas que he hecho las hago explorando mi cabeza y mis emociones , así que al mismo tiempo yo también llego a conocerme a mi misma. Para mí la música tiene que ver con contar historias y conectar a través de la empatía y las experiencias compartidas y amo que gente del otro lado del mundo pueda escuchar algo sobre lo que estoy cantando y crear alguna especie de conexión propia. Su propia proyección emocional sobre lo que sea que estén viviendo. Pienso que es increíble.

R: Tú tienes este énfasis narrativo en tus letras. La manera en que cantas es como spoken Word a veces, y se siente como un flujo de conciencia que obviamente es un producto de tu propia experiencia en el mundo, pero termina diciendo tantas cosas con las que nos podemos relacionar. Tienes esta costumbre de estar en contacto con tu audiencia todo el tiempo. Como dinámica en la que te enviaban una postal con cosas que esperar del futuro. Siempre tienes estos gestos con tu audiencia. Primero que nada, escribes todas las canciones en segunda persona, así que siento que me las estás cantando a mi. Además, siempre tienes este tipo de ejercicios con tu audiencia. ¿Tiene algún propósito creativo o solamente lo tomas como retroalimentación?

CB: Creo que simplemente es algo que hago naturalmente. Muchas de mis canciones empiezan como cartas para personas o para mi misma. Esa es la segunda persona, ese es el “tú”, que soy yo, o escribiéndole una carta directamente a alguien, ese es el “tú”, que es elles. Después me doy cuenta de que no importa tanto porque todo es intercambiable, así que puede empezar siendo hacia una persona o en una dirección y después cambia de cualquier modo con el tiempo. Después las personas lo escuchan y lo interpretan, entonces cambia de nuevo. Así que sí, es lindo darse cuenta de eso y entonces te das cuenta de lo fluido que es. Que la vida no es tan linear como crecí creyendo.

 R: Tenemos poco tiempo, pero hay muchas cosas aún de las que quiero hablar. Eres una gran artista de covers, sacaste una versión de I’ll Be Your Mirror para el álbum tributo de The Velvet Underground, que también le da el título al álbum.  Gran cover. Pero también quería hablarte del cover que hiciste de So Long, Marianne de Leonard Cohen tu MTV Unplugged. Quizás sea mi cover favorito de todos los tiempos, te quería compartir eso.

CB: Gracias

R: ¿Quizás podríamos hablar con el tiempo que nos queda del documental Anonymous Club, de Danny Cohen, que se presentó en el festival internacional de cine de Melbourne?

CB: Eso se suponía, pero finalmente se canceló porque tuvimos otro confinamiento forzado.

R: Lamento escucharlo. ¿Podremos verlo en algún momento?

CB: Creo que en algún punto del año entrante sale oficialmente, en otra parte.

R: Se ve increíble. Muestra exactamente lo que todes pensamos de ti, como una persona con mucha profundidad. Te agradezco que hayas hecho eso, sé que es muy difícil y que a veces entra la timidez cuando se está frente a una cámara.

CB: Sí, es confrontativo, pero creo que a veces está bien confrontarnos a nosotres mismes.

R: Me encantaría tener más tiempo contigo Courtney, pero me están diciendo que tenemos que concluir esto. Sería muy lindo tenerte en nuestros estudios en Aire Libre. Cuando sea que vengas a México, date una vuelta. 

CB: Me encantaría. Muchas gracias, lindo hablar contigo.

Pueden ver toda la entrevista aquí:

Entre mezcales y temazcales: entrevistamos a La Femme

Por Rodrigo Derbez Safie

El jueves de la semana pasada tuvimos el gusto de tener aquí en la estación a La Femme, unos días antes de su participación en el Hipnosis. Primero nos deleitaron con un set en vivo que nos tenía a todxs bailando, donde nos tocaron algunas de las canciones de su nuevo álbum, Paradigmes, como Nouvelle Orleans y Cool Colorado. Después, Raquel y Victor tuvieron la oportunidad de entrevistarles. De acuerdo con lo que comentaron en la entrevista, Estados Unidos está especialmente presente en este disco, debido a que ahí estuvieron durante todo el proceso creativo y la grabación.

También tocaron Sur La Planche 2013 y Nous Étions Deux, un par de hits de su primer álbum, Psycho Tropical Berlin. Recuerda Raquel que cerca de aquellos tiempos, en 2014, vinieron por primera vez a México y ella tuvo la oportunidad de entrevistarles. En ese entonces no eran muy conocidos y tocaron en la terraza de una tienda de ropa en la Roma, si bien fue ese mismo primer lanzamiento el que les pondría en el ojo internacional.

De su segundo álbum, Mystère, solamente tocaron una canción, Où va le monde, la cual es su canción más conocida. Fue en el tour de ese segundo lanzamiento que volvieron a tocar en México, exactamente el 3 de octubre de 2017, en el Plaza Condesa.

La Femme en el Plaza en el 2017

Fecha complicada, puesto que un par de semanas antes fue el temblor del 19 de septiembre, que dejó sacudida a la Ciudad de México. En realidad, ellos recuerdan estar aquí y recibir mensajes por Facebook diciéndoles que tuvieran cuidado, que el lugar en el que iban a tocar se podía caer. Ahora que volvieron, tenían ganas de volver a tocar ahí, pero el Plaza Condesa cerró por la misma razón: alto riesgo de colapso.

Nos comentan en la entrevista que en este nuevo álbum también tuvieron la oportunidad de explorar nuevos sonidos. La canción Le Jardin es su primera en español, mientras que Va toma prestados sonidos de la zona de Grecia y Turquía para la composición melódica.

Sobre su comida mexicana favorita, los tacos de la calle y el consomé, sobre todo después de una noche de estar tomando y fumando. Sus bebidas favoritas, la crema de mezcal y el pulque. También nos expresaron su gusto por ir al temazcal. La Femme cerró su breve gira por México con su participación en el Hipnosis el pasado sábado 6 de noviembre. Puedes ver la entrevista aquí a partir de las 8pm:

La Birria es Bella – El blues de la Ciudad de México

(primera parte)

En su paso por México, el beatnik Jack Kerouac escribió un compendio de poemas llamado Mexico City Blues. La verdad es que poco o nada de esos poemas hablaban sobre nuestra ciudad. Por eso, hoy les voy a contar cómo fue que llegué al blues, y de qué manera, la Ciudad de México me ha formado y deformado en este antiguo camino.

Todo comenzó cuando tenía 25 años y sentía una honda nostalgia por mi tío Eduardo (figura medular de este viaje y mentor autodidacta de mil trucos para sortear situaciones cotidianas), quien desapareciera por ahí del año 2003 intentando cumplir su sueño de tocar en la Meca del blues: La bella airosa, Chicago.

Cursaba los tiempos extra de mi carrera de psicología y la vida académica me hacía poco sentido (por no decir, me daba muchísima hueva). Una fuerte inquietud de vida inundaba mi ser y la única persona con la que podía compartir todas las ideas y sensaciones que tenía en ese momento, estaba desaparecida. Sentía que sólo él podría entender los viajes que cruzaban mi cabeza. Me moría de ganas de echarme un toque con él y platicar sobre todo y nada, escuchar música, que me hablara de sus viajes en sustancias y sobre la vida, el amor y la muerte.

Un buen día, hurgando entre cajas, apareció aquella armónica que en su momento, sustraje de ese maravilloso set de Hohner Blues Harp, que tiempo después, sería vendido o cambiado por piedra, por unos infelices drogadictos a quienes di asilo una temporada en la casa donde vivía. Aquella diatónica en fa sostenido se volvió mi compañera inseparable. La tocaba en el metro rumbo a la universidad, en sus pasillos, callejones, escaleras, salones, baños, jardines, fuentes, paraderos, camiones y demás. Ya tenía hasta la madre a todos mis cuates pues, como buen principiante, sonaba de la verga y siempre repetía el mismo trino. Estaba empecinado en tocar como los viejos bluesman a quienes escuchaba noche y día en mis discman. Mi tío había dejado una nutrida colección de compactos con las figuras más representativas del blues de Chicago, la costa oeste, Detroit, el delta del Mississippi y más. 

Poco a poco fui entendiendo el instrumento, la manera en la que estaban distribuidas las notas, los tonos, los sonidos que se obtienen al soplar o aspirar de cierta manera. Igualmente “educar” el oído, reconocer la vuelta de blues, sus 12 barras, sus turn around, las maneras de comenzar un blues, su lírica, su tocante poesía que habla de lo cotidiano, sus tristezas y la esperanza por tiempos mejores. Me atrapó por completo. Encontraba cierto halo de misticismo en todo eso y salía a la calle viviendo esa fantasía en carne propia. 

Tras meses de estar en el ajo, finalmente aprendí mis primeros blueses: Walter’s Boogie, Juke, Unseen Eye, King Bee, Help Me, Baby Please Don’t Go… etc. Sentía que era momento de entrar a la escuela del bues: La calle. Así que junte unos fierros y los cambié por un amplificador de batería recargable que compré en la calle de mesones. Mi carnal me prestó un micrófono que tenía por ahí, agarré una boinita que me había regalado mi suegra y me lancé a las calles del centro, sin expectativa alguna mas que compartir esos viejos buenos blueses con la gente transeúnte. Después de deambular por algunos rincones, llegué al que sería mi lugar favorito: La esquina de 5 de mayo y bolívar. En ese entonces, había una zapatería muy bonita estilo Art Noveau donde la resonancia del amplificador era impresionante; además, la banqueta era ancha y la gente podía seguir su rumbo sin entorpecer su trayecto por mi presencia. Era un buen sitio.

Por lo general la gente que pasaba frente a mi, salía un poco de su rutina. Se extrañaban de ver a un chico tocando un instrumento que no es muy común en el haber musical nacional, entonando canciones en inglés, emulando una voz tosca, grave y ronca muy en la onda de Tom Waits. Aflojaban un cambiecito y se iban. Otros tantos hasta fotos me tomaban o se quedaban a platicar conmigo un ratito, me pedían rolas que no conocía o me decían que les recordaba a un viejo amigo. 

Soplaba y cantaba hasta que me salían llagas en las comisuras de la boca. A veces, sangraba y era muy doloroso seguir pero todo era parte de la formación, del hacer callo en los labios y aprender a dejar la vergüenza atrás, para poder tener la confianza de hablarle a un público que solo existe, cuando deja de lado el destino o las obligaciones que le llevan a transitar las calles y se detiene a escuchar un blues.

Sacaba entre $50 y $100 varos la hora y con eso me compraba una torta y un jugo. Me sentía pleno de “ganarme la vida” así, cultivando la vagancia que siempre me ha atraído, camuflándome en los rincones grises del centro mientras atrapaba las miradas de las personas, sus oídos, las sonrisas que eventualmente me compartían, sintiendo su energía, comunicando esperanza, fuerza y amor. Estaba viviendo el blues y ya se me había vuelto costumbre salir a rolar los fines de semana a practicar y sacar un cambio para las chelas. ¿Habría estado orgulloso mi tío de mi?, ¿le habría latido mi manera de tocar y cantar?, pensaba mucho en eso pues siempre ha sido y será mi inspiración para tocar el blues. Nunca lo sabré a pesar de que cuando lo hago, siento que algo en mi se conecta con él y al fin podemos platicar como me habría gustado, aunque ya no esté aquí, vive en mi cada que entono ese viejo, bueno, blues.

La contracultura del punk a través del collage: Insomniac de Green Day

Por Laurel García

Sus primeras presentaciones tuvieron lugar en el escenario del Club 924 Gilman Street, espacio que gestó bandas como Dead Kennedys, Primus, y muchas más de la escena punk en California. Green Day inició como una agrupación de punk rock que ha procesado su sonido hacia una tendencia más pop y de rock alternativo. 

Entre sus producciones más icónicas se encuentra Dookie (1994), reconocido como un hito dentro de la historia del punk que, en esa época, buscaba darle batalla al grunge en los escenarios underground. Su sucesor, Insomniac (1995), se integra al top de sus mejores discos, además de que porta una obra del artista de la contracultura Winston Smith.

Insomniac (1995)
God Told Me to Skin You Alive

Un concepto contestatario

Winston Smith es un artista de Oklahoma que se desempeña como ilustrador y diseñador, utilizando principalmente el collage. Para él, la fuerza de esta técnica radica en la resignificación de los elementos, que extrae de revistas, periódicos, libros y obras de arte. 

El nombre real del artista de 69 años se desconoce, ya que Winston Smith es el pseudónimo que tomó de la novela distópica de  George Orwell, 1984. Winston expresa en sus creaciones la frustración de vivir en un mundo controlado, llevando a cuestionar al espectador en qué sociedad vivimos.

El artista de la contracultura y surrealismo tiene fuertes vínculos con la escena del punk, siendo el diseñador del logo de los Dead Kennedys y artista visual de varias de sus portadas.

Insomniac porta el collage titulado God Told Me to Skin You Alive (primer verso de la canción I Kill Children de los Dead Kennedys). En él se aprecia la imagen de un dentista estilo futurista que también se encuentra en el cuadernillo del disco Plastic Surgery Disasters (1982). Además, mezclado entre las llamas se divisa un cráneo deformado, el cual Winston tomó de la pintura Los embajadores (1533) de Hans Holbein. 

Plastic Surgery Disasters (1982)
Cuadernillo interior del disco.

Winston más allá de la portada

En un principio esta producción tenía dos tentativos nombres: Jesus Christ Supermarket y Tight Wad Hill; fue Winston quien cambió esa dirección. Cuando el disco fue publicado, Armstrong declaró que decidieron llamarlo Insomniac por los problemas que él tenía para dormir, así como Winston (lo que permitió que la portada estuviera antes de tiempo).

Por otro lado, la falta de sueño fue plasmada por Armstrong en Brain Stew, tercer sencillo del álbum, canción que habla de las alucinaciones frecuentes del vocalista a causa del insomnio. 

Songs My Brothers Taught Malick

Por Mauricio Tinoco Pérez

Chloé Zhao, una directora de ascendencia china que ya cuenta con cuatro largometrajes, saltó a la fama mundial hace poco más de un año. Su más reciente proyecto, Eternals (2021),se estrenó el 4 de noviembre en nuestro país.

Antes de ganar el Oscar por Nomadland (2020), Zhao se dio a conocer con Songs My Brothers Taught Me (2015): la historia de John Winters y su vida en la reserva Pine Ridge, ubicada en Dakota del Sur, Estados Unidos.

La actuación de John Reddy como John Winters es extraordinaria.

John es un adolescente que está terminando la preparatoria y es muy cercano a su hermana menor Jashaun. Ambxs viven con su madre, una figura ausente debido a su alcoholismo. Al inicio de la película nos enteramos del fallecimiento de su padre, que a su vez es progenitor de otrxs 25 niñxs de la reserva, enviudando a 9 “supuestas esposas”.

John quiere irse de la reserva con su novia a Los Ángeles, para que ella estudie la universidad y él busque empleo. Su hermano mayor, que está en la cárcel, le dice que se vaya en cuanto pueda, que no lo piense, pero hay algo que detiene a John: Jashaun.

Esta cinta fue parte del laboratorio de desarrollo del Festival de Sundance, estrenándose en el mismo festival con opiniones divididas.

Songs… es un gran debut, sin embargo, carece de profundidad tanto en sus personajes como en su temática. Aún así, como estudio antropológico se observa el esfuerzo. Según la revista Empire, la directora vivió cuatro años en la reserva antes de siquiera pensar en grabar algo. Y se nota. El largometraje nos adentra en la difícil vida de las reservas de nativos americanos en Estados Unidos, un día a día lleno de carencias, familias rotas y adultos recayendo en las drogas.

El montaje de la película se siente en muchos momentos como una libre asociación, producto de la influencia de Malick. Sin embargo, detrás del estilo Malickiano se esconden muchos simbolismos y mensajes del inconsciente. Aquí, solo se percibe como un acomodo aleatorio.

La influencia de Terrence Malick en el cine de Zhao es innegable, la poesía visual que busca a lo largo de la historia es un tributo a todas luces. Solo basta asomarse a The Tree of Life (2011) para darse cuenta.

A pesar de las deambulaciones cinematográficas, junto con los actores no profesionales (que por cierto, ¡actúan muy bien!), no basta para terminar de conectar con esta cinta. Las películas en las que no pasa nada durante una hora y media son grandiosas, porque es justamente en ese “no pasa nada” donde ocurre todo (como recomendación, Gerry de Gus Van Sant es grandiosa). Lamentablemente, Songs My Brothers Taught Me no produce nada memorable, nada que permanezca en la memoria como algo trascendente. Una anécdota respecto a la vida de los indios americanos que se esfuma tan pronto salen los créditos finales.

Chloé Zhao buscaba claramente una voz propia en este proyecto. En Nomadland buscó los reflectores, ahora con Eternals aspira a… ¿qué? Esperemos que reanude en algún punto de su carrera el digno esfuerzo que realizó en esta ópera prima.

De los suburbios australianos para el mundo: Courtney Barnett

Por Rodrigo Derbez Safie

La artista originaria de Australia se ha hecho de un nombre cada vez más grande dentro de la música indie. Es zurda, y no usa plumilla al tocar la guitarra. En realidad, comenzó a una carrera de artes en una universidad en Tansania, hasta que decidió salirse y dedicarse de lleno a la música. Lxs más de un millón de oyentes mensuales que tiene en Spotify probablemente aprueban su decisión.

Hija de una bailarina de danza clásica y un diseñador gráfico, siempre estuvo inmiscuida en un ambiente artístico, si bien aislado dentro de una vida promedio en un suburbio australiano.

Su primer álbum, Sometimes I Sit and Think, and Sometimes I Just Sit salió en 2015 y fue un éxito internacional, ganándole premios e incluso una nominación a los Emmy’s, gracias a sus sencillas pero cautivantes canciones, que se sienten como sentarse con ella a tomar un café o un tesito en la sala de su casa.

Todos sus discos han salido bajo el sello de Milk! Records, fundado por Barnett en conjunto con su expareja Jen Cloher. Su relación concluyó en 2018, pero ambas continúan asociadas con el sello. Hand Habits y Sleater-Kinney son otros de los proyectos musicales más destacados asociados con este sello, que tiene 15 artistas asociados en total.

Este viernes sale su más reciente proyecto, Things Take Time, Take Time, donde toca temas como el rompimiento de una relación amorosa y la pandemia, desde una mirada íntima y cotidiana. Esto es lo que la ha caracterizado a lo largo de su carrera, el modo en que te transmite su propia sencillez y en que sus canciones se vuelven una especie de mirada dentro de su cotidianidad.

El jueves tendremos el gusto de tenerla como invitada en el programa de Raquel y Víctor, donde nos contará acerca de su nuevo proyecto y cómo han sido estos últimos años en su vida. No se olviden de sintonizarse a las 6pm por el FM o por la señal digital aquí en airelibre.fm para escuchar lo que nos tiene que decir.  

Entrevistamos a Los Hermanos Gutiérrez

Valeria: ¡Por fin nos pudimos ver las caritas otra vez con los Hermanos Gutiérrez! Están aquí Stephan y Alejandro en el estudio de Aire Libre. En breve van a hacer una sesión en vivo. ¿Cómo están? Qué gusto verlos.

Hermanos Gutiérrez: Hola querida, nosotros muy bien, muy contentos de poder estar aquí nuevamente. Muchas gracias por recibirnos.  Muy emocionados de estar aquí y, sí, les vamos a presentar nuevos sonidos.

V: Eso me emociona mucho, de verdad ya saben que esta es su casa. No lo tenemos que volver a repetir, pueden quedarse aquí si quieren a dormir. La última vez que platicamos habíamos hablado de los Hijos del Sol, que fue este release el año pasado que es bastante hermoso. Platicamos ahí de las influencias que hubo del Bahidorá y demás. Y luego, se acabó el mundo. Hablamos desde Zoom y ahora por fin estamos acá. ¿Cómo se sintieron de volver a tocar para un público que ya estaba hambriento de escuchar música en vivo?

HG: Fue justamente así como tú lo dices. El público estaba esperándonos con tanto cariño y amor que fue para nosotros muy impresionante y sentimos una emoción grandísima de volver poder acá.  Dos días antes de venir a México se sintió muy surreal pensar en volver “¿Cómo que vamos a ir a México a tocar?” Pero una vez que ya estuvimos aquí, lo sentimos: “ ok, se siente bien, estamos listos”.

V: Justo ayer platicaba aquí al aire que la ultima vez que vi un concierto fue en General Prim, ustedes tocaron. Estuvo increíble, fue muy emotivo. Yo estaba cubriendo otro evento, igual en General Prim y terminé en su presentación y creo que fue de las cosas mas lindas que he podido presenciar.  Y bueno, ahora Esperanza Tour, este año. Creo que siempre me entra este trip de que cuando viajas, vuelves a ver gente, tienes experiencias nuevas, te quedas con algo quieres plasmar de alguna forma. ¿Ustedes tienen en mente sacar más musiquita? ¿Una colaboración por ahí?

HG: Sí, tenemos siempre ideas en nuestra mente y seguramente después de este viaje va a salir otra inspiración. Lo que sí hemos hecho, creado, es un nuevo sencillo que va salir muy pronto y estamos súper emocionados. 

V: ¿Cuándo va a salir?

HG. Es sorpresa, pero será en este mes. La canción se va a llamar Amor Profundo.

V: Ustedes siempre hacen música instrumental. ¿En algún momento les gustaría tal vez meter por ahí alguna voz, aunque sea unas melodías, ya sea suyas o de alguien?

HG: Nunca hemos pensado en buscar una voz porque pensamos que ya tenemos las voces de la guitarra y creo que eso es lo que hace nuestro sonido único. Por ahora estamos muy contentos de tener nuestras visiones y nuestras melodías. Tratamos de ser muy fieles a nuestra identidad, a nuestro concepto. Creo que en el formato en que tocamos ahora no sentimos la necesidad de voces. Si encontramos otro talento, otros artistas [que la utilicen], estamos muy abiertos a colaborar, pero tal cual no sentimos esa necesidad.

V: ¿Y se les antojaría fusionar ideas con algún artista que haga cortometrajes o algo audiovisual?

HG: Ese ejercicio de hacer un score para un cortometraje es una visión nuestra. Estamos aquí, disponibles para crear un score propio, hasta llegar a los Óscares.

V: ¡Eso!

HG: Queremos darle las gracias a Fernando Guisa, que nos apoyó y fue una parte muy importante para el cortometraje que hizo de Hijos del Sol. Sin él, esto no hubiera sido posible.

V: Una pregunta que no tiene nada que ver con música, pero ahora que están aquí en México, a mi me entra la curiosidad. ¿Si tuvieran que identificarse con un antojito mexicano, con cuál sería?

HG: Estamos muy metidos en los mezcales. Nos encantan. Por la misma razón, estamos muy metidos con el Electrolit. Las dos van en una, ¿no? Los últimos días han sido muy intensos con estas dos bebidas.

V: Es que el mezcal es muy traicionero. Ahorita que se van a ir a Oaxaca, va a estar fuerte eso, eh. Pues bueno, vamos con la sesión.

HG: Sí, estamos listos.

V: Espero que puedan volver próximamente a México, ya sea a un festival o una presentación. Nos va a dar muchísimo gusto tenerlos.

HG: ¡Muchas gracias por tenernos!

Puedes ver la entrevista a los Hermanos Gutiérrez en el siguiente link:

Entrevista Santa Salut

Entrevista a Santa Salut por Julia Toporek

Texto por Eréndira Casillas Cartas 

Salut Cebriá mejor conocida como Santa Salut es una rapera catalana que empezó a rapear por diversión, escribiendo y cantando rimas con sus amigas.

Fue hasta los 16 años al tener el contacto con el rap de los 80 y 90 que escribió sus primeras rimas serias. 

Así comenzó esta platica entre Julia Toporek y Santa Salut. Descubrimos el primer contacto que tuvo esta talentosa mujer, con el hip-hop. Cómo tuvo que vencer el miedo y dejar atrás el “Qué pensarán de mi”. El salto que tuvo que dar como lo comentó Julia, para poder dar inicio a su carrera. 

También nos compartió su experiencia con otras mujeres dentro de la escena del hip-hop en España. La diferencia de cuando Santa Salut comenzó, hace 5 años, y la hermandad que se ha creado entre ellas. Una competitividad sana con la que se apoyan mutuamente. 

Julia resaltó esa parte ya que estos detalles ayudan a que la escena crezca y por esta razón son las mujeres españolas las que han tomado la batuta en el género. 

Hablando de su nuevo sencillo “Oasis”, comentaron que dejó atrás los sonidos noventeros, evolucionando a crear una música con un flow muy fuerte. 

Acompañada por una banda que le da la emotividad necesaria a la letra y a las barras. Fue aquí donde platicó sobre el concepto donde se desenvuelve su nuevo disco “Discordia”.

Santa Salut mencionó que dejó atrás su zona de confort y exploró otros sonidos. La guitarra se volvió el instrumento protagonista y el amor el tema central. 

“Me llamó la atención que este tema puede dar para muchos cambios, desde estar en el mismísimo cielo hasta nuestro infierno más oscuro y podrido”. 

Entrevista a Wet Leg | Raquel y Victor

Entrevista LUMP | Raquel y Victor

Entrevista SNOWTHAPRODUCT | Julia Toporek

Hace unos días tuvimos el placer de tener a @SNOWTHAPRODUCT en nuestra cabina. Quédate a escuchar lo que esta talentosísima mujer nos dice acerca de su trayectoria, el antes y después de @Bizarrap, su visita por México y su más reciente colaboración al lado de @Alemán ¡Puro talento Mexa!

Entrevista Yoga Fire | Julia Toporek

Entrevista L`imperátrice | Joaquina y Valeria

A veces las cosas funcionan por las razones equivocadas.

por Laura Castillo (@martketmx

La semana pasada manejaba por Periférico, de Satélite hacia el sur, detrás de un camión de redilas que transportaba fruta. Nunca antes le había dado una segunda mirada a este tipo de camiones en búsqueda de algún tipo de valor estético o agregado a la función de transportar objetos y personas de un lugar a otro que posee inherentemente, sin embargo, desde que me encontré con el trabajo del artista guatemalteco, Dario Escobar (@dario.escobar), en la Galería RGR (@rgrart), el componente común de los camiones de carga se sustrajo para mí. 

Dario Escobar se caracteriza por investigar formal y conceptualmente los objetos e insertarlos en el campo de las artes visuales y la historia del arte. Sus planteamientos nos obligan como espectadores a replantearnos los vínculos que tenemos con la cultura de masas, la creación de identidades a través del consumo y a cuestionar la oposición entre lo “popular” y la “alta cultura”. Esto a través de la transformación de objetos cotidianos tanto industriales como de consumo. 

Desde 2012, Escobar se ha dedicado a crear piezas para la serie A veces las cosas funcionan por las razones equivocadas, que nos plantea las cuestiones de cómo, qué y quién define lo que es “popular” y lo que es “cultura”, enmarcado en una reflexión sobre la estrategia geométrica de los objetos. 

La construcción de puertas de redila juega con la combinación geométrica de las típicas líneas verticales, diagonales y horizontales, y transforma una puerta más allá de su función de cerrar un espacio, dejándola como la pieza final que acompleta el medio de transporte. Un camión que moviliza frutas, verduras, materiales y textiles a través de territorio guatemalteco y mexicano desde lugares lejanos hacia las grandes capitales que son los pilares económicos de esas naciones. 

Esta transformación inserta a la puerta en el campo artístico y de creación visual y la movilidad de los módulos de algunas piezas de la serie les permite enmarcarse en una corriente cinética donde el movimiento y la perspectiva del espectador respecto al objeto juegan un rol central. 

En estos casos, la función del objeto artístico y la interpretación están abiertas a la percepción del espectador, creando una interdependencia activa y dinámica para cada uno. 

La Galería RGR cuenta con una pieza de Dario Escobar y con una oferta variada de Op Art y arte cinético. Recomiendo mucho visitarla este fin de semana en el marco de la Gallery Weekend (@gwmexico). 

Dario Escobar https://www.darioescobar.com/es/

Galería RGR: Gral. Antonio León 48, Colonia San Miguel Chapultepec, Miguel Hidalgo – CDMX 11850 https://www.rgrart.com/

Agenda @Campechita Noviembre

En qué momento noviembre nos alcanzó… (inserte el gif de Travolta), jajajajaja. Así es el penúltimo mes del 2021 comenzó a correr y parece que tiene prisa, así que vamos a poner orden a la agenda para saborear el primer fin de semana y los días subsecuentes.

Empezamos con la edición número 20 de la Semana de Cine Alemán, la cual arrancó con la proyección de la cinta “El museo de cera”, cinta silente musicalizada en vivo por Bostich y Fussible, en esta ocasión, el tema es el “Exilio” y rendirán homenaje a Anna Seghers, quien por cierto vivió exiliada en México, pero también podremos ver lo más reciente de Fatih Akin, el debut como director de Daniel Brühl, cine para niñas, niños y niñes. Formato 3D, ya que podrán ver en salas de cine, en la página Goethe on demand y en funciones al aire libre. La cita es hasta el 14 de noviembre y echen ojo a goethe.de.mx

Otra opción para hoy y los jueves que siguen del mes es Jazzbook, festival organizado por el Fondo de Cultura Económica-Educal y El Convite, se trata de un evento que hace unos añitos se realizaba en la Ciudad de México y después de una pausa regresa y será con Alan Fajardo Quinteto, la cita es a las 18:30 horas en la Librería Elena Garro en Fernández Leal 43, La Concepción Coyoacán. Para el 11, tocará turno a Tania Guzmán Trío en la Librería Octavio Paz, el 18 Patricia Carrión y Víctor Patrón en la Daniel Cosío Villegas y el 25 de noviembre el cierre será con Vórtice Ensamble en la Rosario Castellanos. @JazzBook_

Para disfrutar con la pipiolera, una opción es “A golpe de calcetín” de Francisco Hinojosa, puesta en escena dirigida por Cristian David y Fernando Reyes Reyes con la compañía Idiotas Teatro y 25 producciones, la historia gira en torno a Paco Poyo, un niño de 10 años que abandonó la escuela a causa de la crisis económica en la época posrevolucionaria, entonces se dedica a vender periódicos en la calle, entonces un día aparece alguien y le dice que le va a comprar todos los diarios si le hace un favor… Grave error. Las funciones son sábados y domingos a las 13:00 horas en el Teatro Helénico en avenida Revolución 1500, Guadalupe Inn.

Danza con Alicia en el país del Ballet a cargo de Reyna Pérez con Ardentía Compañía de Danza, versión en ballet clásico que podrán ver el 6 y 7 de noviembre a las 13:00 horas en el teatro de la Ciudad, Esperanza Iris en Donceles 36, Centro Histórico. Recuerden que el aforo es del 75 por ciento y podrán adquirir sus entradas en Ticketmaster y directo en taquilla y se ahorran un varito.

El 6 de noviembre a las 17:00 horas será el primer concierto del Euro Jazz 2021, será en edición hibrída y para su primer concierto se anuncia “The Max Boogaloo´s”, ensamble austriaco conformado por trompeta, fiscorno, saxofón tenor, guitarra, órgano Hammond y batería. Conéctense en la página de Facebook Cenart México y a través de interfaz.cenart.gob.mx

Por último, el domingo a las 12:00 horas será inaugurada la edición 26 del Festival Internacional de Cine para niños y no tan niños, una fiesta que de verdad esperan les infantes para conocer las historias que niñas, niños y niñes de distintas partes del mundo cuentan en la pantalla grande. Encuentro organizado por La Matatena que vuelve a ser presencial y éste domingo será en la Cineteca Nacional. Para conocer toda la programación consulten lamatatena.org 

Nota de Saraí Campech

Regresa el Festival Hipnosis

Por: Rodrigo Derbez

El Hipnosis regresa este año, después de cancelarse en 2020 por culpa de la pandemia, con un cartel bastante interesante que mezcla talentos internacionales y nacionales con distintas propuestas de rock.

 El festival llega después de un ciclo de conciertos que organizó Hipnosis en junio y julio de este año, donde dieron espacio a distintxs artistas latinxs como Mabe Fratti y MEELT. Este ciclo se dio como preámbulo al festival que se relocaliza dentro de la Ciudad de México. Aquí te presentamos algunxs de lxs artistas que podrás escuchar este fin de semana:

La Femme:

El headliner del festival, La Femme cierra su corto tour por México con su participación en el Hipnosis. Esta banda francesa ha estado adquiriendo popularidad a nivel internacional durante la última década, desde la salida de su álbum debut Psycho Tropical Berlin. Sus rolas tienen una vibra especial. Mezclando sonidos psicodélicos con una vibra punk, crean un ambiente que te tiene bailando de principio a fin.

Los Dug Dug’s:

Esta legendaria banda de rock, originada en Durango en los 60’s, estará presente este fin de semana en el festival. El grupo se disolvió en 1985, pero desde el 2003 para acá se han reactivado, con apariciones esporádicas en distintos festivales y venues. El set que presentarán en el Hipnosis es uno especial, puesto que estarán recreando el que alguna vez tocaron en el Festival de Avándaro en 1971. Este festival es reconocido como uno de los eventos más importantes de la historia de la música en Latinoamérica, y Los Dug Dug’s nos permitirán asomarnos a esta época de la historia a través de su música.

Diles Que No Me Maten:

Otro conjunto mexicano, los Diles se han abierto camino en la escena emergente de la música mexicana desde su aparición en 2020. Esta participación es parte de su Gira “Funeral con Ritmo II”, posterior al estreno de su último álbum La Vida de Alguien Más. Esta banda trae un sonido fresco de rock psicodélico y experimental, integrando un ensamble clásico de rock con sintetizadores y saxofón en una de las propuestas nacionales más interesantes de los últimos años.

Para poder escuchar estas bandas y otros proyectos muy interesantes como tr/st, monolord y fuzz, no te pierdas el regreso de este festival el sábado en Quarry Studios, en el sur de la CDMX.

Lost Highway: las piezas faltantes del rompecabezas

Por Mauricio Tinoco Pérez

El hilo que conecta las dos historias de Lost Highway son un
par de gemelas que actúan siempre como Femme Fatale.

Cuando pienso en Lynch, invariablemente, me viene a la cabeza su divertidísima serie Weather Report o aquél clip que circula en internet en el cual regaña a alguien por querer hacer una escena más corta; es una de esas personas que es placentero ver relajado y enojado. Pero ya, hablando en serio, ver una película (o cortometraje) de este director es sinónimo de sumergirse en un mundo paralelo, donde no se sabe si lo que ves es real o una broma oscura.

Lost Highway (1997) es una de las últimas películas de larga duración que hizo David Lynch (después siguieron Mullholland Drive [1999] e Inland Empire [2006].  Desde entonces, el director ha realizado una gran cantidad de cortometrajes y series de televisión, pero no más largometrajes). La historia gira en torno al asesinato de una mujer a manos de su esposo –el protagonista– quien no recuerda haberla asesinado.

Las imágenes en cámara rápida de la carretera oscura, que no deja ver más
allá de unos cuantos metros, hace una alusión innegable a lo que es la vida presente.

Para Lynch, la trama y la narrativa son importantes para hacer una película, pero es aún más relevante que haya elementos abstractos, piezas de un rompecabezas que no encajan. Lost Highway es una meditación de nuestros actos, una exploración de hasta dónde podemos llevar nuestros deseos y anhelos. La carretera perdida es ese lugar en el cual transitamos: la vida. La gran mayoría de las veces, nos perdemos en sus trazos, sufrimos las consecuencias de nuestros actos. También hay ocasiones en las que logramos encontrar el camino de regreso.

A los 40 minutos de empezada la película, cambia el personaje principal. No entendemos por qué, no sabemos para qué, pero está bien. Este segundo personaje es muy parecido al anterior, un esclavo de sus deseos.

Mystery Man, momentos antes de que el protagonista asesine a su esposa. Miradas
que no pueden pasar desapercibidas.

“Mystery Man” es el personaje más interesante de la película. Tiene pocas apariciones, casi siempre siendo el augurio de algo malo, ¿o el provocador? Mystery Man está la noche en que nuestro protagonista asesina a su esposa. Mystery Man también está cuando nuestro segundo protagonista comete adulterio. Y Mystery Man está en la escena final ayudando a nuestro primer protagonista –porque sí, él regresa y el segundo protagonista, así como llegó, se desvanece– a expiar sus pecados. ¿son buenas o malas las intenciones de este personaje? Eso es algo que sale sobrando; Mystery Man siempre está ahí. Es la pieza del rompecabezas de Lost Highway que ata todo, aunque nunca entendamos bien cómo.

México para los contemporáneos

por Laura Castillo (@martketmx)

México es una nación rica en patrimonio y cultura. La expresión artística del mexicano ha sido un impulso constante desde la época prehispánica y gracias a la tarea de conservación y restauración de patrimonio, contamos hoy aún con piezas que materializan este impulso creativo a lo largo de la historia. 

Este 2021 es el año conmemorativo oficial de la independencia de México. Alrededor de tal evento, el Instituto Nacional de Antropología e Historia coordinó y gestionó la elaboración de la exposición La Grandeza de México. La exposición cuenta con dos sedes, el Museo Nacional de Antropología y el edificio de la Secretaría de Educación Pública ubicado en Luis Obregón #18. 

La exposición, compuesta por más de 1,000 piezas que varían entre lo arqueológico, histórico, etnográfico y artístico, da una muestra de la grandeza de la creación artística mexicana y su influencia en la construcción de la identidad nacional. El Museo Nacional de Antropología alberga en esta ocasión grandes obras de arte que por fortuna encontramos en un mismo espacio. 

Es interesante analizar la curaduría tan cuidada de la exposición y leer el discurso de las piezas que se enriquecen mutuamente. La Ciudad de México, de Juan O’Gorman, muestra a un hombre viendo una carta topográfica de la Ciudad de México, con los registros de ríos, manantiales, canales, poblaciones, flora y fauna. Esta carta que fue solicitada en préstamo a la Universidad de Uppsala, Suecia para su exposición conjunta, lo que enriquece el discurso general. En términos artísticos en particular, el díptico de gran formato de Saturnino Herrán, Alegoría del trabajo y Alegoría de la construcción, prestado por el Instituto Politécnico Nacional para la exposición, me pareció abrumador y conmovedor. Herrán es uno de los grandes pintores simbolistas que dejaron en sus óleos la marca de la visión de los arquetipos mexicanos sobre la vida, el trabajo y la muerte. 

Arqueológicamente, las piezas exhibidas en ambas sedes son valiosas muestras de la evolución de la identidad mexicana. Resalta la presencia de La mujer de Amajac, una escultura en piedra de la cultura huasteca hallada apenas a principios de este año y que será reproducida a gran escala para enaltecer la glorieta en Reforma esquina Av. Morelos que antes presentaba a Colón. La relevancia de esta renovación recae en el mensaje del lugar que se le da ahora a la figura de la mujer indígena en un puesto de poder, ya que se cree que esta mujer ostentaba un cargo de gobierno dentro de la comunidad de Amajac

Finalmente, conocer los utensilios que se usaban a lo largo de la historia es igualmente un punto destacable del acervo etnográfico reunido por la exhibición, es divertido e interesante imaginar a los Mexicas tomando pulque de los vasos pulqueros (octecómatl) que se exhiben o imaginar los bailes tradicionales que se realizan en los trajes y vestimentas reunidos en el recinto.

Una de las sedes de la exposición llama particularmente mi atención, el edificio de la SEP en Luis Obregón #18 se presenta ahora accesible y abre sus puertas a los ojos públicos. Una gran oportunidad considerando que el edificio, construido en 1921, funge como la casa de diversos murales de Diego Rivera, Federico Canessi y Roberto Montenegro que se pintaron en la época posrevolucionaria en una materialización del proyecto educativo de nación que se construía en el momento, de la mano de José Vasconcelos. 

La exposición materializa un esfuerzo por hacer más accesible los objetos que han construido la identidad y cultura nacional a los mexicanos contemporáneos y se presenta como un esfuerzo inmenso de coordinación entre museos nacionales e internacionales para su integración. 

La Grandeza de México está disponible para su recorrido hasta el 22 de abril de 2022 en ambas sedes. 

  • Museo Nacional de Antropología: Av. Paseo de la Reforma s/n, Polanco, Bosque de Chapultepec I Secc, Miguel Hidalgo, 11560 Ciudad de México, CDMX
  • Secretaría de Educación Pública: Luis González Obregón 18, Centro Histórico de la Cdad. de México, Centro, Cuauhtémoc, 06000 Centro, CDMX

¿Quién es Jennifer Cardini?

Por Rodrigo Derbez

Jennifer Cardini pasó más de 10 años tocando en antros en Paris antes de volverse internacionalmente conocida. De ahí, comenzó a ser bookeada en algunos de los clubes de música electrónica más famosos en Europa. Su carrera solo continuó en subida, y ha llegado a tocar en festivales de renombre internacional como el Burning Man en Nevada y el Primavera Sound en Barcelona.

Una de las influencias más fuertes en su estilo musical es el subgénero de la música electrónica conocido como minimalista, caracterizado por la utilización de recursos limitados y basándose en el intentar aprovecharlos al máximo para expresarse musicalmente.

Cardini también tiene su propio sello, Correspondant, inaugurado en 2011. Se definen a sí mismes como un sello que tiene una estética elegante pero asimétrica. Según su página de Facebook, cualquier proyecto musical bien ejecutado y fresco, que sea irrespetuoso con las inclinaciones del mercado para la música dance es un buen prospecto para elles.

Este jueves 28, la podrás ver en vivo en el Fünk Club en Insurgentes, pero también la podrás escuchar en el DJ Set en Vivo que se va a armar en exclusiva para Aire Libre, el mismo jueves 28 a las 10 PM. Para escucharlo, sintonízanos en el 105.3 del fm y o a través de la transmisión en vivo en el sitio web.

GALLOWEEN 2021

Llega la primera fiesta del Gallito Mañanero, pensada para forjar comunidad y prendernos juntos al ritmo de mucha risa y bailongo al son del Galloween: un desvarío para todas, todos y todes, con musiquita en vivo disparada por los 4 jinetes del cuadrante, quienes les traerán una fina selección de rolas que irán del pop noventero a los ritmos profundos del Brasil, pasando por Radiohead y la FANIA. Además, habrá concurso de disfraces, donde los mejores (y el peor) se llevarán el Arcón Gallinero: una canastita llena de regalos y loqueras por parte de sus anfitriones. Así que no hay pretexto: nos encontramos el viernes 29 de octubre a partir de las 7:30 pm en la terraza del Foro 316 a cambio de 100 varitos. ¡Cupo limitado! Así que déjense venir con tokio, honda y kawabonga.

La birria es bella – Danza Psicodélica

por ElAle de la Portales, del Gallito Mañanero.

Con las lluvias veraniegas llegan los dorados morados. Teníamos la religiosa costumbre de ir a cortarlos año con año, desde mediados de Agosto hasta la primera quincena de Septiembre. Un viejo hippie del Pulpo de Ciencias (el Cooper) nos había corrido un punto muy cerca de Valle de Bravo, un amplio terreno donde los ganaderos del rumbo llevaban a pastorear a sus vacas y éstas, lo llenaban de magia al dar su dote al mundo. 

Partí con mi hermano un sábado temprano por la mañana. La idea era llegar al terreno con los primeros rayos de sol (para adelantarnos a todos los hongueros que seguramente llegarían en el transcurso del día), cortar y movernos a un sitio más tranquilo donde pudiéramos viajar juntos hasta los confines de nuestra mente (que es el propio universo), sin temor a nada ni nadie. Así lo hicimos.

Brincamos la maltrecha cerca con nuestros pies desnudos (el rocío de la mañana hace que toda la hierba esté muy húmeda, así que es preferible mantener tu calzado y calcetines secos) y nos adentramos en la zona, buscando los montículos de mierda donde crece el psilocybe cubensis, mejor conocido como San Isidro. Reconocerlos es fácil: Brillan con la luz del sol reflejando un tono dorado, tienen una “faldita” en el tallo, son carnosos y cuando los cortas, comienzan a presentar una tonalidad azul debido a la oxidación del aire. No hay pierde. Peinamos la zona, fuimos a la ladera y nos adentramos en el claro que hay entre los árboles que separan el terreno del camino de terracería. Llenamos nuestros topers y salimos de ahí tomando camino de vuelta a la ciudad. Habíamos visto algunos sitios junto a la carretera que parecían seguros y tranquilos. Nos metimos por un camino que conducía a un amplio descampado rodeado de robustos pinos y abetos gigantes. Parqueamos el auto y nos sentamos junto a él para comer el primer par. En eso, una pick-up pasó junto a nosotros, parecían sorprendidos por nuestra presencia pues respondieron nuestro saludo con una mirada fría y desconfiada. No nos importó mucho el gesto y seguimos comiendo más hongo alternándolo con gajos de naranja (dicen que ayuda a potenciar el efecto). Decidimos pues ir a dar una vueltita por el sitio, había una colina que se extendía amplia y desde donde se podia disfrutar una vista maravillosa que te permitía tener control de la gente que pudiese acercarse.

Empezabamos a experimentar ese cosquilleo eléctrico que recorre las puntas de tus dedos, así como la pesadez estomacal que siempre acompaña los primeros instantes, anunciando que algo fuerte está por venir. Nos recostamos sobre la hierba mirando el claro cielo y disfrutando las nubes que pasaban sobre nuestra cabeza disolviéndose en geometrías maravillosas. Estabamos puestos. Me sentía lleno de amor y me daban risa las cosas que decíamos. La estábamos pasando bien hasta que mi hermano me dijo: Ahí viene la tira.

Me incorporé con pesadez para corroborar el hecho. “Vale verga”. Pensé en lo que venía y en un rápido movimiento, “entucé” entre mis calzones el toque que traía mientras mi carnal me decía: “Tranquilo güey, no hay pedo, hay que estar tranquilos”.

  • Buenos días jóvenes, ¿se puede saber qué hacen aquí?
  • Buen día oficial, estamos tomando un descanso
  • ¿Pa’dónde van?
  • Pa’ la Ciudad de México
  • ¿Si saben que están en propiedad privada y los vamos a tener que remitir por allanamiento de morada?
  • No diga, oficial. No, no, no sabíamos, venimos en la carretera y quisimos parar a descansar un poco pues me estaba dando mucho sueño y eso es muy peligroso
  • A ver, enséñenme lo que traen en su mochila

Ahí comenzamos a sudar, pues descubrirían los topers llenos de hongos y ahí sí nos iba a ir mal. Le pasamos la mochila, resignados a lo que tuviera que venir. El policía iba sacando cosas y tirándolas en el pasto: Naranjas, un plátano, una botella de agua, un toper lleno de hongos…

  • ¿Y estos?, ¿son de los que ponen verdad?
  • ¿Cómo que de los que ponen? (Replicamos haciéndonos bieeeeeen güeyes) los cortamos aquí en el monte, son para cocinar.

El oficial escuchó eso y los dejó de lado, al parecer nos creyó y no le importó tanto ese hecho pues estaban tras algo más.

  • A ver, saca todo lo que tengas en tus bolsas

Voltié mis bolsillos, no traía más que las llaves del auto. El oficial parecía un poco molesto y comenzó a alzar su tono de voz, haciéndola amenazante.

  • Ya saca lo que traes, te vimos como te guardabas algo.

Yo tranquilamente le decía que ya había visto que no traía nada, revisado nuestra mochila y volteado mis bolsillos. Sin embargo, el policía no me creía, al parecer había visto ese truculento movimiento en donde guardé ese cigarrito de marihuana entre mi ropa interior.

  • A ver, te voy a esculcar y si te encuentro algo, vas a valer verga, así que mejor ya saca lo que traes ahí
  • Neta no traigo nada, ya le enseñé

El tira me metió mano cabrón, revisando minuciosamente los plieges de mi pantalón, sin embargo no encontró nada pues todo estaba bien guardadito donde mi sacralidad impedía a las fuerzas oscuras del orden, encontrar el ansiado embarque. 

  • Ya chavo, coopera, saca lo que traes ahí

Yo me reía mientras le decía que ya le había enseñado que no traía nada, que ya me había vasculeado y que estaba limpio, que por favor nos dejara ir pues no sabíamos que estábamos en propiedad privada, no había ningún letrero que dijera que la zona no era pública, que estabamos simplemente tomando un descanso y que seguiríamos nuestro camino a la ciudad sin ningún contra tiempo pues ya se habían dado cuenta que no estábamos haciendo nada malo. Hijos de su pinche nadie.

  • Mira, hijo, no nos quieras engañar, te vimos cómo te metiste algo a los calzones, así que te vamos a dejar ir pero bájate los pantalones para que veamos que no traes nada
  • No diga, jefe, ¿neta?, ya vio que no traigo nada…
  • Bájate los pantalones o te remitimos y nos llevamos el coche al corralón

No mamen, qué denigrante escena estaba a punto de protagonizar. Me bajé los pantalones hasta los tobillos mientras los puercops me miraban morbosamente mi parte. Chale, qué pinche pena, neta, pero se la iban a pelar, estaba todo muy bien guardado y no se notaba para nada que tuviera algo ahí.

  • ¿Ya, contentos?
  • No, no, no, pérate, ahí traes algo…
  • Pues claro que traigo algo, la reglamentaria… ya déjenos ir
  • Aguanta, a ver… báilale

Neta qué pasados de verga pero ya estábamos del otro lado. Les menié sexy la cadera, así como burlándome de sus chingaderas y pues ya vieron que no se me cayó nada así que me subí en chinga los pantalones y les dijimos, compermiso, nos vamos.

  • Nombre, no tan rápido, a ver, déjenos esa lana y lléguenle a la verga

Nos quitaron los doscientos varos que llevábamos y nos dejaron ir. Mi carnal y yo estábamos contentos y sorprendidos de haberla librado. “Qué pendejos que no la hicieron de pedo por los hongos”, pensamos; al tiempo que nos caía el veinte de que la gente de la pick-up, había sido la que había dado el pitazo. Nos subimos al coche bien puestos, enfocando toda nuestra atención al camino para no cagarla y matarnos. Manejar en esos estados NUNCA es buena idea, sin embargo estábamos asustados y ya no queríamos tener más contratiempos con los azules, así que decidimos volver a la ciudad de una, mientras agradecíamos a la vida nuestra libertad e integridad. El alucine iba in crescendo, estaban duros los hongos. Recuerdo entrar por el periférico y ver la ciudad toda cochina y caótica, cómo se erguía absurda frente a la naturaleza, en esa falsa promesa de modernidad y confort. No podíamos ir a casa estando tan puestos, así que decidimos ir a nuestra segundo hogar: La UNAM. Llegamos a las Islas y nos abrazamos bien fuerte, riéndonos con lágrimas en los ojos por el sustito que nos llevamos, mientras exhalamos tranquilos por sentirnos en un lugar seguro, donde ya nadie nos podía torcer.

Esa fue la historia de cómo le bailé en calzones a la tira, estando bien hongo. La Birria es Bella.

Y tus Poquianchis también

por Mauricio Tinoco Pérez

El fin de semana pasado, como ya fue noticia y trending topic, murió Felipe Cazals, uno de los nombres más importantes del cine nacional. En Las poquianchis (1976) nos da una lección de cómo hacer una película que tiene una narrativa principal y, a la par, una oculta.

Ver esta película estelarizada por Diana Bracho, Salvador Sánchez y Enrique Lucero, entre otrxs, fue una experiencia reveladora. No sólo para reafirmar el lugar de Cazals en la historia, sino para entender cómo su influencia se refleja en el cine mexicano de nuestros días.

La historia va de tres hermanas que son dueñas de un prostíbulo. Van de ciudad en ciudad engañando a padres de niñas adolescentes para llevarlas a trabajar “como meseras” a sus restaurantes. Una red de corrupción permite a estas tres hermanas vivir en la gloria de la impunidad, a costa del dolor y sufrimiento de las jóvenes raptadas. De 1951 a 1964 estas hermanas, con ayuda de las adolescentes raptadas, asesinan a uno que otro cliente, pero, sobre todo, matan a las trabajadoras que “ya no les sirven”, mientras otras mueren víctimas de abortos clandestinos.

 La película comienza por el final, hacia 1964, cuando el declive y la decadencia ha caído sobre todas estas mujeres. Las autoridades del estado de Guanajuato (que es donde transcurre casi toda la película) detienen a todas, mientras que en el patio de la casa donde son detenidas, otros policías y forenses comienzas a desenterrar cuerpos y cuerpos de mujeres. La prensa amarillista las apodó con el nombre de su antro/bar: “Las Poquianchis”. Basada en la historia real de las asesinas seriales más sanguinarias que ha habido en México.

Las “Poquianchis

Lo que es más admirable de esta película es su capacidad de fragmentar los tiempos. De un momento a otro, saltamos de 1951 a 1964 y todo se entiende. No hay nada fuera de lugar o que sobre, sino que cada emplazamiento cumple una función única para la película. A la par de la historia principal se desarrolla la narrativa de Rosario, un campesino que le vendió a sus dos hijas a las Poquianchis. Él, después de dar a sus hijas a cambio de $100 pesos, se ve envuelto en una serie de dificultades al perder sus tierras, igual que sus vecinos, a manos de “empresarios poderosos” que criarán toros.

Es a través de todas estas líneas narrativas que entendemos que la película va mucho más allá de Rosario o las Poquianchis; es una reflexión de la vida en México, de su corrupción, de la indiferencia que tenemos ante lxs más vulnerables. Impresiona ver cómo las autoridades visitan el prostíbulo de manera regular, pero es espeluznante ver a una de las prostitutas asesinar a su propia hermana (probablemente una de las mejores escenas en la carrera entera de Diana Bracho, que interpreta a la hermana asesina).

El asesinato de María a mano de su propia hermana, Adelina, con la ayuda de las demás prostitutas, nos regala una de las secuencias más terroríficas y fascinantes de Las Poquianchis.

Con esta y otras películas, Cazals trazó una forma de contar historias que hoy en día se sigue utilizando; basta observar con atención Y tu mamá también (2001) y el subtexto del turbulento año 2000 en México, Amores Perros (2001) y su retrato de realidad marginal o Roma (2018) y su importancia y actualidad a pesar de estar ambientada en la década de los 70.

La fotografía del expresidente Adolfo López Mateos está presente a lo largo del largometraje. En una época en la que el poco cine que se hacía en México era financiado por el Estado, una toma como esta es un acto de valentía y compromiso con la historia).

 Las Poquianchis es una demostración de que, aún en uno de los peores momentos para el cine nacional, cuando la época de oro había ya terminado y donde todo se concentraba en las ficheras y la televisión, existió un rayo de esperanza de películas que buscaron proponer y aportar elementos nuevos al lenguaje cinematográfico.

Y todavía más allá, existieron personas que fueron críticas de lo que se vivió en su tiempo. Hoy, podemos decir con toda sinceridad que estamos igual o peor que antes, pero siguen habiendo esos mismos rayos de esperanza que impulsan el cine, el arte y la cultura a sobrevivir en un país donde todo esto siempre se ha dado por sentado.

Recomendaciones Octubre / Noviembre

Estamos a dos de noviembre, pero todavía hay mucho jugo que sacar de octubre y entre las opciones qué tal ir de museos, pero también aprovechar el viaje para disfrutar de una propuesta escénica… Es el caso del Museo Nacional de Arte, aka MUNAL, @MUNALmx munal.mx, a partir del 23 de octubre y hasta el 28 de noviembre los sábados y domingos podrán ver “El cuerpo mutable” a cargo de Teatro de Movimiento, compañía con más de cuatro décadas dirigida por Lidya Romero, es una obra coreográfica que ocupará distintas áreas del hermoso recinto ubicado en Tacuba 8, en el Centro Histórico de la Ciudad de México.

Aprovecho para sugerir que si van el domingo, lleguen alrededor de las 11 de la mañana ya que a las 11:30 horas habrá Música de Cámara con el tenor René Veláquez y Thomas Bachleitner-Hofmann al piano. Imagínense estar en salón de recepciones con la interpretación en vivo de temas de Strauss y Schumann, una experiencia que sin duda cambiará su percepción del fin de semana y los cargará de energía para arrancar la semana.

Si lo que buscan es una obra de teatro, vámonos al Centro Nacional de las Artes, créanme que vale la pena tomarse un tiempo para llegar y recorrer sus áreas verdes y luego dirigirse al Teatro de las Artes para ver “Almacenados”, obra escrita por David Desola, adaptada, dirigida y actuada por Fernando Bonilla, junto con Sergio su hermano. Puesta en escena a cargo de la compañía Puño de Tierra que ha tenido temporadas en otros teatros y foros y ahora se planeaba su temporada de viernes a domingo, hasta el 14 de noviembre con el gran Héctor Bonilla, sin embargo por cuestiones de salud no pudo estar en las primeras funciones y esperamos se reincorpore prontísimo, por supuesto no hay pierde de ir a verla con sus hijos, ya que la familia se involucró completamente y la conocen al dedillo. Las funciones son viernes a las 8 de la noche, sábado a las 19:00 horas y el domingo a las 6 de la tarde en Avenida Río Churubusco 79, colonia Country Club, Coyoacán. Les queda muy cerca el metro General Anaya de la línea 2.

Por ultimo vamos al Centro Cultural Universitario que el 30 de octubre regresa la Orquesta Filarmónica de la UNAM a la sala Nezahualcóyotl, después de más de año y medio la OFUNAM tiene lista su temporada de otoño con un repertorio que arrancará el sábado 30 a las 20:00 horas con Canticum sacrum de Ana Lara, Sinfonía de cámara en do menor. Op.110 de Dimitri Shostakovich y Suite de Appalachian Sping de Aaron Copland, prepárense para sentir la música en cada poro de la piel y si no pueden el sábado, vayan el domingo a las 12:00 horas y después asómense al MUAC, que les espera la obra de la artista belga Ana Torfs, así como “Amarantus” de Mariana Castillo Deball. Después que se armé el picnic…

Nota de Saraí Campech

De espacios anacrónicos

por Laura Castillo (@martketmx)

La Ciudad de México es un territorio rico en espacios culturales y de acceso a productos creativos. Esta diversidad en la oferta cultural tiene un espejo en el mercado del arte mexicano. En años recientes, artistas emergentes han encontrado espacios en galerías de reciente creación y con directrices que rompen con los cánones de las galerías tradicionales. 

Uno de estos novedosos espacios es la Galería Unión. Conocí este innovador espacio paseando por los pasillos de Clavo, la feria de arte contemporáneo que cerró su segunda edición el pasado septiembre. Me sorprendió la diversidad de estilos y los temas contrastantes con otras piezas presentadas en el mismo espacio. La narrativa de Unión giraba en torno a las diferentes maneras en las que los artistas contemporáneos hacen uso de la tecnología para resolver las necesidades específicas de su obra. 

Fue un artista el que llamó especialmente mi atención. Recién entrando me encontré con un cuadro que identifiqué como postimpresionista del siglo XIX, ¡claro que reaccionaría! ¿Qué hace esto en una feria de arte emergente? 

Heliodoro Santos

Lo que hace Heliodoro Santos (@heliosantossz) para lograr esta presencia anacrónica es tomar una base de datos de pinturas de grandes maestros del siglo XIX y, a través de un algoritmo, indicarle a un robot que escoja aleatoriamente una de las obras de la base y que la reproduzca en un lienzo. Es sumamente especial toparse con una obra que podrías encontrar en la National Gallery de Londres en los pasillos de Casa Versalles o en las calles aledañas a la Lagunilla en la sede de Galería Unión un sábado cualquiera. 

Miguel Casco

Miguel Casco (@miguel.cascoa) fue otro de los artistas que nos enfrentaron con el poder de la tecnología en la creación artística. A través de lienzos construidos en pixeles que a lo lejos capturan el ojo con imágenes porno, Casco reinterpreta la idea del cuerpo. Es un artista plástico cuyo corpus artístico gira en torno al desnudo. Rescata el planteamiento de Berger sobre la atemporalidad del cuerpo, “el siglo y la década desaparecen junto con la ropa”.

En Clavo, Casco nos enfrenta a la idea dual del porno como eje del comportamiento sexual, que al mismo tiempo está oculto, materializando la doble moral de la sociedad. Su proyecto Pxrnpics busca hacer un gesto a esa doble moral y a las ideas encontradas del uso comercial de los cuerpos mientras que los órganos sexuales se censuran. 

Galería Unión es un foro que busca dar un lugar a artistas emergentes en el mundo del arte, localizada en las cercanías de la Lagunilla en la Ciudad de México. Da voz a ideas que contrastan con los cánones tradicionales que vemos en galerías de otras zonas de la ciudad, dotando así de un espacio artístico y cultural a una zona mayormente comercial. 

@galeriaunion_

www.galeriaunion.art

Ignacio Allende 96-Int.10, Centro Histórico de la Cdad. de México, Centro, Cuauhtémoc, 06010 Ciudad de México, CDMX

¡Sigue el Climate Live en sus transmisiones en vivo!

Sigue el Climate Live en su primera edición, con participaciones musicales de más de 40 países. Inspirado en el Live Aid, concierto llevado a cabo en 1985 simultáneamente en Estados Unidos e Inglaterra con el objetivo de despertar conciencia sobre la hambruna en Etiopía y buscando recaudar fondos, este evento busca que la gente no pierda de vista la importancia de luchar contra el cambio climático.

 De muy distintos modos se está intentando alzar conciencia sobre esta situación, puesto que las acciones para detener la catástrofe global han estado lejos de ser suficientes de parte de los gobiernos y las grandes empresas. Utilizando su arte para expresarse y contribuir con una lucha en la que creen, una variedad de artistas musicales de todo el mundo se ha unido este sábado 16 de octubre detrás de la bandera del Climate Live en este nuevo intento de hacer algo.

Sigue distintas transmisiones internacionales a través de AireLibre y no te pierdas la edición México a las 7pm.

Climate Live Suecia

Climate Live Colombia

Climate Live Brasil

El cartel de México incluye artistas invitados internacionales como Aterciopelados y también talentos nacionales como Porter y Métrika. Este último grabó su participación para el concierto en el estudio de Aire Libre, en un escenario diseñado para intentar representar la biodiversidad del planeta, con plantas que en realidad muchas veces son vistas más como decoraciones o productos de mercado, olvidando su origen en la naturaleza. No se pierdan esta transmisión para ver sus participaciones musicales y la de otras bandas mexicanas en este esfuerzo conjunto por no soltar el tema del cambio climático, ahora que nos encontramos en un punto crítico en esta lucha. Abajo pueden consultar el cartel del show.

Sigan la transmisión de ClimateLive México:

Consulta Infantil y Juvenil 2021

Si tienes entre 3 y 17 años, te invitamos a escuchar el siguiente podcast que nos presenta la Mtra. María Enriqueta Islas Sánchez, Vocal de Capacitación Electoral y Educación Cívica de la 19 Junta Distrital Ejecutiva del Instituto Nacional Electoral (INE), en el que nos comenta todos los pormenores de la Consulta Infantil y Juvenil 2021 que se llevará a cabo todo el mes de noviembre de 2021 ¡Participa!  #ConsultaInfantilyJuvenil2021

Eventos Octubre

Octubre llegó y nos desbordamos de información, así que a darle con las sugerencias para disfrutar en casa o de manera presencial…

FIL Zócalo

Para empezar, decirles que ya empieza la Feria Internacional del Libro del Zócalo y vuelve a ser presencial, contará con más de 200 actividades entre presentaciones de libros, charlas, música y entre esa diversidad de posibilidades estarán los de la Chula Foro móvil, Mantarraya ediciones y la Hostería la Bota con su chula combi amarilla… tendrán talleres de gráfica con Demián Flores, encuentros de mujeres periodistas, pero también de mujeres científicas, habrá conciertos y un robot monumental en el que les niñes podrán dejar sus notitas con un mensaje sobre sus anhelos, preocupaciones, lecturas. De verdad les recomiendo que vayan, se cumplirán todas las medidas sanitarias y con aforo limitado, pero la gran ventaja es que todo será al aire libre y sin costo.

Música y discapacidad

En el Rule comunidad Guz Guevara va a presentar “Inválido expertiencie”, historia de resiliencia, fortaleza e inclusión mediante un recorrido multisensorial, aquí la idea es que todes les que nos identifiquemos, ya que seguramente nos hemos sentido insuficientes, hemos convivido con personas con alguna discapacidad y no sabemos cómo interactuar, o somos personas con discapacidad y la sensación de no ser incluides, valorades ha sido parte de nuestra vida. Aquí la cita también es para que asistan a Eje Central 6, la presentación será a las 17:00 horas.

Teatro para ver en casa

Y para quienes prefieren disfrutar de alguna actividad en casa, la sugerencia es el ciclo de biografías de féminas ilustradas con el carro de comedias. Se trata de un proyecto digital con textos de Ingrid Bravo a partir de la idea de Mariana Hartasánchez y la dirección de Belén Aguilar, se presentan cada martes a las 19:00 horas y tienen hasta el 10 de noviembre para conocer a cada personaje, tales como Sabine Steinbach, considerada la primera escultora, pero también la filósofa Margarita Porete y Leonor de Aquitania, quien fuera reina de Francia e Inglaterra en la edad media que sin resquemor se aventuró a embarcarse en una cruzada, de esas en las que a caballo iban conquistando nuevos territorios, todas unas mujeronas que serán presentadas en la página de Facebook de Teatro UNAM.

Nota de Saraí Campech

#Temporada316

Día dedicado a la exploración en torno a la música electrónica. acompañados del debut de la guitarrista ded Föllakzoid, nos entregará ritmos y atmósferas que nos sumergen en un viaje entre el mundo interno y el cosmos, También el colectivo Interspecifics nos mostrará su ritual con música generada con la energía que emana del cerebro humanos, así como Ben Zar con su hipnosis enfocada en la sanación 

Domingo 10 de Octubre, Foro Indie Rocks, Zacatecas 39, Roma Nte., Cuauhtémoc, 06700 Ciudad de México, CDMX

Line up:

  • Domingae
  • Interspecifics
  • Ben Zar

De las cenizas al nuevo orden; Power, Corruption & Lies

Por García Laurel

De entre el oscuro post punk y sepultura de Joy Division, nació de los sintetizadores y experimentación con géneros como la electrónica, new wave y synth pop, New Order, banda que marcó la historia del rock de los años ochenta y que con algunas modificaciones en su alineación, actualmente sigue vigente.

Póstumo a la muerte de Ian Curtis; Peter Hook, Stephen Morris, Bernard Sumner y Gillian Gilbert, decidieron crear una nueva banda, que si bien no se alejaba a la incursión sonora del post punk, era una propuesta menos underground y mas dance.

Su primer disco Movement (1981), sin duda podía hacerse pasar como una producción de la extinta Joy Division; por lo que, no fue hasta el segundo álbum Power, Corruption & Lies (1983), que la banda marcó su transición independiente, pasando de un sonido punk a uno más pop con sintetizadores muy presentes.

Power, Corruption & Lies fue publicado bajo el sello discográfico Factory Records, disquera dedicada a la subcultura del mainstream. 

La portada corrió a cuenta del diseñador Peter Saville, quien también se encargó del artwork del Unknown Pleasures (1979), Closer (1980) y varios álbumes más. Para vestir esta segunda producción Saville utilizó la pintura de A Basket of Roses, del pintor Henri Fantin Latour.

Portada del álbum y pintura:

Portada del álbum Power, Corruption & Lies
Pintura de A Basket of Roses, del pintor Henri Fantin Latour.

Realismo íntimo 

Henri Fantin Latour, fue un pintor francés que se popularizó a partir de pintar los arreglos florales que montaba en su taller, por los cuales se le catalogaría como realista. 

El realismo es una corriente que reproducía fielmente y con profundas descripciones la realidad. Las pinturas de Henri Fantin eran tan detalladas que podían hacerse pasar por fotografías. 

Fantin se caracteriza por pintar retratos colectivos de su grupo de allegados, como Édouard Manet, Gustave Courbet o Arthur Rimbaud; y también sus veladas parisinas en el Café Guerbois con  El Grupo de Batignolles, compañía por la cual lo asociaban con el impresionismo.

En su obra encontramos retratos femeninos, los cuales connotan una fuerte carga simbólica y los famosos bodegones de flores que se estiman entre 500 y 600 composiciones de cuadros que sellarían su estilo, a partir de la reproducción en serie lo que le permitió alcanzar su éxito comercial. 

Eran tan solicitados sus cuadros florales, que su obra – en vida – no fue tan conocida y analizada en el extranjero, ya que toda era adquirida por la burguesía del país, condicionando su producción artística al mecenazgo. 

La época pictórica de los bodegones la vivió en compañía de su esposa Victoria Fantin-Latour. Por lo cual a varios curadores les ha sido difícil diferenciar entre el trabajo del pintor y la pintora. 

El artwork Power, Corruption & Lies

Power, Corruption & Lies, toma prestado su nombre del graffiti del artista Gerhard Richter, el cual realizó durante una exhibición de arte en 1981, en el museo Kunsthalle, en Hamburgo, Alemania. 

Por su parte, Peter Saville, convencido de que Power, Corruption & Lies, haría juego con una obra enigmática, se dio a la tarea de buscar un obra renacentista que presentará a un príncipe maquiavelo, pero en su lugar encontró, en la tienda de regalos de la galería nacional de Gran Bretaña; La postal de la pintura de A Basket of Roses

Por lo que la disquera Factory Records solicitó el permiso para hacer uso de la obra, mismo que fue negado. Cuenta la leyenda que el director del museo negó la petición afirmando que el cuadro pertenecía al pueblo de Gran Bretaña, a lo que Saville respondió: “Pues ahora el pueblo lo reclama”.

Para Saville la sugerencia del canasto de flores reivindica el carácter seductor del poder, la corrupción y las mentiras. “Flowers suggested the means by which power, corruption and lies infiltrate our lives. They’re seductive”.

Asimismo, Peter creó un alfabeto tipocrómatico, que adjuntaba a los diseños de Factory Records. Este código figura como patrón de pruebas de color para la impresión, pero que enrealidad es una clasificación de la asignación del disco dentro de la disquera. En la “pureba de color” de Power, Corruption & Lies, se decodificaba “FACT 75”.

Boceto de la contraportada del álbum Power, Corruption & Lies

Contraportada de Power, Corruption & Lies

El florecimiento de New order 

El sugerente Power, Corruption & Lies ilustrado con la canasta de flores, juega con el carácter dual del diseño; la naturaleza y la tecnología, el perverso nombre del disco manifestado en la delicadeza de las flores. 

Las melódicas y bailables composiciones que sutilmente hablan de crudezas, la oscura sonorización de la alegría y de los rítmicos sintetizadores que producen la inefable melancolía de una producción que te pone a bailar y a la vez te seduce para que gozes el desasosiego de sus letras.

Power, Corruption & Lies, es un símil al ave fénix que renace de las cenizas; los tres miembros restantes de Joy Division meditaron que sería de sus aspiraciones musicales después de la muerte de Curtis, para resurgir con un aire más fresco. 

De esto también trata la portada, el inicio de una era con el florecimiento de la experimentación y una propuesta más activa por parte de la tecladista Gillian Gilbert, que completa la nueva inmersión en la electrónica y el new wave. 

Absolution; una sonorización distópica

Por Garcia Laurel

Muse, banda británica que comenzó su carrera en los años noventa, es actualmente una de las agrupaciones más propositivas de la escena del rock alternativo. A lo largo de treinta años de trayectoria han experimentado con música clásica, sintetizadores, grunge y hasta su versión más pop y heavy.

Sus producciones han dejado en claro el concepto de la banda, crear música como si fuera una novela de ciencia ficción; que abordé temas como la sociopolítica, filosofía, economía y ecología.

Las historias que narran sus letras están desarrolladas a partir de lecturas como, Hiperespacio, del físico Michio Kaku, Confesiones de un sicario económico del escritor John Perkins o El gran tablero mundial del politólogo Zbigniew Kazimierz Brzezinski. 
Cada portada de la banda forma parte del proceso creativo y conceptual, siendo el tercer álbum, Absolution (2005), el que porta una interpretación de la pintura Golconda del artista surrealista René Magritte.

Golconda de René Magritte
Portada de Absolution de Muse

René Magritte el no artista

René Magritte fue un artista plástico belga (1898 – 1967), perteneciente a la vanguardia surrealista, la cual es una manifestación del inconsciente que connota fuertes cargas simbólicas. René no se consideraba a sí mismo como un artista, sino, un hombre que representaba su pensamiento a través de sus ilustraciones.  

Él jugaba con las perspectivas y dimensiones, sus composiciones eran misteriosas, trazadas a partir de lo secreto y la intimidad. En 1953 pintó su óleo titulado Golconda. Cuadro que retoma elementos comunes de sí mismo como el hombre con traje, bombín y la arquitectura urbana de Bélgica.

Golconda, reproduce la figura del cuerpo humano mezclándola entre varias capas y tamaños, haciendo que el hombre con traje y bombín se diluya entre las multitudes. La pintura es una reflexión de cómo el individuo pierde su identidad a partir de ubicarse en un grupo

La idea de vivir en una sociedad ficcionada

Volviendo a Muse y la portada de la que se habla, el artwork del disco fue diseñado por el artista gráfico Storm Elvin Thorgerson, quien hizo portadas de bandas como, AC DC, The mars volta, Pink floyd, Megadeth, Audioslave y muchísimas más. 

La portada de Absolution es una fotografía tomada en el desierto, donde Thorgerson, jugó con la intención de los elementos, como las sombras – que funcionan como el alma -, pensando en la absolución de la teología católica. 

O puede ser una metáfora a las sombras de la Alegoría de la caverna de Platón, la cual es una narración que enfrenta al ser humano con el conocimiento y la subjetividad de la realidad. Como espectadores de Absolution somos dueños de una verdad ficcionada, que responde al mundo de lo sensible, que para Platón estaba delimitado por los sentidos. 

El hombre que aparece en la portada es dueño de su verdad, mientras nosotros inferimos lo que sucede a partir de lo que vemos y oímos. Por ejemplo, no sabemos por qué el joven porta una máscara de gas en la mano; de lo cual entendemos que el ambiente es tóxico, partiendo de la sugerencia del apocalipsis.

Por su parte Magritte, pintaba obras con infinitos significados, lúdicos lienzos que cuestionaban la idea de la identidad como parte de una sociedad homogeneizada por individuos aislados, similar a novelas como Un mundo Feliz (1932) , 1984 (1949) o Crónicas marcianas (1950), por mencionar algunas.

Absolution, es la sociedad mermando a la sociedad, el poder de unos cuantos sobre la mayoría, sacrificando hasta que sólo quede cantar por la redención; Y en el apocalipsis cada uno ser dueño de su fe, de encontrar un nuevo hogar, resistiendo; The Resistance (2009). 

Súmate con nosotrxs

El desabasto de medicamentos para personas con VIH ha sido una realidad desde muchos años atrás, sin embargo a consecuencia de la pandemia el problema solo ha empeorado. 

Por Andrés Caballero

Fotografía de VIHVE LIBRE

Actualmente se vive una situación complicada para personas con otros padecimientos aparte del Covid. Se han dejado de abastecer medicamentos indispensables para el tratamiento del VIH y otras ITS en clínicas de salud a lo largo del país. Por lo que activistas y organizaciones están levantando la voz para que se atienda este urgente problema.

Un buen seguimiento y tratamiento para el VIH a base de lo que se conoce como terapia antirretroviral puede llevar a una carga viral muy baja, lo que da lugar a que sea intransmisible. No obstante, al pausar el tratamiento el virus puede generar resistencia y además comenzar a ser transmisible de nuevo. Por lo que es un problema de salud que nos corresponde a todos. 

Atendiendo a este problema Aire Libre ha unido fuerzas con la organización VIHVE LIBRE. La cual no solo se encarga de organizar campañas de atención y seguimiento del VIH sino que también cuenta con grupos de apoyo para crear un espacio seguro, libre de cualquier tipo de prejuicio. Es importante luchar contra la desinformación y la discriminación. Recordar que se puede tener una buena calidad de vida con el tratamiento correcto. 

Fotografía de VIHVE LIBRE

Por esto mismo pedimos de su apoyo para la recolección de medicamentos a personas que lo necesiten. Todos los días de 10 a 6 de la tarde vamos a estar recibiendo medicamentos que la gente quiera donar en la siguiente dirección: Av. de la República 157, Tabacalera, Cuauhtémoc. Todo lo que se reciba se va a llevar a la Clínica Condesa y a su filial en Iztapalapa. 

A continuación una lista de los medicamentos requeridos:

Recuerda, ¡no estás solx!

Cartelera teatral en CDMX para este fin de semana

El fin de semana se encuentra a la vuelta y la cartelera teatral se encuentra más que listas para entrar al rescate de nuestras almas en pena…

Por Saraí Campech

6º Ciclo de dramaturgia escrita y dirigida por mujeres | INBAL - Instituto  Nacional de Bellas Artes y Literatura

Empezamos con el VI Ciclo de Dramaturgia Escrita y Dirigida por Mujeres, un hitazo que arranca hoy y estará hasta el 12 de septiembre, en el teatro El Granero Xavier Rojas del Centro Cultural del Bosque. Este año la temática es la resistencia, con las puestas en escena y los títulos: “Estas botas están hechas para correr”, “Las tres muertes de Magda Cerdeña o de cómo aprendí a amar el Rata & Tonic” “I Love Papi” y “Quiero ser Nadia”.

Una dinámica, que se antoja bastante, reunirá a cuatro dramaturgas mexicanas y una francesa… Se preguntarán, pero de qué va exactamente. Bueno, Carmen Ramos, la coordinadora general del ciclo se centró en los procesos personales de las creadoras, desde que detonó la idea de la historia hasta el punto que surgió el texto. La primera entrega será hoy a las 20:00 horas y se trata de “Estas botas están hechas para correr”, pieza escrita, dirigida y actuada por Mariana Giménez, una mujer que me encanta por lo arriesgada que suele ser en cada aventura teatral que toma. En esta pieza nos llevará a mirar un par de botas y a partir de ahí construir tres historias de infancia, un libro y esto que ahora tenemos tan a flor de piel: la vida y la muerte…

La Resistencia 2, se presentará a las 20:00 horas y se trata de “Las tres muertes de Magda Cerdeña o de cómo aprendí a amar el Rata & Tonic”. Este es un trabajo de Alejandra Chacón y la dirección corre a cargo de Julie Pichavant. Su pieza es viaje hacia el mundo de una científica experta en ratas y ex directora de Raticide Company. Ya se imaginarán el entuerto y del porqué la receta de su Rata & Tonic…

Nos vamos a la Resistencia 3: “I Love Papi” de Itzhel Razo, quien la escribe, dirige e interpreta a una niña que invoca a su padre, un grito de auxilio al más allá con la intención de entender su pasado, asentar su presente y prepara el futuro. La función será el sábado a las 19:00 horas.

Cerramos con la Resistencia 4: “Quiero ser Nadia”, unipersonal de Valentina Sierra que nos hace mirar el doloroso y difícil trance del abuso infantil. Aquel que carcomió a la protagonista de la historia durante 30 años, tiempo en el que la pequeña Nadia concentró todo su ser en cada competencia, haciendo cada una de estas su propia condena. La función será a las 18:00 horas.

Ojo, todas las funciones son de entrada gratuita y la sugerencia es que chequen todos los detalles en teatro.inba.gob.mx, lleguen una media hora antes y se dejen ir con tan tremebundas historias.

La otra recomendación es el Festival Internacional de Teatro Universitario de la UNAM, edición 28 de un encuentro muy querido y anhelado por la comunidad escénica y el público. El festival arrancó el 30 de agosto con la entrega de reconocimientos a dos profesoras de hueso colorado, Emma Dib del Centro Universitario de Teatro y Aimée Wagner del Colegio de Literatura Dramática y Teatro de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. Este año se programaron 17 obras en competencia y 10 en exhibición, se han llevado a cabo y siguen, coloquios, foros, mesas de reflexión, residencias, seminarios, talleres, lecturas, exposiciones y más. Todo esto a través de su página y redes sociales. Una de las propuestas que podremos ver es: “Menos mal que es torpe y que me quiere. Si no me quisiera y fuera hábil, Whatsapp sería un arma horrible”, propuesta del Colectivo Jermú del Colectivo de Literatura Dramática y teatro de Filosofía, que a través de mensajes entre Michelle y Sofía nos van revelando la trama, si ya les entró la curiosidad manden un Whatsapp al 55 49316805.

También se presenta la obra/conversatorio “Reminiscencias”, experiencia que nos hace preguntarnos qué va a pasar con nuestras huellas cuando ya no estemos aquí. Pieza de Malinche Vaca Valenzuela, a cargo de La insolente Teatré de Chile. Gracias a su gran éxito solo quedan funciones el 11 y 12 de septiembre a las 19:00 horas y el 17 a las 20:00 horas, así que corran a comprar sus boletos. Y si ya no alcanzaron, las transmisiones serán en el canal de YouTube de Teatro UNAM y en su página de Facebook, también son sin costo.

Ilana y Mike: Entrevista a Juan Villoro

Ilana Sod y Miguel Ángel Angeles entrevistan en #IlanaYMike a Juan Villoro, a propósito de su nueva novela “La tierra de la gran promesa” (Penguin Random House, 2021).

Foto: Sofía Grivas

Breviario de jingles mexicanos

por Santiago Gómez Sánchez 

Hemos hecho de la música una herramienta para varias cosas, desde transmitir emociones hasta vender productos. En México han existido jingles que han trascendido el tiempo y el espacio y que hoy se mezclan con nuestras memorias y experiencias de forma muy extraña. Estos son algunos de ellos.  

Entre las cosas que el sistema capitalista ha aprendido a explotar está la música. Según un reporte de la RIAA (Recording Industry Association of America), en el 2019 se generaron 11.1 mil millones de dólares en ingresos en la industria musical (streaming, ventas de álbumes, etcétera). Pero esta mega industria no es la única forma en la que nuestro querido sistema económico ha sabido clavar sus garras en algo tan inmaterial y atemporal como lo es la música. Gracias a él, una buena parte del tiempo nuestra cabeza se ve ocupada por pequeñas canciones parasitarias que conocemos con el nombre de jingles, que son compuestas con el fin exclusivo de promocionar un producto. 

Ya sea que tengas guardados en la cabeza pedazos de jingles que no hacen mucho sentido o si eres el tipo de persona que se sabe las canciones de la Pandilla Telmex de memoria, lo más seguro es que exista por lo menos un rastro de estos en tu memoria, ya sea en forma de nostalgia por un tiempo donde todo era más inocente o como un molesto recordatorio de que nunca estamos libres del voraz consumismo que nos exige el capitalismo. Ya que no nos podemos zafar de estos, hemos decidido recordar esos jingles que han sido claves en la experiencia televisiva mexicana y que, tal vez, nos ayuden a repensar la forma en que consumimos música. ¿Qué nos están vendiendo cuando creemos que no nos venden nada? 

Como bien mencionaron Raquel y Víctor en su emisión de la semana pasada, este jingle de Chicle Maya es de los más antiguos de los que se tiene registro. Compuesto en 1923, este anuncio suena tan antiguo y ajeno que te hace creer que los chicles son cosa del pasado y ya ni siquiera existen. La forma en que termina no ayuda: “ porque no hay nada más sabroso, y que más pueda gustar, después de fumar”. Este jingle, más que vender, es ahora un recordatorio de un tiempo que hoy es pura memoria. Lo más probable es que todos los demás anuncios que componen esta lista se conviertan, en un futuro, en pequeñas ventanas hacía lo que alguna vez fuimos.  

Pasados los años me doy cuenta de que este jingle suena más como una orden que como una canción divertida. Aquí no hay una invitación. Los altos mandos de Nestlé nos estaban informando de nuestra obligación de chupar el “Dedo Loko”. Ver este anuncio, pues, era como firmar una sentencia de muerte: o chupabas el Dedo Loko, o dios sabe que podría suceder. La paleta estaba medio mala, pero el palito en el que venía era como un resortito que te podías poner como dedal y era lo que sazonaba de “loka” una experiencia que, de otra forma, solo hubiera sido comerte una paleta equis. 

No hay base de reggaetón que haya marcado tanto a la sociedad mexicana como ésta. Estoy seguro de que, aún en mi vejez, cuando ya no me acuerde de mi nombre ni de la cara de las personas que alguna vez amé, en mi cerebro seguirá sonando como un eco: “Genoprazol para… la gastritis”. No quiero manchar este jingle con opiniones vacías, la banda de Genoprazol sabía bien lo que hacía. Ritmos latinos e imágenes de gente bombardeándose el estomago con tacos y chile; este anuncio es uno de los retratos más fidedignos de la sociedad mexicana que se han hecho en la historia. 

Un clásico indiscutible con el que Vermox nos demostró que tener enfermedades gastrointestinales puede ser también un asunto bailable y divertido. Lxs actores se rascan al ritmo de una canción que suena como si la hubiera compuesto el primo raro de Depeche Mode y Moenia. Con letras como: “si tu sientes que te pica la colita, en una de esas tienes lombrices”, este anuncio es un testimonio de que, para triunfar en esta vida, hay que tomar riesgos y hacerle caso al pasante que cree que es buena idea mostrar a personas rascándose la colita en televisión nacional. 

Por último, no podía faltar aquella rola que estoy seguro que más gente se sabe que el himno nacional completo. La Costeña en verdad se voló la barda con este jingle. Me atrevería a decir que ese bote de cátsup en específico es el bote de cátsup más icónico que jamás haya existido. Si Andy Warhol estuviera vivo hoy… bueno, creo que me doy a entender. 

Menciones honorificas: Tortillinas Tía Rosa (“por su rico sabor casero”), Duvalín (“no lo cambio por nada”), Fabuloso (“hace feliz a tu nariz”) y Sico (“si confió”). 

(Nota del autor: este texto no es un anuncio)

El mal querer; la creación de Rosalía

Por Garcia Laurel

Rosalía, es una artista de vocación que estudió composición, piano, flamenco como cantaora y bailaora. Para ella, su carrera empezó desde los trece años, cuando buscaba ganarse la vida en los escenarios. Actualmente, es considerada la artista emergente más importante de España. 

El segundo disco que publicó, El mal querer, es parte de su trabajo de titulación para recibirse de la carrera de flamenco en la Escuela Superior de Música de Cataluña. 

Rosalía desarrolla una historia en cada canción que se entrelaza con todos sus elementos; la lírica, armonía, melodía, artwork, videos y en vivo. Este álbum es conceptual unificando el tema del amor/desamor y la violencia de pareja. 

Se inspira en la novela de Flamenca (XIII), la cual cuenta la historia de una mujer que vive una relación violenta. Esta dramaturgia que adapta Rosalía, cuestiona el idealismo del amor y sí han cambiado las formas de relacionarnos como pareja.

La producción experimenta con el flamenco como base melódica y una voz centrista, fusionando música pop, africana, cantos gregorianos, ritmos urbanos,  samples, auto-tunes y sintetizadores

La iconografía de El mal querer

Filip Custic, diseñó la portada y 11 imágenes más para ilustrar cada una de las canciones. Su obra es simbólica, inspirada en el mundo onírico del surrealismo. Sus influencias son una mixtura de épocas dotando de un misticismo intenso al proyecto.

La portada comparte elementos en común de La inmaculada concepción (1768) de Giovanni Battista; la paloma, nubes y nimbo de estrellas.

Malamente, el capítulo del Augurio, presenta a una diosa, controlando los hilos del universo, como si fuera una Moira

Que no salga la luna – Capítulo 2, se inspira en Las dos Fridas (1939) de Frida Khalo y Amor sagrado, amor profano (1908) del español Julio Romero de Torres. “Si hay alguien que aquí se oponga. Que no levante la voz. (Que no lo escuche la novia)”, le canta Rosalía al sufrimiento, a la sumisión y a las preocupaciones de la futura novia.

Pienso en tu mirada, nos evoca a El nacimiento de Venus (1485-1486) de Sandro Botticellii. Custic plasma la belleza, sensualidad, fertilidad a través del agua y sutilmente lo siniestro, en la postura de las manos como cuernos de toro, representando los celos y la violencia. 

El capítulo 6: Clausura, retoma la pintura Naranjas y Limones (1927) del ya mencionado Julio Romero de Torres. Filp usa las naranjas para ilustrar la madurez de Rosalía y su vínculo con lo terrenal. Mientras que el número siete se repite en los triángulos, puntos de luz y lunas. 

Bagdad – capítulo 7, es una parodia de Eva en el fresco de Miguel Ángel,  La Caída del Hombre, pecado original y expulsión del Paraíso (1509). Filip señaló, que los puntos dorados, como estigmas, son el aprendizaje del sufrimiento. Entendiéndolo como el arte Kintsugi; crear a partir de algo roto. “Voy a tatuarme en la piel. Tu inicial porque es la mía. Pa’ acordarme para siempre. De lo que me hiciste un día”, estrofa de A ningún hombre: Poder.

Por otro lado, el videoclip del capítulo 7 – Éxtasis (producido por CANADA), usa el erotismo de La maja vestida (1800 / 1808) de Francisco de Goya, pintura que tiene una hermana La maja desnuda (1790 y 1800). Ambas pinturas se les reconoce también como La gitana, en lugar de La Maja.

Bagdad es el cambio de conciencia que rompe con el papel de la mujer sumisa para responder a sus propios deseos. La asunción de Rosalía. El disco, es el viaje que hace Flamenca, interpretada por Rosalía, para recuperar su libertad. Por lo tanto, el arco narrativo de El mal querer conlleva un proceso de exploración, valoración y salvación.

El pecado original y El mal querer son una antítesis,  ya que al ser tentados Adan y Eva, pierden la inmortalidad y la exención de sufrimiento, mientras que al rebelarse la Flamenca de Rosalía, se libera dejando atrás el sufrimiento. Eva, es a El pecado original, como Rosalía, es a El mal querer.

Al mismo tiempo, El mal querer, es un símil de El pecado original; Al comer el fruto del árbol del conocimiento se desobedecen las normas impuestas. Así como las mujeres que son víctimas de una relación violenta, además, de luchar por su seguridad tienen que enfrentar a una sociedad que las juzga. Pensemos en el caso de Flamenca, esta obra causó escándalo y fue censurada por hablar del adulterio y no por perpetuar la violencia de género.

El mal querer, lleva de portada a la Rosalía inmaculada que como ornamento porta la serpiente dorada, de brazos abiertos, la mujer empoderada que aprendió de su propio infierno. Pensando en la filosofía determinista; no venimos a este mundo a elegir cómo vivir, venimos a comprender porque vivimos así. “Antes de caerse al suelo. Ya sabía que se rompía”, estrofa de Augurio. A ningún hombre consiento. Que dicte mi sentencia”, fragmento del Cap. 11: Poder. 

Rosalía como madre de El mal querer nos involucra en un experiencia sinestésica. Crea un disco cíclico que comunica en cada una de sus facetas, que se fundamenta en la tradición artística para evolucionar con ella. “Hay que conocer lo que se ha hecho para intentar hacer una propuesta … todo está hecho ya … el contexto crea la ilusión de que es algo nuevo”, declaró Rosalía en una entrevista para Aire Libre.

Del escenario a la pantalla

Estos son cinco músicos que se vieron tentados a probar suerte en la creación de bandas sonoras para el cine. Algunos fueron llamados por grandes visionarios, mientras otros simplemente trataban de impulsar su creatividad hacia nuevos límites.

Por Andrés Caballero

Está de más decir que el talento de estos artistas es inmensurable. No solo por haber tenido éxito en una industria tan apretada como la música, sino por después tener el oído y la destreza para crear distintas piezas que vayan acorde a las imágenes de una película. El proceso de creación es distinto, así como los requerimientos. Se tienen que seguir las directrices del director, por lo que también tiene que haber una buena comunicación entre ambos desde el inicio. Tienen que dejarse llevar, abrirse a experimentar con una nueva manera de trabajar y observar los resultados. Quizá este último punto sea el más importante. La poca experiencia en la industria del cine les da un acercamiento distinto y los frutos de esto son creaciones muy interesantes, al punto que algunos de los siguientes en la lista se han convertido en algunos de los artistas más buscados para la composición de bandas sonoras. 

Fotografía: Jonny Greenwood de Radiohead. Fotografía: Andrew Benge

Johnny Greenwood: 

Consiguió la gloria siendo el bajista de Radiohead. Al saber tocar múltiples instrumentos, se convirtió en pieza fundamental de la banda, componiendo y arreglando la mayor parte de sus éxitos. Su primera incursión al cine la hizo con el documental Bodysong. El director Paul Thomas Anderson lo vió y supo de inmediato que tenía que trabajar con él. Musicalizó Petróleo Sangriento y desde entonces ha trabajado en todas sus películas, siendo nominado a un Óscar por la banda sonora de El Hilo Fantasma

Mica Levi comparte su banda sonora para la película Zola | Ruta Rock
Mica Levi

Mica Levi:

Esta artista con formación en la música clásica creó la banda Micachu and The Shapes, con quien sacó un álbum muy bien recibido por la crítica, incorporando elementos experimentales con composiciones bastante novedosas. Esto despertó la atención del director Jonathan Glazer, quien decidió contratarla para su película Under the Skin. El resultado fue uno de los scores más interesantes de los últimos años, desafiando la línea entre el diseño sonoro y la composición musical. Curiosamente, ella y Johnny Greenwood empataron en 2014 en los Premios LAFCA, en la categoría de mejor banda sonora. Fue nominada a un Óscar por su trabajo en Jackie de Pablo Larraín

Johnny Jewel

Johnny Jewel:

Otro que sabe hacer de todo. Es conocido por saber tocar múltiples instrumentos, todos análogos, incluido su set de complicados sintetizadores. Johnny formó su propia compañía discográfica en donde, en colaboración con otros artistas, creó tres bandas: Glass Candy, Chromatics y Desire, caracterizadas por un sonido synth pop y suaves vocales femeninas. Éstas atrajeron la atención de Nicolas Winding Refn, quien lo invitó a colaborar para utilizar sus piezas dentro del soundtrack de Drive. Esta compilación sin duda creó una de las bandas sonoras más memorables del cine. Su influencia en el medio fue clarísima, imponiendo un estilo utilizado en subsecuentes películas y series de Hollywood, utilizando como primer instrumento los sintetizadores. Volvió a trabajar con Winding Refn en Bronson y después con Ryan Gosling en su debut como director en Lost River

Cliff Martinez

Cliff Martinez:

Un baterista con una trayectoria envidiable. Entre los grupos con los que trabajó están los Red Hot Chilli Peppers y Captain Beefheart. Después de un tiempo habiendo alcanzado la gloria detrás de los platillos, empezó su incursión en el cine. Primero atrajó la atención de Steven Soderbergh, un director todavía novato y desconocido, quien lo jaló para colaborar en la musicalización de Sex, Lies and Videotapes. Una joya de película, más aún siendo el debut del director, muy bien complementada por el hermoso y sútil score de Cliff. De ahí, la mancuerna entre ambos continuó funcionando en Traffic, Contagio, Solaris, entre otras. De hecho, él fue el compositor principal de Drive, trabajando junto con la música de Johnny Jewel y componiendo otras piezas del estilo. 

Trent Reznor

Trent Reznor:

Por último, no podemos olvidar a este gran y talentoso señor. Lo conocemos por bandas como Nine Inch Nails y How to Destroy Angels. Ha colaborado con artistas como Marilyn Manson y Stacey Williams. Su creatividad y experimentación lo llevaron a hacer el soundtrack de Natural Born Killers y, poco después, de Lost Highway. Pero lo que lo encaminó a convertirse en uno de los más reconocidos compositores en la actualidad fue unir fuerzas con Atticus Ross, trabajando para David Fincher, empezando con The Social Network, y siguiendo con The Girl with the Dragon Tattoo, Gone Girl y Mank. La primera le ganó un Óscar. Como dato curioso, Chuck Palahniuk, autor de Fight Club, escuchaba los álbumes de Nine Inch Nails como inspiración para escribir su novela, obra que después fue llevada al cine por el mismísimo David Fincher.

Sobrevivir a un accidente automovilístico y hacer un disco al respecto: Worn–Tin

Por Charly Arreguin

Una de las mejores maneras de canalizar nuestras vivencias es a través del arte. Después de una experiencia traumática, como es el sobrevivir a un accidente automovilístico, Worn-Tin nos demuestra que no solo tiene necedad a aferrarse a la vida, también a vivirla y hacer que suene como el quiera. 

Warner Hiatt, mejor conocido como Worn–Tin, es un músico de Los Angeles que construyo un estudio en el patio trasero de su casa y desde entonces no ha dejado de hacer música, toda esta influenciada por proyectos como Modest Mouse, R. Stevie Moore, entre otros. Usando solo equipo análogo ha llegado a hacer incluso el score para la película The Kiss, dirigida por William Naranjo

En el 2016 lanzó su primer LP titulado Tanatophobia. Después de sobrevivir a un accidente automovilístico, usó esa experiencia para escribir este disco. Con sus letras y sonidos nos da a entender que tenemos que disfrutar de lo que tenemos porque en cualquier momento puede desaparecer. 

El último álbum que sacó fue en 2019, este lo tituló Cycles. Fue grabado en la sala de un departamento al oeste de Hollywood. Al parecer a Worn-Tin le gusta que sus discos tengan un tema principal el cual fluya a través de todas las canciones. En esta ocasión fue la obsesión y como deseamos obtener cosas que no necesitamos. Warner deja muy claro que una vez que des por satisfecho ese deseo que no te llevará a nada, uno nuevo comenzará. 

Actualmente se encuentra en una gira por Estados Unidos. De sus shows en vivo siempre se debe de esperar cualquier cosa, ya que la energía con la que el y sus músicos se suben al escenario, puede incluso causar un arresto en pleno concierto.  

Lo mejor de encontrar músicos como Worn-Tin es que nos entregan música muy personal, compuesta desde perspectivas muy únicas y sonidos que nos acompañan a empatizar con Warner, ya que sabes que no hay forma de que lo que haga no suene a él. Al ser multinstrumentista, es quien se encarga de grabar absolutamente todo en sus canciones, como el necio que ha demostrado que es.

Inflorescencia electrónica: reseña de Flores de Buena Tarde

Por Santiago Gómez Sánchez 

Portada de Flores

Flores, el último álbum de Buena Tarde, es un viaje dinámico de armonía y textura que nos acerca a los distintos portales emocionales que todxs cargamos con nosotrxs. Una ventana hacia el presente o una mirada nostálgica al pasado, Flores es evolución constante que desemboca siempre en la cara de las cosas que normalmente ignoramos.  

Carlo Filio, músico y productor de Guadalajara también conocido como Buena Tarde, lanzó Flores el pasado domingo 22, un álbum conceptual que compuso y produjo en su estudio casero en Guadalajara. El conjunto de sus diez canciones crea una atmósfera surrealista y contemplativa, mezclando géneros como el trip-hop, el ambient y el techno. Esta combinación da como resultado el slow-fi, nombre con el que Buena Tarde define su estilo musical. 

Carlo describe Flores como “un viaje dinámico de armonía y textura, con el único objetivo de generar placer prolongado basado en los portales emocionales que podemos encontrar en el presente, la familia, la nostalgia de un pasado, y la búsqueda de una constante evolución”. Cada una de las canciones que compone Flores actúa como una especie de ventana que nos permite asomarnos hacía ciertos momentos o emociones de nuestra vida. 

Pero la constante evolución en la que existe el álbum y la forma en la que Carlo juega con los géneros hacen que este ‘asomarnos’ sea siempre dinámico y multilateral. Moras, el tercer track, del álbum, es como la música de fondo de una memoria soleada de nuestra infancia que de pronto se torna obscura, inacabada. Flores es como darnos cuenta de que hemos estado viendo nuestros recuerdos a través de un solo ojo, y que al abrir el otro descubrimos muchísimos sentimientos e instantes que antes no alcanzábamos a ver. 

En su descripción de Spotify, Buena Tarde cita a Octavio Paz: “Eres tan solo un sueño, pero en ti sueña el mundo y tu mudez habla con tus palabras”.  La ‘mudez’ de las rolas en Flores (casi ninguna tiene letras o voz) es justamente aquello que les permite hablar de tantas cosas. Canciones como Abrazo y Flores, que mezclan corrientes de acordes bitcrusheados entre beats lo-fi y sonidos electrónicos, son espacios fértiles, en el sentido de que se nos permite explorarlos y otorgarles nuestro propio significado gracias a esta falta de un lenguaje racional, como lo es el de las palabras. Buena Tarde deja que un lenguaje mucho más abstracto sea el que hable, y así logra crear un espacio donde caben los portales emocionales de todxs. 

De Stijl; en la intimidad de The White Stripes

Por Garcia Laurel

En 1997 nació – de entre el blues, garage rock y punk – el dúo de Detroit, The White Stripes, quienes años después se caracterizarían por su estilo pasional y ritmo básico. A lo largo de diez años de trayectoria crearon una mezcla de rock blusero minimalista proveniente de una batería, guitarra, voz y ocasionalmente piano, armónica o pandero.

Su evolución musical está plasmada en seis álbumes, de los cuales De Stijl (2000), funciona  como parteaguas de su experimentación musical, además de homenajear a Blind Willie McTell, de quien incluyen la canción “Your southern can is mine”. Este disco utiliza varios elementos del movimiento artístico holandés, con el mismo nombre, De Stijl

De Stijl y su abstracción geométrica

Vanguardia del siglo XX, De Stijl también conocido como Neoplasticismo, se reconoce por su reducido uso de elementos como el cuadrado, rectángulo, líneas verticales, horizontales, colores primarios, blanco y negro.

Este movimiento aportaría una nueva concepción del arte al no crear reproducciones de la realidad, sino, expresar lo absoluto y universal, siendo su estética una abstracción matemática de las formas. De hecho, el matemático Mathieu Hubertus Josephus Schoenmaekers, se convertiría en la influencia principal del movimiento, tomando como referente su libro “Principios de las matemáticas plásticas”.

De Stijl no sólo tomaría como medio la pintura, sino que avanzaría a la escultura, arquitectura, diseño de muebles, interiores y gráfico. Los más importantes exponentes serían Theo van Doesburg, Gerrit Rietveld y Piet Mondrian, siendo estos últimos dos, grandes influencias para el dúo. 

De Stijl como homenaje del neoplasticismo

En su momento, Jack y Meg White comentaron ser adeptos de este movimiento, declarándose admiradores del trabajo arquitectónico de Gerrit Rietveld, después de visitar  la casa museo Schröder en Utrecht, Holanda.

Esta portada, más que ser un referente de una obra en específico, es una mezcla de la filosofía del neoplasticismo, arquitectura de Rietveld y las pinturas de Mondrian. De Stijl, es un homenaje a lo que representa De Stijl experimentando con la característica envoltura de la banda.

La tipografía y distribución del interior del disco son similares al diseño del primer ejemplar de la revista De Stijl de 1917. También se integran fotografías de esculturas, muebles e instrumentos:

Un espacio común 

La influencia que ejerce la casa Schröder crea un sentido armónico en donde se ubican Meg y Jack formando parte del diseño. La portada funciona como maqueta de una estancia, cocina o quizá un estudio; un lugar donde ellos interactúan y se desarrollan profesional e íntimamente (a nivel simbólico).

Es inevitable ignorar su relación marital y la ruptura de la misma, inconsciente y conscientemente está se dilucida en las letras de la producción,  ‘I’ll fall in love with you I think I’ll marry you‘, canta Jack en Apple blossom. Estas señas hacen sentir el concepto De Stijl como un lugar en común para el dúo, “We need a sanctuary of our own Let’s build a home.

De Stijl permite una lectura más personal y profunda; “Un artista es el que dice una cosa complicada de un modo simple”, dijo Bukowski, en los Escritos de un viejo indecente. The White Stripes no sólo recrea una pintura u obra, sino que abstrae lo que representa hacer una banda con tu pareja, “I am all alone, dear”, ‘A boy ‘s best friend’.

Yendry, la mezcla de dos mundos

Entrevista a Yendry por Julia Toporek

Por Eréndira Casillas Cartas

Yendry. Fotografía de HIGHXTAR

Hace unas semanas la propuesta #Emergente que compartió con nosotros Julia Toporek, fue Yendry. Quien la semana pasada vino a visitarnos en cabina, aquí en Aire Libre.

Yendry es una cantante y compositora que nació en República Dominicana, pero que emigró a Italia desde que era niña. Nos platicó lo difícil que fue para ella llegar a otro país. Al principio buscaba encajar, “ser italiana”. Conforme fue creciendo, descubrió su identidad e incorporó esas raíces a su música. 

Barrio

A pesar de que le tomó tiempo cantar en español, un día decidió hacerlo. Cantó  “Mechita” de Silvia Pérez Cruz. Al interpretarla se le enchinó la piel, y con esto se dio cuenta de la conexión que lograba con el público. Gracias a la combinación de dos mundos, encontró un sonido especial con el cual tiene más facilidad de expresarse. 

Yendry. Fotografía tomada de Pitchfork. Fotógrafa: Jackie Russo Jaquez

Como comentó Julia Toporek, a pesar de utilizar una mezcla de géneros, podemos reconocer su sonido. “¿Cómo encontraste ese sonido que te identifica?”, le preguntó. “Escuchando toda la música posible, sin importar el género y sobre todo la experimentación en el estudio”, respondió.

Yendry se guía por las vibras que siente en momentos específicos, a partir de ahí decide utilizar esa energía para crear y hacer música. Como lo expresa en su canción ‘El Diablo’: 

“Soy lo que tu quieras, lo que me da la gana”  

El Diablo

Después de escuchar esta rola, Julia y Yendry profundizaron en el tema de las letras. Su propia historia, se ha convertido en la inspiración para escribir sus canciones. Descubrió que si cuenta sus experiencias, es más fácil encontrar la atmósfera perfecta para crear las melodías y así logra conectar con quien la escucha.

Una de las preguntas de Julia, que resalta en este momento es: “¿Qué le dirías a las chicas mexicanas que quieren hacer música y no se atreven?”. A lo que Yendry respondió que “Es más fácil hacer música si cuentas tus experiencias, el como te sientes. Yo les diría esto y que confíen en sus ideas”. 

Si quieres conocer más detalles de esta conversación, te invitamos a escuchar la entrevista completa de Julia Toporek con Yendry, por aquí

ONErpm ACADEMY

ONErpm abre, una vez más, un espacio para aprender sobre la industria musical. Un taller a través de transmisiones digitales en el que todos y todas podrán aprender sobre música de manera gratuita.

Por Renata Soto

Por tercera vez, ONErpm abrirá un espacio virtual y gratuito para todas las personas que forman parte de la industria de la música o que están interesados en aprender de esta. El evento llamado ONErpm Academy constará de varios talleres que se impartirán en español del 30 de agosto al primero de septiembre.  Posteriormente habrá opción de reproducirlos en diferentes idiomas; incluyendo inglés, ruso y portugués. La transmisiñon se hará a través del canal oficial del medio, en YouTube.

El equipo pretende crear una comunidad en la que se podrá intercambiar y compartir ideas. Tendrán expertos, figuras reconocidad en la industria y grandes empresas del mundo musical; entre ellos vale la pena mencionar a  Adán Cruz, Rodel G, Rebeca Lane, Daniela Darcourt, Cielo Torres y Olga Tañón. Quienes estarán dispuestos a dar consejos y hablar de su experiencia profesional.

 Julia Toporek y Danny Mutamasick, nuestros locutores de Aire Libre, estarán presentes para vivir, narrar la experiencia a detalle y plasmar la escencia de ONErmp Academy, en el que se pretende crear un ambiente que propicie el aprendizaje de manera dinámica y divertida.

Los cursos se centraran en tecnología, carrera y audiencia. Incluirá información de branding, marketing, estrategias digitales y el negocio de la música utilizando casos de estudio particulares. La inscripción ya está abierta y es totalmente gratuita. Para más información y el calendario detallado podrás consultar este link: www.onerpmevents.com

Regístrate: https://forms.gle/j7Vfa7WfW9jgeuGt8

Charlie Watts: “No soy una estrella del rock”

“Cada vez que regresaba de una gira de seis meses quería renunciar”

Por Renata Soto

Se habla de Charlie Watts como fanático del Jazz, esposo e ícono del rock and roll. Se le describe como una persona elegante, callada, reservada y templada. Le gustaba mantener su vida privada, no daba muchas entrevistas ni se involucraba en escándalos; tampoco era fan de las fiestas ni los excesos. Al momento de subirse al escenario y empezar a tocar, esa personalidad pacífica y bastante atípica en el mundo del rock resaltaba. Él marcaba el ritmo de los Rolling Stones, sin necesidad de mover exageradamente la cabeza al ritmo de la música, aventar las baquetas ni vestir con colores llamativos o prendas extravagantes.

“Charlie es el motor. No vamos a ningún lugar sin el motor”, dijo Ronnie Wood en el documental Rolling Stones: Tip Of The Tongue. El objetivo de Watts nunca fue ser una estrella del rock. No perseguía la fama; solo quería tocar hasta el final de sus días, y así fue. Sin embargo, en una entrevista para NME en 2018 comentó que la presión de las giras y la carga de trabajo le hicieron pensar en retirarse varias veces. “Cada vez que regresaba de una gira de seis meses quería renunciar, al tener que viajar de nuevo, mi esposa me decía ´¿Por qué volverías a esa pesadilla?´… y siempre regresaba”

Fotografía de Chris Pizzello

Watts estuvo casado con Shirley Anne Shepherd por 54 años y su secreto para una relación longeva fue no considerarse una estrella de rock. No se veía como un showman: “No hago nada más que tocar la batería”. La fama y el dinero eran punto y aparte. Muchos años no tuvo celular. Mick Jagger se enojaba al no poderlo contactarlo rápido, pero esto lo ayudó a mantener su vida personal separada del trabajo.

El baterista de los Rolling Stones murió el pasado 24 de agosto de 2021 en Londres, Reino Unido con 80 años de edad. Era amante de los caballos y coleccionista de coches antiguos. Será siempre recordado como una persona elegante que pintó de otro color la figura de estrella del rock and roll.

Adán Cruz | Gané

Adán Cruz en vivo desde #LaRadioDeLaCDMX presentando la canción: ‘ Gané ‘ incluida en su nuevo disco: ” Necesitaba estar hecho “.

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Dirección, montaje, color y cámara A: José Eduardo Álvarez Flores

Ingeniero, mix y master: Febe Esquerra

Producción: Carlos Caudillo

Logistica: Diego Gonzalez

Cámara B: Tony Treviño

Cámara C: Fernanda García

Cartelera teatral de la semana en CDMX

Si no sabes qué hacer esta semana Sarai Campech nos propone la cartelera teatral de la semana en Ciudad de México

Por Saraí Campech

La cartelera teatral de la semana tomará lugar en el Foro Shakespeare en Zamora 7, Condesa, Ciudad de México. Lugar que celebra 38 años de albergar una cartelera y agenda bárbara.

Empezamos con el arranque de Algo de un tal Shakespeare, obra de Los Tristes Tigres con Sara Pinet y Adrián Vázquez. Esta pieza irreverente y en patines surgió de escuchar una y otra vez que eso de Shakespeare es aburrido, entonces se pusieron las pilas y dieron forma a un tutti frutti con fragmentos de Romeo y Julieta, Macbeth y Titus Andronicus. La temporada será del 27 de agosto al 31 de octubre, de viernes a domingo.

El fin de semana es el último chance de ver la adaptación teatral de Conjunto vacío de Verónica Gerber. Como bien sabemos es el libro de los múltiples finales, dependiendo qué nos tiene que decir la vida. Dense la oportunidad para verla y además si adquieren sus boletos en línea con nuestres adorades Almadías, tendrán 2×1… ojo, la editorial tiene el libro. La función del sábado es a las 20:00 horas y el domingo a las 18:00 horas.

Para el lunes, que ya sabemos que pesa un poco agarrar el ritmo, por lo que el Foro nos invita a soltar el cuerpo, la carcajada y algo más con un monólogo de cabaret con Minerva Valenzuela, se trata de El Mercado de Felicia. Si tienes más de 30, descubrirás el juego de palabras y guiño a los 80. Esta propuesta liberadora, co-escrita con Noé Morales Muñoz, se presenta a las 20:00 horas.

Para el martes la invitación es que estén a las 20:00 horas en Zamora 7, para sumergirse en el viaje de Green Card, obra de Guillermo León en la que realiza una reflexión sobre la migración desde distintos frentes. Por ejemplo, uno de los personajes es reclutado por el ejército estadounidense, lo mandan a Irak y de regreso lo dejan en el desamparo. Es una obra que ya tiene preparadas las maletas para irse de gira a la frontera entre México y Estados Unidos.

Hagamos una pausa para que saquen cuaderno y bolígrafo, ya que todas las mujeres que tengan una obra de teatro tienen hasta el 1 de septiembre para consultar las bases de “Brujas”, nuevas dramaturgias para una producción escénicas feminista 2021. Iniciativa que tiene por objetivo fomentar la creación de piezas que visibilicen el sentir y hacer de las mujeres.

La convocatoria es para mujeres mexicanas y/o extranjeras, cis, trans con 18 años cumplidos, está divida en dos categorías:

  • Bruja hechicera, dramaturga con experiencia con al menos un texto editado o llevado a escena.
  • Bruja aprendiz, es decir que no hayan editado un libro o presentado una obra de teatro.

Todos los detalles en foroshakespeare.com

Por último, estará el 31 de agosto a las 20:00 Las caras de la tortura de La Mancha Producciones, la cual podrán ver totalmente gratis. Y si aún no sales de casa a través de la página de Facebook de La Mancha producciones podrán ver Documéntese, señora, comedia de Alberto Lomnitz con Dolores Ugalde y Blanca Ferreyra.  Esta obra es muy adecuada para nuestro contexto actual en el país, ya que trata sobre una presidenta municipal que inaugura un centro de rehabilitación en beneficio de su carrera política.

Joy Orbison: sampleo emocional en su nueva música

Por Alejandro Acuña Sevilla 

Joy Orbison, fotografía de Rosie Marks. Tomada de Pitch Fork

El productor londinense Peter O´Grady lanza su nuevo disco Still Slipping Vol. 1, después de más de una década desde su debut. En este proyecto incluye voces de su familia para reinventar la música de club, drum’n’bass, y garage, dándole una magnitud y vibración emocional. 

El proyecto de Joy Orbison se forja de una importante reputación desde sus inicios a finales de la década del 2000; con su debut Hyph Mngo se puso en la mira de grandes productores como FaltyDL y Modeselektor, y se publica en el sello Hotflush Recordings. Sus influencias consisten principalmente en Doldrums, Phil Spector, Todd Edwards, Ray Keith, Martin Hannett y Arthur Russell

Utilizando notas de voz de sus padres, hermana, tíos, primos, O’Grady proyecta la trenzada existencia del mundo sonoro: sus elementos tangibles dentro de la tonalidad familiar, y la exploración de los matices de la simpleza de la melodía tarareada en su manifestación creativa. El productor juega con estos paralelos entre la belleza, la crueldad y sinceridad de la auto-burla, y el toqueteo al dorso de los géneros que pulsan en la escena nocturna. 

Portada del álbum Still Slipping Vol. 1

Un álbum de alma, como lo llama Joy Orbison, que entra con todo el corazón y apela a las parcelas más sensoriales y emotivas del oído musical, lleno de dejos del sabor mezclado de décadas y subgéneros sin realmente un estilo concluyente, sino más bien fragmentos de luz y formas que permiten una reconexión con el cuerpo, la mente, y la familia mediante el sonido envolvente en la pista de baile.

La poesía de la mujer Afgana y su futuro incierto

Por Lilith Sullivan

My beautiful picture: Nadia Anjuman

El 12 de agosto presenció el arrebato de la palabra humana, el silencio del grito que aúlla en la insurrección enversada del arte de la mujer en la ciudad afgana de Herat: el Talibán derrocha el miedo, y en sus grietas florece la poesía de la revolución. 

Una ciudad con un pasado emblemáticamente; permeada de poetas, artistas y amantes de la cultura. Herat cayó ante el Talibán, un grupo fundamentalista, donde la promesa y esperanza de la democracia se deslinda de lxs ciudadanos ante la promesa de respetar lxs derechos de las mujeres conforme las normas afganas y la moral Islámica: promesa de la muerte a su individualidad, la muerte simbólica de poder decidir por ella y para ella. 

Esta ciudad, siendo protagonista de la resistencia al Talibán, ha sido cuna de la firmeza de la mujer Afgana, ha abierto las puertas de sus escuelas en búsqueda de paz, libertad, y creación individual. Sin embargo, se le ha prohibido a niñas jóvenes, aquellas que buscan encontrar la sinceridad de la amistad y la exploración del mundo, el acceso a la universidad. Herat permanece como estela de luz con futuro incierto, y el resto de la nación, las mujeres y lxs personas que habitan sus espacios, se revelan ante la pluma y desenvuelven el miedo y la rabia ante una realidad arrebatada con esperanza de ser escuchadxs. 

Las letras de las poetas que vivieron ante el Talibán en su primera instancia, como Soumaya Ramos y Nadia Anjuman, resuenan con cada estrofa el sentimiento antibélico, poderoso, y transparente que adueñan su existir, e inspiran hoy en día, nuevamente, a la liberación mediante la creación

Queda escuchar, queda leer, queda saber a las mujeres Afganas como creadores de vida, de ser, de luz. Buscar en sus sílabas el siguiente aire de esperanza para la vida digna, el respeto al existir en todas sus manifestaciones.

Los Sexy Zebras neceando con ser mexicanos

Por Charly Arreguin

Sexy Zebras. Fotografía tomada de Mondo Sonoro

Hace algunos años mientras recibía las propuestas que la radio me ofrecía, me encontré con esta banda que de inmediato me atrapó por la energía que desprendían sus acordes y sus letras divertidas, llenas de discurso. Sexy Zebras, una banda española que de inmediato fue adoptada por la escena y el público mexicano.  

Este power trio comenzó tocando en el 2005 en Madrid, pero fue hasta el 2013 que sacaron su primer material de larga duración, Volvamos a la Selva, esto bajo su propio sello discográfico Vagabundos Records. Al tener tanto tiempo tocando juntos y ahora con material grabado, las oportunidades se les fueron presentando, al nivel de viajar a otro continente.  

En el 2014 se presentaron en el Tianguis cultural del Chopo, donde la gente los recibió de la mejor manera posible, saltando y disfrutando su música. Sin duda, un buen comienzo para iniciar su cambio de nacionalidad. Desde entonces no han parado de hacer giras por toda la República mexicana a lado de bandas como Apolo, Yokozuna o The Froys. Esto demuestra que la adopción no solo se dio por parte del público, sino también por parte de la escena musical.  

En repetidas ocasiones han mencionado que México es una pieza fundamental para lo que conforma la maquinaria de Sexy Zebras, incluso sonoramente. El público mexicano se ha sabido entregar en sus shows y siempre han superado las expectativas de la banda. Y como no hacerlo, apenas comienzan los primeros acordes de sus canciones y tanto la banda como la gente ya se encuentran sin playeras y unos encima de otros. 

El 2021 lo han comenzado sacando sencillos como “Tonterías” y “Jaleo”canciones que formarán parte de su álbum Calle Liberación, que será lanzado en el 2022. Con este disco seguramente se verán obligados a presentarlo en su segunda casa México, en donde su familia mexicana estará más que lista para brincar y cantar cada uno de sus temas, y demostrarles que “los mexicanos nacen donde les da la rechingada gana”. 

Del otro lado de la línea: la resistencia de las mujeres afganas

Por Ximena Eunice Manjarrez

Mujeres afganas en el día internacional de la mujer. Fotografía de Wakil Kohsar/ AFP tomada de Getty Images

El Talibán afirma que las mujeres tendrán derechos bajo la ley islámica

El pensamiento occidental moderno, es un pensamiento abismal. Ya lo dice Boaventura de Sousa Santos, se funda en un sistema de distinciones visibles e invisibles. Las invisibles son establecidas a través de líneas radicales que dividen la realidad social en dos universos: el universo de este lado de la línea y el universo del otro lado de la línea. La división es tal, que el otro lado de la línea desaparece como realidad y se convierte en no existente. Por otro lado, lo no existente significa no existir de ninguna forma relevante o comprensible de ser. La relación viene a cuento luego de lo acontecido con los sucesos de Afganistán, pero específicamente con un caso en particular: lo que podemos cuestionarnos -o no- respecto a la situación de las mujeres y el Talibán. 

Y es que, tras la llegada de los talibanes a Kabul, nuestras redes sociales sucumbieron ante la indignación de la voz popular. Resulta interesante observar cuando Occidente decide expresar su opinión respecto a Oriente Medio, usualmente limitándose a explicar la situación de las mujeres con problemáticas de islamismo extremo y echando a andar discursos colonizadores sobre el hiyab o el burka, disfrazando la islamofobia con análisis político. 

Mujeres afganas de la Universidad de Kabul. Fotógrafa Lynsey Addario para El País.

Por un lado, tenemos la crisis de la sobreinformación con los medios digitales. Por ejemplo, hemos visto circular en redes sociales fotografías de una época en la que las mujeres afganas “podían vestir como querían”, o al menos es lo que se lee en diversos artículos sobre el tema. Las imágenes muestran relación con 1978, época en la que estalló la Revolución de Saur donde el Partido Comunista logró crear un Estado Socialista denominado como República Democrática de Afganistán, quedando bajo la órbita de Moscú. De este modo, una reflexión fundamental para el contexto que suscribe a las fotografías es la fetichización de la cultura occidental sobre la cultura islámica y afgana. Como bien han reconocido distintos grupos de mujeres activistas a través de sus propias cuentas, el hecho de compartir este tipo de contenido, deshumaniza a las mujeres afganas como tema de conversación política en lugar de centrarse en temáticas como la educación y su rol en asuntos gubernamentales y sociales. 

“Es precisamente este sinsentido utópico y de imposición cultural lo que nos ha llevado a buscar invasiones para salvar al otro con el fin de modernizarlo y llevarlo a valores occidentales superiores”, se lee en @aldanimarki haciendo énfasis en que los valores y la cultura occidental no son sinónimo de libertad. 

Pero esto último es lo relevante aquí. Aquello que sucederá con los derechos de las mujeres y niñas afganas ante las imposiciones de los talibanes. Un grupo que ni siquiera las más grandes potencias han podido frenar y que por supuesto, están lejos de representar al islam por su fuerte opresión sobre las mujeres. Por ahora, la incertidumbre y la ansiedad de las hoy miles de maestras, periodistas, enfermeras y otras profesionistas, crecen al ritmo en el que los talibanes toman más control del país bajo la posibilidad de volver al régimen de su mandato de 1996 a 2001, pues testimonios afirman que los talibanes no han cambiado pese a que ellos digan lo contrario. Siguen considerando a las mujeres como seres humanos inferiores que no pueden reclamar ni ejercer los mismos derechos que los varones. 

“Hace dos días huí de mi casa en el norte de Afganistán por la llegada de los talibanes a mi ciudad(…) Sigo huyendo y no hay lugar a salvo para mí(…) La semana pasada yo era periodista, hoy ni tan siquiera puedo decir mi nombre(…) Tengo miedo y no sé qué me pasará(…) Todas mis colegas están aterrorizadas(…), por favor, recen por mí”, se lee en un artículo sin firma de una periodista de 22 años en The Guardian

Sin duda algo es cierto. El cuerpo de la mujer afgana se ha convertido en un campo de batalla que libra luchas constantes entre ideologías y políticas que se traducen en enfrentamientos de extremistas religiosos y feministas eurocentristas. ¿Y cuál es la voz de la mujer afgana aquí? ¿Acaso nos hemos vuelto cómplices de este campo minado? Si algo ha sabido hacer la mujer afgana a lo largo del tiempo ha sido resistir. Resistir hasta el final. Y es que eso es lo que queda en momentos así. Resistencia. Lo que corresponde de nuestro lado de la línea es, en palabras de Soledad Gallego, “no permitir que suceda”, reclamando derecho de asilo para las que huyen, movilizando personas, bien informándonos y sobre todo contribuyendo a organizaciones que puedan atender, pero sobre todo entender lo que acontece del otro lado de la línea.

La derrota de Estados Unidos en Afganistán

Después de 20 años de ocupación en Afganistán, Estados Unidos abandona a los afganos bajo el régimen estricto del talibán.

Por Jorge Salcedo

Afganistán bajo el control del talibán. Fotografía tomada de HRW

El doctor Alejandro Javier Salgó Valencia, especialista del Colegio de México (COLMEX) en Medio Oriente, detalló en una entrevista con el equipo de Aire Libre sobre la estrategia fallida de la ocupación occidental en Afganistán, en la que se ha registrado la perdida de 2 mil 448 soldados norteamericanos, 47 mil 245 civiles afganos, 444 trabajadores humanitarios y 72 periodistas según la Universidad de Harvard y Brown.

La salida de Estados Unidos de Afganistán y el ascenso de los talibanes a las instituciones del país ha llenado de incertidumbre el futuro de la región. La ocupación estadounidense, que le ha costado al país 2.26 billones de dólares según un análisis de la Universidad de Brown, termina antes de lo esperado y con consecuencias desastrosas para los afganos, en especial para las mujeres.

La situación actual de Afganistán a 20 años de un conflicto armado entre guerrilleros y militares da mucho qué cuestionarse sobre la intención de Estados Unidos en la zona, que como explica el doctor Alejandro Salgó, no fue un intento de detener a los grupos que ellos mismos financiaron en una guerra pasada, sino que el interés en Afganistán yace en que es un territorio rico en minerales para su extracción y un paso estratégico por Medio Oriente. 

El pueblo afgano se enfrenta con un vacío de poder que ha ocupado el Talibán y con ello se abren las puertas a dos potencias internacionales: China y Rusia. El doctor Alejandro Salgó ahondó en las próximas intervenciones de ambos países a nivel político y económico, al igual que la participación de Irán en la tarea titánica de pacificar la región. 

Las imágenes en el aeropuerto de Kabul de miles de afganos buscando salir del país dieron la vuelta al mundo, en especial la de aquellos que arriesgaron y perdieron la vida en el intento de huir. La oficina del Alto Comisionado de Naciones Unidas para los Refugiados (ACNUR)  informó sobre los bloqueos alrededor del aeropuerto internacional que le impide el paso a las personas que no tengan los documentos válidos para viajar. Sin embargo, Alejandro Salgó explica que la desesperación por escapar que los medios han documentado no es el caso para toda la sociedad civil afgana. 

Exploradores digitales: cuatro recomendaciones de un rincón de Bandcamp

Por Santiago Gómez Sánchez 

Llevas días aquí perdidx ¿Cuántas semanas hay en un píxel? Pero eso qué importa si en realidad lo que menos quieres hacer es irte de aquí. Tus ojos ya están cansados de pasar de pestaña en pestaña, aunque te quieres quedar dentro de esta red tan rara que es el internet, por lo menos un ratito más. Entonces te das cuenta: música, eso es lo que le hacía falta a tu deambular. Abres Bandcamp, ahí es fácil extraviarse. Hay tantas cosas que pasan en estos lugares, canciones que flotan a la deriva esperando a que lleguen unos oídos. Quieres compartir lo que ahí escuchaste, para que no se pierda entre posts e historias de Instagram, todo eso que inunda siempre nuestro transitar por la red. Esto es algo de lo que encontraste: 

“La vida de alguien más” de Diles que no me maten 

A veces decides perderte en estos paisajes digitales con el simple fin de ignorarte, no pensar en eso que vive rascando tus pensamientos. “La vida de alguien más” de Diles que no me maten rola que estrenaron Raquel y Victor en su programa hace poco no es una canción, es el pulso krautrock de un corazón cansado de vivir su vida a través de la virtualidad. Sumergirnos en la pantalla puede llegar a ser brillante, pero la mayoría de las veces es un espiral medio obscuro, que al igual que los sintetizadores que transitan en “La vida de alguien más”, que suenan pesados en su liviandad, y el saxofón disonante con el que culminan estos cuatro minutos con dos segundos, nos hunde cada vez más en un “lugar sin lugar”

Portada de “La vida de alguien más” de Diles que no me maten en Bandcamp

Arborecer de Mauricio C. Puc

Pones este álbum y por unos instantes desaparece tu computadora; eres viento que viaja por encima de un campo. Este sentimiento te recuerda a algo que dice una canción de los Beatles: “Without going out of your door / You can know all things on earth”. Arborecer es un viaje introspectivo de pop psicodélico que se siente como crecer, con toda la felicidad, pero también la tristeza que implica esto. Mauricio C. Puc nos muestra aquí un caleidoscopio de emociones que nos llevan lejos al fijarnos en nosotrxs. Demuestra, además, la fuerza detrás de esta frase de los Beatles, pues Arborecer lo grabó todo a solas en su cuarto. “Acostarse y soñar es algo hermoso, / Quisiera ser un árbol y hacerlo todo el tiempo / Quisiera soñar, sanar y retoñar.” Quedarnos quietos para llegar a todos lados. 

Portada de Arborecer de Mauricio C. Puc en Bandcamp

“Galactic Airlines” de Iden Kai 

Nunca pensaste que una bomba de chicle pudiera sonar a algo, pero esta canción es tan dulce y pegajosa que es imposible no pensar en cosas como algodón de azúcar o unos lentes de corazón a través de los cuales el mundo se pinta de rosa. “Galactic Airlines” de Iden Kai es un ejemplo perfecto de lo brillante que puede llegar a ser explorar el internet, y toparnos con cosas, como el future funk, que no pudieron haber nacido en otro lado más que aquí. La combinación de funk y anime, un auténticx hijx de la era digital, da como resultado un sonido nostálgico, pero extrañamente futurista. Como extrañar aquellas fiestas en las que nunca has estado. 

Portada de Galactic Airlines de Iden Kai 

“Los desamores de Dewey Martino” de Dewey Martino 

Llegaste demasiado profundo ¿ahora cómo vas a irte? Aquí las canciones suenan a canciones que quisieron ser y no lo lograron. El sueño de Dewey Martino era ser un artista famoso de R&B, pero en este lugar los sueños se le cumplen a pocxs; este álbum es la pesadilla que nació de ese cadáver. Ambient onírico para darnos cuenta de que nosotrxs también somos los fantasmas que embrujan los sueños que teníamos y nunca se materializaron.

Portada de “Los desamores de Dewey Martino” de Dewey Martino en Bandcamp

Repensar las masculinidades desde la experiencia homosexual: modelos positivos y no violentos de vivirla

Mauricio Ariza Barile1

Uno pensaría que identificarse como hombre gay significa rechazar los modelos hegemónicos de la masculinidad tradicional, aquella que se construye en contraposición a lo femenino o a todo aquello que pueda interpretarse como tal; es decir, el espacio en el cual “se fomenta la identidad masculina por oposición en un proceso de diferenciación de lo femenino, y como reacción de un proceso de identificación”.2 Hay que reconocer, por lo tanto, que muchos hombres gays son machistas.

Primero es importante definir qué entendemos como masculinidad. En su explicación más tradicional, esta es el “conjunto de atributos, valores, comportamientos y conductas que son característicos de un hombre en una sociedad determinada.”3 Cabe destacar que estas conductas son el resultado de procesos y aprendizajes y que, como tal, rara vez se cuestionan. La masculindad tradicional o hegemónica privilegia características tales como la fuerza física, el éxito económico, la racionalidad sobre la emoción y la hipersexualidad y de esta forma establece modelos de conducta y jerarquías entre distintos tipos de hombres. Esta construcción identitaria, por lo tanto, rechaza todo aquello que pueda leerse como femenino a partir de estereotipos machistas.4 Muchas veces, las comunidades gay reproducen de manera directa y acrítica patrones, pensamientos y comportamientos heredados de la masculinidad tóxica, los cuales se entrelazan con otras formas de dominación y opresión como el racismo, el clasismo o el capacitismo, por nombrar algunas. 

La homofobia es un sistema de opresiones y dominación. Según Oscar Gausch, constituye “un dispositivo de control social que marca los límites de género prescritos a los hombres y que estigmatiza a quienes no los alcanzan y también a quienes los quiebran”.5 De esta forma, la homofobia va ligada con el discurso de la hipermasculinización que continúa tan vigente en ciertos sectores homosexuales. Resulta crucial, así, hacer un llamado a estas conductas con respecto a lo que la sociedad acepta como “ser hombre” porque a menudo resultan un vehículo para violentar a aquellos que salen de este molde (hombres percibidos como no viriles, hombres queer, binarios o no ciscordantes, por ejemplo).

Más allá de los discursos de “amor es amor” que vemos durante junio, tenemos que revisar de qué manera la misma comunidad de hombres gay sigue enalteciendo en muchas ocasiones la virilidad y la hombría como modelos óptimos de deseo, aspiración y belleza. Por ejemplo, los estereotipos en torno a los roles sexuales y manierismos están entendidos, aún, como representaciones clave de la masculinidad. En décadas recientes, el término “plumofobia” ha cobrado gran vigencia en ciertos sectores LGBT+ y no es otra cosa que homofobia dentro la misma comunidad; una aversión a lo que es percibido como femenino o poco viril. De esta forma, existe una relación directa entre la misoginia, el machismo y la homofobia y los gays que eligen hipermasculinizarse responden a un sistema que los premia por hacerlo. La hipermasculinización es vista, a veces, como una medida para evitar formas de discriminación por orientación sexual. Por ejemplo, de acuerdo con la Encuesta Nacional sobre Orientación Sexual e Identidad de Género (ENDOSIG), entre las personas LGBT encuestadas, un 87% manifestó haber experimentado conductas de burla o molestia hacia otra persona por su orientación sexual o identidad de género en la escuela, un 80% en su vecindario y casi un 70% en la familia.

Por otra parte, de acuerdo con la misma encuesta, un 52% de hombres gays manifestó haber “escuchado o visto comentarios o conductas negativas hacia un compañero (a) de trabajo por su orientación sexual o identidad de género”. Ello nos obliga a reflexionar sobre si la exacerbación de la masculinidad funciona también como una especie de escudo frente a sociedades homofóbicas y misóginas. 

Los hombres estamos obligados, por congruencia, a hacer frente a nuestras violencias, a revisar nuestros privilegios tácitos derivados del modelo de la masculinidad hegemónica y a experimentar nuestra sexualidad y relaciones inter e intra genéricas con empatía y respeto frente a todas las manifestaciones de la diversidad humana. Reconocer las masculinidades en la diversidad es un paso crítico para abandonar conductas machistas y violentas tanto con nosotros mismos como con el resto de las personas que nos rodean. Cuestionar los modelos clásicos y estándares de virilidad y hombría es un proceso de deconstrucción de significados sobre lo que entendemos como masculinidad. El viraje tiene que centrarse en visibilizar todas las expresiones, cuerpos, manerismos, actitudes y formas de vivir la masculinidad de manera positiva. La meta más significativa es, sin duda, romper con estereotipos rígidos de género. 


1 Politólogo y Maestro en Derechos Humanos. Consultor en temas de Diversidad Equidad e Inclusión en una Big 4, Consejero en Gendes y profesional en Derechos Humanos. 

2 Navarro Garfias en Navarro Zamora “Nuevas formas de relación en la sexualidad humana” Universidad Iberoamericana. 2014.

3 Comisión Nacional de los Derechos Humanos “Respeto a las Diferentes Masculinidades. Porque hay muchas formas de ser hombre”.

4 Comisión Nacional para Prevenir y Erradicar la Violencia contra las Mujeres “¿sabes qué es el machismo?” disponible en el siguiente enlace 

5  Gausch. “¿Por qué los varones son discriminados por serlo?” en Masculinidades, heroísmos y discriminaciones de género: Félix Rodríguez González. 2007.

El origen de todas las cosas: la cultura del ocio y el negocio

La ansiedad es el trastorno psiquiátrico más importante en el mundo con el que viven más de 264 millones de personas, según la OMS. 

Por Ximena Eunice Manjarrez 

A propósito del origen de todas las cosas, existe una en particular en relación con Tales de Mileto, quien creía que el agua era la génesis de todo aquello que lo rodeaba. La respuesta quizá suene absurda hoy en día, pero no hay que olvidar que nos encontramos hablando de hace más de varios siglos y que la ciencia aún no se constituía como paradigma dominante. Además, haciendo un poco de imaginación inmersiva en la época, posiblemente la respuesta no lo parezca tanto si pensamos que Tales nació en Mileto, una isla que, como es obvio, se encontraba rodeada de agua, así que todo lo que observaba a su alrededor era este elemento. Por esto que no resultara difícil pensar que el origen de todas las cosas fuera precisamente el agua.  

De cualquier modo, a Tales se le atribuye haber colocado los cimientos necesarios por haber planteado la pregunta del millón, pues lo que buscaba era un principio físico o metafísico que rigiera las cosas y que las pudiera unificar. Pero lo más importante de todo fue su capacidad de haber mirado con ojos de infancia, justamente como lo propone Walter Benjamin. Y aquí la particularidad de la historia: ¿Qué ha pasado con esta capacidad de asombro a través del tiempo?, ¿Por qué cada vez somos menos capaces de reflexionar sobre nuestro entorno?  

Una de las teorías actuales es que, a diferencia del primer filósofo occidental, en la sociedad actual no tenemos tiempo para estar con nosotros mismos, y mucho menos para una cultura del ocio, sino del negocio. ¿Y qué es el negocio si no el negar al arte de estar consigo mismo? [Neg-ocio] Negar el ocio. Esta (in)capacidad es la responsable de mantenernos en contacto con el exterior, pues si bien es cierto que la  palabra ocio puede concebirse desde una perspectiva temporal como un lapso, como  un conjunto de actividades o como un estado del espíritu a saber de Eloísa López Franco, los muchos autores que han tratado el tema de éste han enfatizado más unos  u otros aspectos, pero pareciera como si los elementos que caracterizaron al ocio en  la Grecia antigua y en la Roma de Cicerón –contemplación creadora e ideal de vida  cuya antítesis es el trabajo; ocio equivalente a descanso del cuerpo y recreación del  espíritu– fueran necesarios recuperar para nuestros días.  

Y es que, una persona que niega su ocio es una persona incapaz de estar consigo misma, pues invariablemente debe estar en constante ocupación bajo la premisa de “ser productivo” o del “Yes, we can” que plantea Byung-Chul Han en su Sociedad del Cansancio, creando personas cada vez más agotadas, fracasadas y depresivas por obtener un falso ideal de éxito. Por otro lado, que la invasión tecnológica a la cual sucumbimos exponencialmente también haya contribuido a fomentar este tipo de cultura, provocando cierto malestar, como la ansiedad, en nuestra individualidad. Asimismo, en el cómo nos relacionamos ya no sólo con el entorno, sino con nuestra introspección. Seguramente, si abriéramos un instante de nuestras vidas al desenchufe, podríamos lograr dar respuesta a los cuestionamientos más extremos planteados por nuestra persona, tal como lo hizo en su época Tales de Mileto. 

Collage de Andrés Gamiochipi

De este modo, si algo ha hecho que perdamos nuestra propia capacidad de asombro, sin duda ha sido el constante ímpetu de progreso. Nuestra propia cultura nos lo exige:  ser personas de negocios es y será lo de hoy. La negación a un proceso de (auto) reflexión ha supuesto que nos volvamos vacíos (light) y que con ello vivamos sucumbiendo ante exigencias cada vez menos alcanzables y más limitantes y  excluyentes para gran parte de la población, generando así un sentimiento de  ansiedad y convirtiéndonos en sísifos de nuestras vidas, perdiendo de foco la  verdadera causa de lucha a saber de Judith Butler: una vida vivible.

Repensar las masculinidades desde la experiencia homosexual: modelos positivos y no violentos de vivirla Copy

Mauricio Ariza Barile1

Uno pensaría que identificarse como hombre gay significa rechazar los modelos hegemónicos de la masculinidad tradicional, aquella que se construye en contraposición a lo femenino o a todo aquello que pueda interpretarse como tal; es decir, el espacio en el cual “se fomenta la identidad masculina por oposición en un proceso de diferenciación de lo femenino, y como reacción de un proceso de identificación”.2 Hay que reconocer, por lo tanto, que muchos hombres gays son machistas.

Primero es importante definir qué entendemos como masculinidad. En su explicación más tradicional, esta es el “conjunto de atributos, valores, comportamientos y conductas que son característicos de un hombre en una sociedad determinada.”3 Cabe destacar que estas conductas son el resultado de procesos y aprendizajes y que, como tal, rara vez se cuestionan. La masculindad tradicional o hegemónica privilegia características tales como la fuerza física, el éxito económico, la racionalidad sobre la emoción y la hipersexualidad y de esta forma establece modelos de conducta y jerarquías entre distintos tipos de hombres. Esta construcción identitaria, por lo tanto, rechaza todo aquello que pueda leerse como femenino a partir de estereotipos machistas.4 Muchas veces, las comunidades gay reproducen de manera directa y acrítica patrones, pensamientos y comportamientos heredados de la masculinidad tóxica, los cuales se entrelazan con otras formas de dominación y opresión como el racismo, el clasismo o el capacitismo, por nombrar algunas. 

La homofobia es un sistema de opresiones y dominación. Según Oscar Gausch, constituye “un dispositivo de control social que marca los límites de género prescritos a los hombres y que estigmatiza a quienes no los alcanzan y también a quienes los quiebran”.5 De esta forma, la homofobia va ligada con el discurso de la hipermasculinización que continúa tan vigente en ciertos sectores homosexuales. Resulta crucial, así, hacer un llamado a estas conductas con respecto a lo que la sociedad acepta como “ser hombre” porque a menudo resultan un vehículo para violentar a aquellos que salen de este molde (hombres percibidos como no viriles, hombres queer, binarios o no ciscordantes, por ejemplo).

Más allá de los discursos de “amor es amor” que vemos durante junio, tenemos que revisar de qué manera la misma comunidad de hombres gay sigue enalteciendo en muchas ocasiones la virilidad y la hombría como modelos óptimos de deseo, aspiración y belleza. Por ejemplo, los estereotipos en torno a los roles sexuales y manierismos están entendidos, aún, como representaciones clave de la masculinidad. En décadas recientes, el término “plumofobia” ha cobrado gran vigencia en ciertos sectores LGBT+ y no es otra cosa que homofobia dentro la misma comunidad; una aversión a lo que es percibido como femenino o poco viril. De esta forma, existe una relación directa entre la misoginia, el machismo y la homofobia y los gays que eligen hipermasculinizarse responden a un sistema que los premia por hacerlo. La hipermasculinización es vista, a veces, como una medida para evitar formas de discriminación por orientación sexual. Por ejemplo, de acuerdo con la Encuesta Nacional sobre Orientación Sexual e Identidad de Género (ENDOSIG), entre las personas LGBT encuestadas, un 87% manifestó haber experimentado conductas de burla o molestia hacia otra persona por su orientación sexual o identidad de género en la escuela, un 80% en su vecindario y casi un 70% en la familia.

Por otra parte, de acuerdo con la misma encuesta, un 52% de hombres gays manifestó haber “escuchado o visto comentarios o conductas negativas hacia un compañero (a) de trabajo por su orientación sexual o identidad de género”. Ello nos obliga a reflexionar sobre si la exacerbación de la masculinidad funciona también como una especie de escudo frente a sociedades homofóbicas y misóginas. 

Los hombres estamos obligados, por congruencia, a hacer frente a nuestras violencias, a revisar nuestros privilegios tácitos derivados del modelo de la masculinidad hegemónica y a experimentar nuestra sexualidad y relaciones inter e intra genéricas con empatía y respeto frente a todas las manifestaciones de la diversidad humana. Reconocer las masculinidades en la diversidad es un paso crítico para abandonar conductas machistas y violentas tanto con nosotros mismos como con el resto de las personas que nos rodean. Cuestionar los modelos clásicos y estándares de virilidad y hombría es un proceso de deconstrucción de significados sobre lo que entendemos como masculinidad. El viraje tiene que centrarse en visibilizar todas las expresiones, cuerpos, manerismos, actitudes y formas de vivir la masculinidad de manera positiva. La meta más significativa es, sin duda, romper con estereotipos rígidos de género. 


1 Politólogo y Maestro en Derechos Humanos. Consultor en temas de Diversidad Equidad e Inclusión en una Big 4, Consejero en Gendes y profesional en Derechos Humanos. 

2 Navarro Garfias en Navarro Zamora “Nuevas formas de relación en la sexualidad humana” Universidad Iberoamericana. 2014.

3 Comisión Nacional de los Derechos Humanos “Respeto a las Diferentes Masculinidades. Porque hay muchas formas de ser hombre”.

4 Comisión Nacional para Prevenir y Erradicar la Violencia contra las Mujeres “¿sabes qué es el machismo?” disponible en el siguiente enlace 

5  Gausch. “¿Por qué los varones son discriminados por serlo?” en Masculinidades, heroísmos y discriminaciones de género: Félix Rodríguez González. 2007.

Ignacio del Pórtico: la mezcla de ser romántico y ser un necio

Por Charly Arreguin

Fotografía de Ignacio del Pórtico tomada de su cuenta de Facebook Ignacio del Pórtico. Fotógrafa: Dafna Szleifer

Cuando creemos que somos lo suficientemente románticos con nuestras parejas, llega alguien a demostrarnos que regalar un chocolate o una flor es cosa del pasado. En la búsqueda por mi siguiente necio me encontré con Ignacio del Pórtico, un chico de Argentina de 24 años. Pórtico hace música alternativa e independiente, grabada toda por el mismo, obviamente, desde su cuarto. El sonido de sus producciones me recuerda mucho a proyectos como el de Mac DeMarco o Boy Pablo, bases que se sienten como almohadas acolchonadas y melodías que te abrazan en cualquier situación.  

Ignacio comenzó su carrera en 2015 con su álbum Regalos del Sosiego y fue en 2018 cuando sacó bbeinte, un disco grabado y producido enteramente por Ignacio, el cual tenía como objetivo ser el regalo de cumpleaños para su novia. Este álbum lo grabo en menos de 24 horas, le urgía terminarlo para entregárselo cuando se reunieran a celebrar. Sin dormir y sin comer, así es como nos demuestra Ignacio que el amor también puede sacar nuestro lado más necio con tal de sorprender y emocionar a la persona que más queremos. En 2019 repitió la formula y sacó XXI, otro álbum hecho como regalo para su novia. 

Portada oficial del álbum bbeinte

Actualmente cambió su nombre con el que publica su material y ahora solo es Ignacio Acevedo, al parecer estos cambios son debido a que su material ya no suena igual y quiere explorar por otros caminos. Días antes de que comenzara la pandemia, sacó un sencillo titulado Centro Común, en este experimenta con el synthpop e interactúa con sintetizadores y sonidos que no había usado antes. 

En estos tiempos tan difíciles, necesitamos que las cosas buenas sean las que resalten y sean las que nos mantengan de pie. No hay que perder la oportunidad para demostrarles a las personas cuanto las queremos, ya sea con un abrazo o escribiéndoles un disco. No importa con cual proyecto sea, pero esperamos que Ignacio siga regalándonos más de su música, aunque sea dirigida para una persona en particular, siempre habrá forma de hacerla nuestra. 

Testimonio de ternura: MAN ON MAN de MAN ON MAN

MAN ON MAN es un recordatorio de que incluso en los momentos donde nos sentimos más perdidos es posible encontrar ternura y cariño, y de la fuerza creadora de estas emociones. Sentir para después crear, amar para después compartirlo con el mundo. Claro, todo filtrado a través de la distorsión.

por Santiago Gómez Sánchez

Fotografía de MAN ON MAN tomada de Bandcamp

Meteorólogos musicales predicen un incremento de álbumes sobre la pandemia en los próximos años, pero cada uno será su propio mundo, su propia visión de este momento tan raro que nos tocó vivir. Uno de estos caleidoscopios es MAN ON MAN, la banda lovechild de Joey Holman y Roddy Bottum —de Faith no More—, que nació como un pequeño proyecto que la pareja se propuso para pasar la cuarentena. Pero lo que comenzó en una pequeña escala de cuatro paredes, algunos instrumentos y un solo micrófono para grabar, ahora es un álbum —llamado, también, MAN ON MAN— que lanzó en mayo el sello de Polyvinyl y cuenta con artistas como Alvvays y Xiu Xiu. El recorrido por el álbum se escucha como un diario sonoro de la relación de Joey y Roddy, la forma en la que vivieron el encierro pandémico y su experiencia como pareja y hombres gay.

Bottum, en una entrevista con Rolling Stone, explica que el proyecto busca resaltar la importancia de la creatividad y la comunidad. Esto en el álbum se ve en la forma en que Holman y Bottum tradujeron su amor, tanto el que sienten el uno por el otro como el que sienten ambos por y en la comunidad queer, hacía 11 canciones brillantes y abrasivas. La canción con la que abre el álbum, “Stohner”, son seis minutos de guitarrazos ruidosos color anochecer que envuelven a unas letras, que resuenan en su sencillez y en su ternura, como lo son “It feels so right / With you by my side”. La mayoría de las canciones construyen esta atmosfera ensoñadora, con sus baterías simples, guitarras fuzzeadas y sonidos —como los teclados— que flotan alrededor de todo este ruido como nubes. Es difícil no perdernos en estos paisajes que son las rolas de MAN ON MAN. “It’s So Fun (To Be Gay)” suena como el himno de una tarde que pasa airosa, un manifiesto de la ligereza que conlleva amarse a uno mismo. Las letras de esta consisten, en su mayoría, de la repetición de un mantra dulce: “Come along, it’s okay / It’s so fun to be gay”. 

Pero el álbum también es, como lo dijo Bottum en la en la entrevista ya mencionada, un documento del momento tan extraño por el que está pasando el mundo, pero esto desde la sensibilidad de la pareja, y por eso hasta las reflexiones de la pandemia están permeadas de la unión y la creatividad que experimentaron durante el encierro: “Don’t know what day it is / There’s still no shaking this / The gist of what I’m saying is / This heaviness will lift”. La pandemia vista desde el lente de MAN ON MAN es una oportunidad para crear y crecer en comunidad. 

La importancia de este álbum no se queda solo en esta otra visión de la pandemia que nos presenta, sino también de la discusión que se está generando en torno a él. En febrero se publicó una nota sobre el proyecto en Blabbermouth que desató en redes una ola de comentarios homofóbicos que dejaban ver el rechazo hacia la comunidad queer que existe dentro del rock/metal pero del que poco se habla. En una entrevista con Kerrang, Holman enfatizó en la importancia de tener más voces gay en el rock y el metal que hablen abiertamente de esto para crear un espacio más seguro e incluyente. 

Aunque MAN ON MAN suene al verano, a manejar en una noche calurosa con las ventanas abajo, pienso que puede ser una gran banda sonora también para estos meses fríos que se avecinan, donde las noches son más largas. Este álbum es un recordatorio de que incluso en los momentos donde nos sentimos más perdidos es posible encontrar ternura y cariño, y de la fuerza creadora de estas emociones. Sentir para después crear, amar para después compartirlo con el mundo, filtrado todo a través de distorsión, claro. 

Desplazados en Chiapas y Michoacán por los enfrentamientos entre autodefensas y el crimen organizado

El conflicto armado entre autodefensas, autoridades municipales, el Ejército y grupos del crimen organizado ha ocasionado una oleada de desplazados por la violencia en distintos puntos del país.

Por Jorge Salcedo

Fotografía tomada de Síntesis.com

En Pantelhó, población ubicada en los Altos de Chiapas, se han organizado 86 comunidades y 18 barrios para crear el grupo de autodefensa conocido como “El Machete”. En un comunicado dicha organización dijo que buscaría expulsar sicarios, narcotraficantes y al crimen organizado, quienes han asesinado y desaparecido a 200 personas en los últimos 20 años. Entre los que se cuentan está el ex presidente de la organización Las Abejas de Acteal, Simón Pedro Pérez, asesinado el 5 de julio en el municipio de Simojovel, Chiapas y a Gregorio Pérez Gómez, fiscal de Justicia Indigena del estado, quien fue asesinado este martes por investigar la violencia en el municipio de Pantelhó.

Los pobladores también acusan a las autoridades de los tres niveles de gobierno,  en particular a los agentes de la policía municipal, y al grupo armado “Los Capotes” de la comunidad San Francisco El Triunfo de hostigar a la población. Las protestas llevaron a la presidenta municipal de Pantelhó, Delia Janeth Velasco Flores, a renunciar a su cargo, pues se le acusa a ella y a su esposo Raquel Trujillo Morales, presidente municipal electo, de colaborar con los grupos criminales en la zona. 

La comunidad hizo una solicitud al Congreso para que auditen los recursos públicos municipales, pues se cree que fueron utilizados para financiar grupos delictivos. Por su parte, la Fiscalía de Justicia de Chiapas no ha informado de ninguna investigación en contra de Delia Velasco y Raquel Trujillo. 

Desplazados por el conflicto

El Centro de Derechos Humanos Fray Bartolomé de las Casas informó que 2,000 personas fueron forzadas a desplazarse a inicios de julio a los poblados de Chenalhó y San Cristóbal de las Casas a causa del conflicto. Según los datos de la Comisión Mexicana de Defensa y Promoción de los Derechos Humanos (CMDPDH) Chiapas es la cuarta entidad con mayores desplazados de enero a mayo de 2021, después de Guerrero, Michoacán y Jalisco. En el municipio de Aldama, por ejemplo, casi un tercio de la población ha emigrado por los constantes ataques de grupos paramilitares.

Fotografía: Enoc Hernández

En Michoacán, estudios del Consejo Nacional de la Población (Conapo) revelan que entre 2015 y 2020 salieron 110 mil 781 personas a otras entidades vecinas o a Estados Unidos para pedir asilo político. La violencia en el estado es generada principalmente por grupos paramilitares como los comandos organizados por el Cártel Jalisco Nueva Generación (CJNG)y el movimiento civil armado Pueblos Unidos, que desde septiembre del año pasado convocaron a los pobladores de Tierra Caliente a tomar las armas. 

El gobernador del estado, Silvano Aureoles Conejo, ha señalado que en estos grupos que se han popularizado bajo el título de autodefensas también hay integrantes del crimen organizado. 

Apenas hace unos días circuló un video en donde hombres encapuchados pertenecientes al CJNG amenazaron a medios de comunicación y a la periodista Azucena Uresti por su cobertura de la zona. A 270 kilómetros al suroeste de Morelia, el cártel se ha apoderado del municipio de Aguililla a tal grado que a inicios de julio exhibieron su armamento por las calles de la ciudad. En el mismo periodo se registró que 680 personas tuvieron que huir del municipio. 

La CMDPDH también informó que a nivel nacional en 2020 fueron desplazadas más de 9 mil 700 personas y en lo que va del año se han sumado 3 mil 546 casos, lo que habla de un problema que aún no ha sido resuelto. 

Sigue sin llegar el esperado nuevo álbum de Kanye West: Donda

Con el nombre como tributo a su madre, Kanye West sigue ilusionando y jugando con la impaciencia de sus fans alrededor del mundo. Ya que a pesar de haberse anunciado este álbum para el verano del año pasado, todavía hoy en día no se ha estrenado. 

Por Andrés Caballero

Portada oficial del álbum Donda de Kanye West

Kanye ha sido uno de los artistas que más ha dado de qué hablar en la última década. Conocido no solo por su innovador giro que le trajo a la escena del hip hop, sino también por su ridículo intento de ser presidente, rants públicos, peleas con otros artistas, divorcio, entre otras cosas. Sin duda una figura controversial pero que nunca deja de sorprender con su insaciable ambición. Siempre a la vanguardia de distintas industrias como: la moda, cine, videoarte y con inolvidables presentaciones en vivo. 

En este caso el artista vuelve a estar en el ojo del huracán gracias al próximo lanzamiento de DONDA. Un álbum que ha sido pospuesto tantas veces que se ha perdido la cuenta. Con la primera fecha de lanzamiento anunciada para el verano de 2020, y la última para el pasado 5 de agosto. Se tiene previsto que sea lanzado este próximo fin de semana a través de Apple Music. Esto debido a cambios de última hora, nuevas grabaciones de versos de artistas invitados y porque literalmente ha estado viviendo en un estadio desde la primera presentación del disco el pasado 22 de Julio. 

Imagen: Vía @kanyewest Twitter

Todo este circo mediático ha llevado a cuestionar a más de una persona si Kanye es un genio o está rozando la locura. Después de su reciente sonado divorcio y los colapsos en vivo pareciera ser la segunda opción. No obstante, al mantener la opinión pública sobre él en todo momento, llevando al máximo la expresión: “No existe semejante cosa como la mala publicidad”. Es como ha logrado vender millones de boletos y prendas de su marca Yeezy. Cada presentación en vivo que realiza porta una nueva prenda suya que se acaba en segundos. Además del disco, está próxima a salir su esperada línea junto con Gap. Por lo que solo por utilizar una chamarra bomber roja en su primera presentación, logró vender cerca de 7 millones de dólares en preventas. 

Por último, no podemos dejar de lado que las canciones del disco se escuchan geniales. Siguiendo con sus épicos beats cargados de gospel. Logrando juntar a artistas como Jay Z, Travis Scott y Kid Kudi, por mencionar algunos. Por esto último es innegable que aún tiene una gran inspiración creativa, así como un sorprendente manejo de la atención mediática. 

No olvides estar atento este fin de semana al lanzamiento de DONDA

La necedad a través de los sintetizadores de Kitty Ray

Esta Barbie trascendental de Philadelphia hace melodías llenas de color, bases de lo/fi-hip-hop y sintetizadores brillantes, particulares del dream pop.

Por Charly Arreguin

Kitty Ray Fotografía: Nylon

Luego de haber estado explorando guitarras grabadas en cuartos de adolescentes, caí en el mundo del glo-fi y descubrí que hay todo un universo detrás de lo que aparentan ser sólo unos sintetizadores grabados, también en cuartos de adolescentes. La persona que me introdujo fue Kitty Ray. Esta Barbie trascendental de Philadelphia, como ella se describe, me atrapó con su música por la autenticidad y entrega que tiene hacia sus proyectos, siendo ella la escritora, productora e intérprete, y como si eso no fuera mucho trabajo ya, bajo su propio sello discográfico, Pretty Wavvy. 

Desde 2006, comenzó a subir sus tracks a través de Bandcamp, en donde ya definía que seguiría el camino de melodías llenas de color, bases de lo/fi-hip-hop y sintetizadores brillantes, particulares del dream pop. Comenta que vendía sus álbumes en $5 dólares, sólo por el hecho de sentir mucha vergüenza de que alguien la escuchara. El dinero no compra la felicidad, pero hace más llevaderas las penas. Y es que, teniendo material como su mixtape titulado The Lizzie McgGuire Experience, nos enseña que a través de la música, la necedad de una adolescente por gritarle a todos sus pensamientos puede expresarse de una forma única.

Hasta ahora, Kitty ha lanzado tres álbumes y varios EP ‘s con su proyecto solista. Si nos pusiéramos a hablar de la música en general que ha sacado, también tendríamos que incluir su trabajo en bandas como The Pom-poms y Teen Suicide. Ella escribe en las descripciones de sus discos que sientan la libertad de usar su música para lo que gusten, solo que no olviden mencionárselo a través de su correo. 

No hay duda de que Kitty Ray tiene una trayectoria larga, y aunque poco conocida, siempre ha tenido el control de sus proyectos. Con esto deja claro una vez más que la necedad de los artistas independientes no solo se encuentra en guitarras exageradamente distorsionadas y voces mal grabadas como yo creía, también la podemos descubrir a través de sonidos electrónicos y letras que nos recuerdan que no somos los únicos tratando de hacer la diferencia y de ser mejores día con día.

Escucha aquí a Kitty Ray

El fin de una era; El último álbum de los Rage y su relación con el Por Art

Por Garcia Laurel

Letras críticas, talento y la fusión de géneros como hip hop, funk y heavy metal, eran el cóctel contestatario que la música de los Rage Against the Machine (RATM) creaban. Una década les bastó para convertirse en la banda más famosa de protesta en los Estados Unidos, desintegrándose a inicios de este siglo.

Renegades, se publicó el 03 de diciembre del 2000. Es un disco de doce covers, de  bandas como The Stooges, Cypress Hill, The Rolling Stones, Eric B and Rakim, Bob Dylan, Minor Threat, MC5 y Soulsonic Force.

La portada de Renegades es una parodia a la pintura LOVE de Robert Indiana. Al interior del álbum puedes encontrar tres diferentes variaciones de esta cubierta, y a su vez, cómo la obra de Indiana mutó en más de una versión.

LOVE & Robert Indiana

Robert Indiana fue un diseñador y artista plástico, referente del Pop Art que pertenece a las vanguardias del siglo XX. Este tipo de arte es una corriente que representa el consumismo, materialismo y culto a la belleza, a partir de sacar imágenes de su contexto, ya sea del cine, publicidad o comics, para crear una obra sátira e irónica de la cultura popular.

LOVE, nace de una serie de pinturas para El Aldrich, primer Museo de Arte Contemporáneo de Indianápolis. Robert encontraba en su pintura el amor a dios, pero al mismo tiempo se trataba de un amor subversivo, radical y valiente, proyectado en momentos tan difíciles como lo fueron los años 60´s. 

El diseño de LOVE comenzó a expandirse con una serie de tarjetas navideñas, personales;  para después ser vendido para la tienda de regalos del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Después fue impreso en sellos postales y en 1970 se creó la primera escultura de LOVE que ha evolucionado en diferentes tonalidades e idiomas. En el 2008, Robert hizo otra escultura, pero esta vez con la palabra HOPE, expresando su apoyo a la campaña presidencial de Barack Obama.  

Renegades & LOVE

¿Qué une a estas dos formas de expresión? “Cada acto revolucionario es un acto de amor”, comentó Zack de la Rocha para la revista neoyorkina Vanity Fair.

Renegades no es ajeno a la esencia de los Rage, pero si marca el fin de un ciclo y al mismo tiempo describe un proyecto que no comparte las aspiraciones ideológicas y creativas con las que inició la banda. 

Renegades y LOVE son un objeto de consumo, porque para eso se crearon. A Robert Indiana lo han catalogado de “oportunista”, por su parte, el concepto de este último álbum hace pensar que sólo fue producido porque los Rage ya tenían un compromiso con la disquera Epic Records. 

Al final pareciera que LOVE como portada tiene más sentido. Renegades funciona como la parodia de un artículo que tiene que estar listo en los exhibidores de las tiendas de regalos antes de que se disuelva la banda. 

Una reseña en un día – “un álbum en una noche” de Karl Neudert

Hay noches en la que ves el techo hasta la madrugada pensando en todas las cosas que quieres hacer y no haces. Hay otras en las que escribes un álbum.

Por Santiago Gómez Sánchez

Hay noches en la que ves el techo hasta la madrugada pensando en todas las cosas que quieres hacer y no haces. Hay otras en las que escribes un álbum. No sé qué tipo de noche era cuando Karl Neudert grabó “un álbum en una noche” pero de una cosa podemos estar segurxs, aunque no la diré para no ser redundante.  

“Un álbum en una noche” es como un abrazo que dura 3 minutos con 36 segundos; es escuchar a un amigx tocar un teclado Casio de juguete en la madrugada. Podría llamarlo bedroom pop, pero el álbum tiene una inocencia y melancolía que recuerda más a un lo-fi tipo Daniel Johnston. “un álbum…” está compuesto de seis canciones frágiles y suaves, dentro las cuales se incluyen los éxitos “ayudaaa”, la historia de una abducción alienígena, y “kusko, kusko!”, una oda a Kusko, un perrito muy bonito y muy peludito. 

Lo mejor de “un álbum…” es su tamañito, tanto en su duración como en la forma vulnerable en la que Karl se presenta dentro de él. Las letras son dulces, tristes y sinceras. No es difícil imaginarnos a Karl frente a su teclado en su cuarto, jugando a escribir música. Aunque todo lo que hace, desde Señor Kino hasta sus rolas de solista, esta envuelto de este espíritu DIY, el experimento de “una noche…” es todavía más orgánico porque no importa tanto lo que dice ni cómo suena sino la forma en que se hizo. 

Desde que empezó la pandemia, existir se vuelve cada vez más raro y confuso, y a veces escuchar música también se llena de esta extrañeza, como escuchar a Dua Lipa cantar sobre bailar en la Vía Láctea mientras estoy solo en mi cuarto teniendo pensamientos apocalípticos, se siente muy bizarro. Este pequeño álbum de Karl Neudert es como tener una plática con un amigx de la infancia, donde se habla sobre una memoria triste pero también sobre los aliens, sobre como parece que el tiempo se volvió más líquido en la pandemia y sobre lxs perritos que queremos. Qué raro pensar que un álbum de 3 minutos nos pueda decir y hacer sentir tantas cosas, pero bueno, las cosas han andado raras ya por un tiempo. 

Gobierno federal reconoce 57 campos de exterminio en Tamaulipas

El subsecretario de Derechos Humanos, Población y Migración, Alejandro Encinas Rodríguez, afirma que sólo hay 35 sentencias por delito de desaparición de personas, cuando existen más 89 mil personas desaparecidas. 

Por Jorge Salcedo

Fotografía de Pie de Página del Ejido 7, ubicado en Ciudad Mante Tamaulipas, México, fue utilizado por miembros del crimen organizado, del grupo delictivo denominado los “Z” para tener cautivos a las personas secuestradas y asesinarlas para después incinerarlas. Fotógrafa: Mónica González, Pie de Página.

En La Bartolina, a 25 kilómetros de Matamoros, Tamaulipas, y a 40 minutos de la frontera con Estados Unidos, desde el 2017 se han encontrado más de media tonelada de restos óseos calcinados en un área de 600 m2, de la cual solo se han explorado entre 5 y 20 metros a 60 centímetros de profundidad. Sin considerar que se desconoce la cantidad de restos hallados en 2016 por el Ejército y la Procuraduría General de Justicia de Tamaulipas durante el gobierno de Egidio Torre Cantú. 

Elefante Blanco y distintas organizaciones de la sociedad civil dieron a conocer que los gobiernos de Tamaulipas, desde 2016 e incluso antes, tenían conocimiento de lo que ocurría en el Estado. Ahora se sabe que existen al menos 57 campos de exterminio en los municipios de Mante, Xicoténcatl, Llera de Canales, Gómez Farías, Ocampo, Abasolo, Victorio y Matamoros. Sin embargo, durante el gobierno de Egidio Torre Cantú las autoridades declararon que se trataban de restos de animales. 

 Fotógrafa: Mónica González, Pie de Página.

En el gobierno actual, de Francisco Javier García Cabeza de Vaca, tampoco ha habido respuesta para los familiares de los desaparecidos. Por su parte la Procuraduría General de la República junto con la Comisión Nacional de Búsqueda informaron sobre los primeros hallazgos a 12 kilómetros de la frontera con Brownsville, Texas. 

Las personas desaparecidas en el noreste tamaulipeco se cuentan por los miles. Las cifras de la Comisión Nacional de Búsqueda calculan 7,461 personas desaparecidas, no localizadas y localizadas, de 2009 a la fecha en tan solo 5 municipios de la localidad. Este es el historial completo de su base de datos, aunque las organizaciones de familiares calculan que son muchos más.

Se aproxima la clausura del Primer Encuentro Intergaláctico de Nueva Crónica Mexicana

Con nombres tales como J.M. Servín, Eduardo H.G., Carlos Martínez Rentería, Alejandra Maldonado, Adrián Román, entre muchos otros, empieza el principio del fin este jueves 5 de agosto, y el sábado 7 la gran clausura.

Por Alejandro Acuña Sevilla 

La ya conocida resistencia histórica que se encuentra en el pulque, en el mezcal para quemar la garganta y calentar el alma, en la irreverencia y las agudas opiniones, diversidad, y algunas contradicciones. Así se celebra el Primer Encuentro Intergaláctico de Nueva Crónica Mexicana, presentado por Producciones El Salario del Miedo, El Museo de la Ciudad de México, y la Pulquería Los Insurgentes. Preparándose para cerrar dignamente este ciclo de eventos y subjetividades con la presentación y premiación del libro conmemorativo del 6º Premio Nacional de Periodismo Gonzo, en La Juanita Coffee Shop, para luego impartir una noche funkosa en la ya suficientemente mentada Pulquería. 

Vivir en la Ciudad de México es propiamente lo mismo que padecer de esta, hasta el tuétano. Con la situación de los últimos años, podemos hablar más que nada de una resistencia que permanece gracias a los encuentros, a los intercambios de humanidades y puntos de vista. Un México complejo y siempre cambiante entendido desde opiniones narrativas que se alimentan de la tradición del periodismo mexicano. Así presenta J.M. Servín —escritor y fundador de Producciones El Salario del Miedo— el encuentro con exponentes de múltiples planetas y galaxias para argumentar, recordar, y padecer los contrastes del territorio que habitamos, junto con quien guste escuchar. 

Las temáticas y temas que se vivieron en los eventos fueron, por mencionar algunos: Sergio González Rodríguez y su influencia en la nueva crónica mexicana, inauguraciones de exposiciones de fotografía como Art décoke, la ciudad y la nueva crónica, Hunter S. Thompson (y el miedo y asco a sus imitadores), crónica musical, crónica ñera, box y crónica, exhibición de cortos del Festival de Cine de Barrio, presentaciones editoriales de libros como la antología No te dejaremos ir, ellas narran el Centro Histórico y La bruja blanca, historias de cocaína de Carlos Martínez Rentería. Y un sinfín más de asuntos que merecen la atención y el espacio para el diálogo entre escritores, adeptos, aficionados, o transeúntes que algo anden buscando, hasta sin pensarlo. 

La subjetividad y la experiencia propia del autor son elementos esenciales si se quiere llegar a una realidad, pues así se acerca a la naturaleza humana y social que se retrata en el periodismo, en la literatura; pérdida de inhibiciones en nombre del arte y de la crónica. Con nombres culpables del encuentro tales como J.M. Servín, Eduardo H.G., Carlos Martínez Rentería, Alejandra Maldonado, Adrián Román, entre muchos otros, empieza el principio del fin este jueves 5 de agosto con dos presentaciones editoriales: Pasos Sonideros y Volver a DF en la pulquería, y el sábado 7 la clausura, presentación y premiación en la Juanita, para luego mudarse a una noche de pulque, más crónica, y juntar fuerzas para regresar cada quien a su propia galaxia, hasta que las palabras y los sentidos los reúnan otra vez.

Pulque, cine, y crónicas: el diálogo entre los ciudadanos y su ciudad

Por Lilith Sullivan 

Fotografía: Lilith Sullivan

Entre tarros de los amados curados de la Pulquería Los Insurgentes, la nostálgica luz de las calles de la Roma envolviendo al recinto, y la presencia de directores de cortometrajes, el 31 de julio se realizó una muestra del Festival del Cine de Barrio (FECIBA) organizado por el estridente proyecto editorial Producciones El Salario del Miedo (PELDM) como parte del Primer Encuentro Intergaláctico de Nueva Crónica Mexicana. 

Presentado por J.M. Servín, escritor y fundador de PESDM, y Eduardo H.G., encargado del cuidado editorial de la misma, se dedicaron este mes a gestionar el Primer Encuentro Intergaláctico de Nueva Crónica Mexicana para la exhibición de eventos que inviten a la ciudad, a sus ciudadanos, y a la cultura a dialogar libremente en sus espacios más emblemáticos, así como lo es la Pulquería Los Insurgentes: foro y cuna de la cultura capitalina y urbana. 

Los filmes presentados destacaron de la selección oficial del FECIBA del 2020, exhibiendo así los cortos ganadores en la categoría de “Somos Barrio”. Es entonces que la pulquería abrazó dentro de sus paredes las siguientes piezas: Ecos del Barrio, dirigido por Omany Guerrero; El Último Gol, dirigido por Miguel J. Crespo; Manteniendo Trayectorias, dirigido por Hugo Chávez Carbajal y Ruta Ermita-Chalco, dirigida por Mónica Pioquinto. 

Festival del Cine de Barrio (FECIBA) Fotografía: Lilith Sullivan

Al término de la presentación, Chávez Carabajal y Pioquinto compartieron sus experiencias y perspectivas como creadores de cine; se palpaba en su pasión artística la solidaridad con el proletariado urbano, una oda e invitación a la observación de la vida y problemática de las periferias y recovecos subterráneos de la Ciudad. Estos emergentes directores anunciaron con emoción los proyectos que los envuelven actualmente: un corto interactivo sobre la reparación de cámaras en Donceles, y una mirada íntima a las mujeres activistas de la tercera edad, respectivamente. 

Con la presentación de estos cortometrajes, se entrelazó a la perfección el ideal que define al Festival –la búsqueda de la descentralización de la oferta cinematográfica en la CDMX– y la de Producciones El Salario del Miedo: la divulgación de la crónica en todos sus formatos. El entusiasmo burbujeaba entre los participantes y espectadores de la muestra para la gran clausura de este Encuentro Intergaláctico el próximo 7 de agosto en La Juanita CoffeeShop, donde protagonizará la entrega del Premio de Periodismo Gonzo, el buen café, y la pasión de las conversaciones que definen a la resistencia, irreverencia, y perfecto caos de la Ciudad de México.

La librería “La increíble” ofrece experiencia de poesía y espacio para la creación

Por Alejandro Acuña Sevilla

Fotografía: Arch Daily

Poesía y espacios de creación como parte de la labor de desarrollo personal y artístico. El viernes 30 de julio se llevó a cabo un poetry bar en la librería La increíble, donde lxs invitadxs fueron parte de la experiencia creadora, escuchando, recitando, y compartiendo sus propias invenciones en un ambiente de diálogo acerca de un mundo literario donde también convive la ilustración y el diseño. 

“Yo cuando escucho poesía escribo poesía”, comenta Ana Buerón, la organizadora del evento, explicando con el ejemplo cómo la creatividad nace en la aprehensión y el transmutar ideas o conceptos a palabras y dibujos, y viceversa. Invitar a las personas que buscan expresarse y trabajar la sensibilidad. 

La poeta guanajuatense Andrea Alzati recitando algunos de sus poemas de los libros “Animal doméstico” y “Todos mis quchillos”. Fotografía: Lilith Sullivan

El evento contó con la presencia de Andrea Alzati, poeta guanajuatense que también recitó algunos poemas de sus libros “Animal doméstico” y “Todos mis quchillos”, transmitiendo a lxs oyentes su universo verbal, con el cual narra lo cotidiano y los lazos humanos desde un simbolismo pertinente dentro de y hacia la poesía. 

La increíble, inaugurada apenas en marzo de este año, ya cuenta con clubes de poesía, de lectura de libros, y más eventos que buscan dar cabida a la literatura independiente, así como los eventos sociales multidisciplinarios para trabajar y conversar todas las maneras de crear, traspasando barreras, compartiendo identidades, con un café, o un mezcal de cortesía.

RESISTENCIA SABOR APIO: MINI HISTORIA DE UN PULQUE PUNK

Por Santiago Gómez Sánchez

Fotografía: Los Tocinantes

Recuerdas que el primer pulque que probaste fue un curado de apio, en Las duelistas, tú y tus amigos pidieron un litro que se acabaron en menos de veinte minutos y después pidieron quién sabe cuántos más. Salieron de ahí todos inflados. No sabes porqué, pero ese día te diste cuenta de que tomar pulque era algo especial. Y es que, así como en el curado se mezcla el pulque natural con frutas licuadas para darle su sabor, durante los años se ha ido mezclando en el pulque una carga histórica y simbólica importante; tradiciones nahuas, campañas de desprestigio y tocadas punk, todas estas cosas se encuentran en el vaso del curado de mango que te tomas un viernes por la tarde. 

Alguna vez la Ciudad de México fue el principal punto de comercialización del pulque, dicen que en 1950 había unas 859 pulquerías. Hoy conoces solo tus favoritas: La hija de los apachesLa paloma azulLa pirataLas duelistas. Pero si hoy han sobrevivido es gracias a una larga historia de resistencia. El pulque nunca fue bien visto: en el virreinato las pulquerías eran “lugares de vicio, desorden y crimen”. En el porfiriato, se les ligaba al alcoholismo y la pobreza. Para rematar, después de que la industria cervecera se apoderara del mercado y el pulque se viera relegado a ser transportado y vendido en lugares de “mala muerte”, comenzó a circular el rumor de que se usaban excrementos en su proceso de fermentación. 

Fotografía del Libro Mazahuacholoskatopunk sobre la cultura punk contemporánea en la Ciudad de México (2009), Fotógrafo: Federico Gama

Pero por ahí de los noventa, la banda punk vio en el pulque más que una bebida embriagante, vio una forma de resistir y de hacer comunidad. Desde su uso en fiestas nahuas como el Izcalli hasta la forma en que siempre se ha transmitido el quehacer pulquero de generación en generación o entre compadres el pulque siempre ha sido una bebida cuyo valor radica en su capacidad de reunir a personas, tanto en el mismo espacio como a través del tiempo. Cuentan que en los tokines de esa época se empezaba a vender más pulque que chela, y es que este se encontraba fuera del circuito capitalista del cual era parte la cerveza. Además, la bebida carga consigo una importante cicatriz social, en la cual se lee el clasismo y racismo que se ha dado a lo largo de la historia de México. Tomar pulque era y es una forma de hacerle frente a todas estas ideas discriminatorias y opresoras que por mucho tiempo nos han atravesado y a nuestra cultura, y de recordar que, a pesar de estas, el pulque ha logrado sobrevivir. Hoy, algunos de esos punks pulkeros son las personas responsables de que existan lugares como la Pulqueria Insurgentes o el Real Under, y de que la percepción del pulque haya cambiado durante los últimos años. 

Ahora, en el futuro, cuando te encuentres reunido con amigos o desconocidos alrededor de un litro de pulque blanco porque ya no alcanzó para el curado ya sabes que historia contar: la vez que los punks encontraron en una bebida algo de su lucha también. Y cuando te levantes a poner algo en la rocola, tal vez esta vez te decidas por una rola de los Clash, ¿o de los Ramones? Mejor hay que ver si cargan con alguna de Size. Salud. 

(La mayoría de la información usada en este texto fue tomada de: “Pulque limpio”/”Pulque sucio”: Disputas en torno a la legitimidad y la producción social del valor” de Marisa J. Valadez Montes, publicado en la Revista Colombiana de Antropología, y “”Cuando empezamos no había hipsters”: cómo los punks rescataron la tradición del pulque en México” de Eliana Gilet, publicado en Vice)

Por fin tenemos nuevo material de Nicolas Jaar

El compositor de ascendencia chilena que se ha convertido en uno de los artistas más eclécticos e influyentes del llamado IDM, sorprende con nueva música bajo el nombre del dúo DARKSIDE.

Por Andrés Caballero

Fotografía: Leah Garaas

El dúo, DARKSIDE, conformado junto con el guitarrista Dave Harrington lanzó su debut hace ya 8 años con Psychic. Siendo bien recibido este proyecto de manera inmediata tanto por críticos como por los fans del artista. Siempre cambiante, siempre a la vanguardia. Tanto así que lo conocemos con distintos nombres;  ya sea bajo el suyo, DARKSIDE o Against All Logic. Sacando una compilación el año pasado con este último.

Finalmente este 23 de julio se estrenó Spiral. Liderado por el sencillo The Limit. Con ya un largo historial bajo la manga, ambos artistas se han consolidado dentro de la escena de la electrónica así como del rock psicodélico. Siendo sonidos novedosos pero sin tocar lo experimental. Ya que incluye melodías bailables y percusiones ideales para cualquier mix. Evocando sonidos clásicos de su debut pero sin dejar de mostrar una evolución a través del largo lapso entre discos. Spiral continúa con la tradición de suaves riffs psicodélicos, voces graves y una perfecta mezcla de electrónica y rock progresivo. 

Aunque no todas las canciones podrían considerarse de entrada para el artista, estas nunca te dejarían indiferente, lo cual siempre se agradece. Con solo nueve pistas parece ser un caso de calidad sobre cantidad y deja deseando más. Ideal para escuchar en un ambiente aislado con audífonos. 

Sin duda este es un artista que a través de los años mantiene el interés y la expectativa. Acompaña este álbum con un nuevo sencillo bajo su propio nombre llamado Yakjehti Mein. Este último en apoyo a todo lo que está ocurriendo en Palestina.

Aquí podrás escucha y disfruta del álbum.

El Renacimiento del Tianguis

Por Lilith Sullivan

Fotografías: Time Out Mexico. Fotógrafa: Alejandra Carbajal

La magia del tianguis se saborea, se huele y se escucha en el diario vivir del mexicano: elemento esencial que, nacido de tradiciones mercantiles de pueblos prehispánicos, ahora respira entre las calles y pulsa dentro las estaciones del metro de la Ciudad de México. 

Embalsamado de ideales clasicistas, coloristas, y elitistas, ir al tianguis era mal visto por la sociedad mexicana por los elementos que lo definen: el fortalecimiento de tradiciones culturales destacando naturalmente la identidad indígena y el acercamiento de productos del campo al ámbito urbano. Es así que el tianguis permite un precio competitivo, barato para unos, ideal para otros, y abraza el amor y la necesidad de la compraventa de bienes usados. El panorama ha evolucionado con la creciente ola de conciencia colectiva de la responsabilidad, la ética, y la moral detrás del consumo bajo el capitalismo. 

La venta de ropa usada, también conocida como las pacas dentro de los tianguis, se ha popularizado en los últimos años pues promueve la minimización de compra de fast-fashion encontrada en tiendas como Bershka, Zara, y Pull&Bear, a la reutilización de ropa en busca de nuevo dueño a un precio imbatible. De vestidos vintage de los 70’s, a camisetas de conciertos inolvidables los tianguis se convierten en portales a reliquias del pasado ansiosas de volver a brillar. 

Durante los comienzos de la pandemia causada por la Covid-19, donde nos dimos el espacio de reencontrarnos con cada recoveco de nuestras casas, destacó una abundancia de los que se dieron la tarea de limpiar su closet para darle una segunda oportunidad a la ropa que ya no utilizaban, vendiéndolos en plataformas como Instagram y Facebook. Paralelamente se sintió la marea de emprendedores que frecuentaban las pacas para curar una selección de prendas acorde a la identidad de su tienda o bazar, convirtiendo el acto de comprar de segunda mano como algo ecológico, moderno, y atractivo: abundan los que no pueden esperar para subir una foto con su pieza más reciente de su bazar favorito ¡y presumir que le salió solo una fracción de su precio original!

Este nuevo lente al que se le entiende al tianguis, ha permitido que este se convierta en un espacio desestigmatizado, accesible, y seguro para las comunidades que más lo necesitan, promoviendo un consumo ético y responsable con conciencia que invita a la inclusión de todo tipo de personas. Desde mapas delimitando los días en que se ponen, a TikToks exponiendo el nacimiento de tianguis nuevos, se siente la emoción de la búsqueda de encontrar la pieza perfecta. Aunque la gentrificación innegable de estos espacios parece filtrarse, la inspiración al regreso de nuestras raíces como mexicanos abrillanta el noble acto de la compra.

Encuentra aquí un mapa creado por el usuario de Twitter @GlzMireles de los tianguis de la Ciudad de México

Mapa de los tianguis de la Ciudad de México por @GlzMireles

Festival Hipnosis 2021 ya tiene fechas y cartelera después del ciclo de shows previos

Por Alejandro Acuña Sevilla

Hipnosis, el festival musical psicodélico y de garage más importante de la Ciudad de México anuncia su regreso a los escenarios para seguir emocionando al público amante de la música y la serotonina, presentando una gran cartelera con mucho talento nacional. Con un ciclo de shows que se ofrecieron del pasado 16 de junio al 7 de julio en el Foro Indie Rocks! se empezó a acondicionar el evento que tomará lugar del 4 al 6 de noviembre en dos sedes: el mismo Indie Rocks en la CDMX, y el Stone Rex Park en el Estado de México. 

Aquí la retrospectiva de Hipnosis 2019

Después de vivir la incertidumbre y la interrupción de los festivales en los últimos años, Hipnosis busca seguir fomentando su mensaje con pasión, promoviendo la curaduría de bandas ya sea en modalidad a distancia, con conciertos grabados, o en el Ciclo Hipnosis anteriormente mencionado donde se presentaron artistas como Diles Que No Me Maten, Mabe Fratti, Nika Milano, El Culto del Ojo Rojo, Rostro del Sol, Meelt, ACTY, Strange Color, Vaya Futuro, Sunset Images, y Hugo Quezada en las tornamesas. 

Para el festival ya se cuenta con una cartelera prometedora que incluye a Amparo Carmen Teresa Yolanda (ACTY), el trío hidalguense de shoegaze y rock psicodélico. Diles Que No Me Maten, con sus sonoros paisajes surreales y poéticos. Fuzz, que viene desde San Francisco para presentarse de nuevo en escenarios después de cinco años. La Femme, cuyo estilo new wave ofrece texturas que invitan a sentir la combinación de la música con la noche. La Luz, con ritmos y distorsiones de surf rock, garage y neo psicodelia. Y más bandas que se sumarán a esta entrega de Hipnosis. 

Definitivamente ha sido un periodo crítico en cuanto a los eventos culturales y la forma de experimentarlos, y con los avances en el esquema de vacunación, así como el estado anémico de la gente que espera con ansias el regreso de los toquines, festivales, y conciertos, se presiente que este sea el comienzo de una nueva etapa dentro de esta normalidad. En la página de Festival Hipnosis se pueden adquirir los boletos para noviembre con bundles que incluyen vinilos, playeras y transporte.

Los funcionarios vinculados con el software de espionaje Pegasus

El malware de la empresa israelí NSO Group afectó a más de 50 mil teléfonos celulares en al menos 10 países. México encabeza la lista con 15 mil de los números ingresados al programa pertenecientes a defensores de los derechos humanos, funcionarios públicos y periodistas. 

Por Jorge Salcedo

La investigación realizada por Forbidden Stories, Amnistía Internacional, más 80 periodistas y 16 medios de comunicación revela que desde 2016 el spyware Pegasus fue utilizado para obtener acceso a la información de teléfonos celulares. NSO Group es la empresa que desarrolló el programa y ha insistido en que Pegasus solo puede ser adquirido por gobiernos bajo la condición de que sea utilizado para combatir el crimen y actos terroristas. 

El titular de la Unidad de Inteligencia Financiera, Santiago Nieto, aclaró que la contratación de Pegasus se realizó mediante las empresas fachada Grupo Tech Bull y Balam Seguridad, entre otras, por los gobiernos de Enrique Peña Nieto y Felipe Calderón, al igual que por dependencias federales y gobiernos estatales. Estas empresas no solo firmaron contratos con la entonces PGR y Tomás Zerón, quien dirigía la Agencia de Investigación Criminal, sino que el programa también fue adquirido por los gobiernos del Estado de México y de Veracruz. 

La Fiscalía General de la República realizó un cateo a la empresa KBH TRACK, donde se encontró un disco duro que comprueba que se realizaba espionaje telefónico y cuyo propietario israelí, Emmanuel Uri, huyó del país hace más de dos años.

La UIF identificó los pagos millonarios a esta red de empresas desde la Policía Federal, la cual en el sexenio de Enrique Peña Nieto. estaba adscrita a la Secretaría de Gobernación, dirigida en aquel entonces por Miguel Ángel Osorio Chong. El actual senador del PRI rechazó haber tenido conocimiento de la compra del malware y agregó que las intervenciones a comunicaciones se hicieron a través del CISEN y siempre con autorización judicial. Actualmente se conoce que la PGR realizó el pago inicial por el programa Pegasus por 32 millones de dólares durante la gestión del exprocurador Jesús Murillo Karam y del exdirector de la Agencia de Investigación Criminal, Tomás Zerón. 

Según la Unidad de Inteligencia Financiera, se realizaron pagos desde la Tesorería de la Federación, parte de la Secretaría de Hacienda, de más de 2 mil 200 millones de pesos a la red de compañías. Estos pagos ocurrieron entre 2015 y 2018, durante la gestión de Luis Videgaray, José Antonio Meade y José Antonio González Anaya.  

México pesado: El ruido del Loud, Slow and Distorted Riffs

Por Santiago Gómez Sánchez

Loud, Slow and Distorted Riffs

La CDMX, cadáver del D.F, es aquella monstruosa ciudad que devora a todos y a todas con sus mandíbulas metálicas y convierte en concreto a quien se atreva a mirarla directamente a la cara. Pero ocultos entre sus cuevas, nacen sellos como el de Loud, Slow and Distorted Riffs (LSDR)la resistencia del underground, que busca afrontar aquellos gritos monstruosos con armas en la forma de ritmos pesados y distorsionados.

Este sello, basado en la Ciudad de México, y fundado por Román Tamayo, es un pedazo importante del underground citadino y mexicano en general. Se enfoca en música pesada, pero olvídate de cualquier preconcepción de pesadez; LSDR es matar-a-zombies- con-una-motosierra pesada. Todo lo que saca este sello es densidad asegurada. Entre sus rangos figuran géneros como el stoner, doom, drone y psicodelia -o como diría Otto: todo lo que marea- y álbumes de bandas como Los Mundos, El Culto del Ojo Rojo y varios bootlegs de presentaciones en vivo, de Terror Cósmico, Nazareno el Violento y hasta una memoria sonora de la tercera edición de Los Grises.

Doomed & Stoned Latinoamérica

Además del sello, Tamayo es miembro de la banda Vinnum Sabathi, soldados en la cruzada del ruido. Lo último que sacaron fue una sesión en vivo junto la banda Cardiel.  Además, maneja un blog llamado Doomed and Stoned Lationamerica, un archivo importante, ya que no solo reúne bandas contemporáneas de toda Latinoamérica, sino que también busca crear una genealogía de estos géneros de rock pesado, información que nos ayuda a comprender y escuchar de forma distinta las bandas que hoy conforman la escena de LATAM.

En el caso de México, Tamayo menciona como predecesores a grupos como los Dug Dugs, La Revolución de Emiliano Zapata, Ciruela, entre otros, y como pioneros de toda la escena a The Sweet Leaf y Roots. No te preocupes si algún nombre no te suena, la importancia de este sitio radica precisamente en mostrar a las bandas que pavimentaron el camino para que hoy existan eventos como el festival Hipnosis, o sellos como el de Tamayo.

La relación de México con el rock ha sido siempre extraña y turbulenta, desde la continua represión durante el siglo pasado hasta los periodos en los que siempre cae donde parece que solo existen dos bandas en el país -o véase los headliners de siempre-. Por ello esfuerzos como el de Tamayo, tanto LSDR como el blog, son un machetazo de ruido que busca abrirle el camino, en esta jungla de país, a nuevas formas de destrucción sonora. Los y las amantes de la música underground encontraran, en los esfuerzos de Tamayo, un espacio desconocido y oscuro para explorar y poder perderse.

El regreso de la cumbia en la escena mexicana

Por Lilith Sullivan

En los últimos años, la escena musical mexicana ha experimentado un reencuentro con géneros clásicos de la región, destacando entre estos la famosa y amada cumbia. Con orígenes en Colombia en los años 40, el género ha florecido dentro de Latinoamérica permitiéndole convertirse en un sonido distintivo de los latinos. Sus ritmos están inspirando a la generación actual de artistas, como lo son Ruzzi y Ximena Sariñana en su última colaboración de Cariñito, donde buscan retomar el latido emblemático del género con un giro actual y moderno.

Fotografía: Rock 101

El pasado 1 de julio, las artistas mexicanas anunciaron en twitter el lanzamiento de la canción: un cover de un tema de cumbia peruana de Ángel Aníbal Rosado. La canción presenta un sincronismo entre el pasado y el futuro que invita al baile, exponiendo la creciente ola de la llamada neocumbia.

Entre otros artistas que han indagado en este baile de lo clásico y lo contemporáneo, destaca la última colaboración de Guaynaa, rapero puertorriqueño, con Los Ángeles Azules: el grupo mexicano de cumbia sonidera estimada con canciones icónicas como 17 Años, y Cómo Te Voy a Olvidar; indispensables en la lista de reproducción de cualquier fiesta mexicana. El tema titulado Cumbia ha logrado más de 18 millones de reproducciones en YouTube, y casi 8 millones en Spotify.

Fotografía: Cumbia a la gente

La neocumbia se respira también en la escena alternativa emergente de México, en particular en el artista sinaloense Rosas, que experimenta con su conocimiento del teatro, el performance, y la poesía en su música. El artista indaga en este género con su reciente tema Templos, disponible en todas las plataformas.

El regreso de la cumbia al sonido actual ha iluminado un trayecto fresco, divertido e innovador a la escena mexicana y latinoamericana, invitando a la innovación de las raíces de nuestra identidad como latinos. Atentos disfrutamos de la influencia en la música de las nuevas generaciones y quedamos a la expectativa de qué géneros nuevos pueden nacer de la neocumbia.

Mabiland estrena disco: Niñxs Rotxs, donde ataca problemáticas sociales en Latinoamérica

El pasado 30 de junio la artista colombiana, Mabiland, estrenó su segundo álbum. Combinando sonidos del soul y hip hop logra, a través sus letras, hacer una critica a las injusticias sociales en su país.

Por Andrés Caballero

Fotografo: Misael Belt

La expresión artística se ha establecido como una fuerza de resistencia y de crítica en Latinoamérica desde hace muchos años. Sin embargo, nunca sobran voces que se atrevan a hablar sobre las problemáticas que nos aquejan. La inseguridad, masacres, clasismo, brutalidad policiaca; son todos temas que lamentablemente perduran en toda Latinoamérica. Los artistas, desde su trinchera, pueden ser una voz importante en esta lucha.

Dentro de este marco Mabiland; artista colombiana de 23 años, lanza Niñxs Rotxs. Aludiendo a la niñez que crece en situaciones de pobreza e inseguridad. El pasado lunes 12 de julio dio una gira por la Ciudad de México, presentándose en el Foro Indie Rocks para promocionar su disco. Al día siguiente nos vino a visitar para platicar un rato con Julia Toporek. En esta conversación mencionó que Niñxs Rotxs habla sobre no olvidarse del pueblo, así como combatir el racismo y la injusticia. Esto se ve claramente en canciones como Wow, donde menciona casos como el de George Floyd y la masacre de cinco niños colombianos en Llano Verde.

“Son más espinas que rosas… mira cómo todo ha cambiado, mira como todo es incierto… respeto por la vida no se tiene, te juro no estoy mintiendo”, son algunos de los versos escritos por la compositora, música y rapera.

Mabiland plantea el tema de si la música y el arte en general tiene algún tipo de responsabilidad social al tratar temas que requieran estar en la opinión pública. Alzar la voz en Latinoamérica resulta cada vez más urgente debido a la impunidad de cientos de crímenes en los últimos años. Esto lo tiene muy claro la artista.

Por ello te recomendamos escuchar su último disco y estar al pendiente de sus redes sociales. Ya que promete regresar pronto a nuestro país y es sin duda un acto que vale la pena ver en vivo.

Movilizaciones históricas en Cuba en el pico de la pandemia

Mientras el presidente de Cuba, Miguel Díaz-Canel, culpa a las sanciones de Estados Unidos que limitan las remesas, los vuelos, transacciones financieras, acceso a créditos y a tecnologías para la biofarmacéutica; el presidente Joe Biden señala que Cuba es una “Estado fallido”.

Por Jorge Salcedo

Getty Images

La movilización social del 11 de julio en Cuba demostró el descontento que se vive en la isla a raíz de la grave crisis económica y sanitaria, y por la represión social a disidentes políticos, artistas, defensores de derechos humanos y la sociedad civil. El presidente Miguel Díaz-Canel convocó a “tomar las calles y enfrentar las provocaciones”, mientras cientos de miles de cubanos tomaban las calles exigiéndole al gobierno libertad de expresión.

Hasta el momento no se ha presentado una cifra oficial de detenidos, por lo que la alta comisionada de Naciones Unidas para los Derechos Humanos, Michelle Bachelet, pidió la liberación de los manifestantes y periodistas detenidos. Asimismo, denunció el uso excesivo de la fuerza sobre ellos y la incomunicación en la que se les ha tenido. Mientras tanto, los apagones eléctricos son programados y los bloqueos a Internet continúan en distintos puntos de la región.

Alrededor del 20% de los usuarios cubanos de Internet pudieron eludir los bloqueos a sitios como Whatsapp, Facebook y Telegram con la red de la empresa Psiphon Inc., quien tiene sede en Toronto y recibe financiamiento del gobierno de los Estados Unidos.

Miguel Díaz-Canel acusó desde su cuenta de Twitter al presidente de los Estados Unidos, Joe Biden, de tener una falsa preocupación por la situación humanitaria de la isla al no haber eliminado las sanciones económicas aplicadas por Donald Trump, 50 de ellas impuestas durante la pandemia. Frente a esto, Joe Biden calificó a Cuba como un “Estado fallido” y expresó su intención de donar vacunas a Cuba y de restaurar el acceso a internet en la isla.

En un primer intento por tranquilizar el malestar que se vive en las calles, el primer ministro de Cuba, Manuel Marreo, anunció que no habrá aranceles a los pasajeros por la importación de alimentos, productos de aseo y medicamentos. El miércoles de la misma semana se registró un récord de muertes relacionadas con la Covid-19 desde que inició la pandemia.

Estocolmo habla a través de Bella Boo

Por Andrés Caballero

La semana pasada escuchamos con Julia Toporek una probadita de Bella Boo, DJ y productora sueca que está dando mucho de qué hablar.

Fotografía: Ra Electronic Music Online

Cuando pensamos en países meca de la música electrónica nos vienen a la mente nombres como: Alemania, Francia y Holanda. Sin embargo, poco a poco esto ha ido cambiando, gracias a nuevos y talentosos artistas de distintos países que están demostrando su enorme capacidad musical. Este es el caso de Suecia, país nórdico de ciudades cosmopolitas y con amplia vida nocturna como lo es Estocolmo. De ahí viene la talentosa artista emergente de la semana llamada Bella Boo.

Firmada por la discográfica Studio Barnhus, el cual está compuesto por el trío de DJ’s y productores suecos: Axel Boman, Kornél Kovács y Petter Nordkvist. El estudio poco a poco se ha ido abriendo espacio en la escena musical electrónica, teniendo cada uno de sus integrantes, amplias carreras artísticas como productores. A su vez, este estudio ha lanzado otros proyectos como: Superpitcher, Sofia Kourtesis, Off The Meds, entre otros.  

Gabriella Borbély mejor conocida como Bella Boo. Se describe a sí misma como una DJ y productora emo. Haciéndole fiel a su nombre, lanza su álbum debut en 2019 llamado Once Upon A Passion. Con temas deep house, bailables, repletos de synths y melodías oníricas. Siendo un éxito dentro de la crítica y como presentación de la artista. En 2020 lanza un EP durante la pandemia; Let´s go out. Tirándole a melodías más dance del género house. Siguiendo con el momentum, este año estrenó un álbum colaborativo junto con Chords formando un dúo con el nombre de Charlie Charlie.

A pesar de su corta carrera esta ingeniosa artista no ha parado de trabajar incluso a pesar del encierro. Y con apenas tres años de trayectoria tiene ya tres muy respetables álbumes en su bolsillo. Por lo que estamos seguros de que esta artista emergente todavía tiene mucho que dar y vale la pena seguirla de cerca. Esta es solo una muestra de la escena musical underground de Estocolmo, la cual ha demostrado ser una ciudad de renombre dentro de la escena musical electrónica.

Una cicatriz en la cultura: la obra de Brigid Polk

Por Santiago Gómez Sánchez

Una circa de 1970 Polaroid de Brigid Berlin, quien era una pionera en la selfies. Fotografía: Brigid Berlin, “Untitled (Bridget with Flowers)” , © Vincent Fremont/Vincent Fremont Enterprises, derechos reservados.

Nueva York en los 60 era un chapoteadero de artistas, y un foco del cual muchos se congregaban alrededor de Andy Warhol; The Velvet Underground, Basquiat, Bowie, todos alguna vez pisaron el suelo de The Factory, el estudio de Warhol de aquel entonces. Pero de todas las personas que revoloteaban a su al rededor, Brigid Berlin – apodada Polk porque le gustaba inyectarse cosasresaltaba por el simple hecho de ser ella. En 1972 publicó Scars, un libro que recopilaba cicatrices, como las de su hermana Richie Berlin, Patti Smithy, Geneviève Waïte y otras personas que se cruzaban en su camino.   

Uno de los primeros cuadernos de Polk. Fotografía: Liveauctioneers

Scars consiste en un registro muy simple de cicatrices, que fueron impresas -usando almohadilla de tinta- en una libreta que Polk cargaba consigo. Cada cicatriz esta acompañada de un pequeño texto que explica su origen. La mayoría de las descripciones son vagas, además en muchas de las impresiones ni siquiera se logra distinguir la cicatriz, pero esto es lo que nos permite adentrarnos por completo a las heridas ajenas. Paradójicamente, que las heridas se encuentren dislocadas del cuerpo, donde normalmente habitan, nos posibilita a nosotras y a nosotros vivirlas desde nuestras cicatrices y experiencias. Algunas son dolorosas, como una cuya descripción leeLeft stomach gunshot ’51 / See what my mother did to me!‘, u otras son dulces, en un sentido torpe y humano, como la que dice On my briss the rabbi missed‘. 

The Cock Book fue otro de sus trabajos, un libro enorme lleno de dibujos de penes hechos por gente como Leonard Cohen, Jane Fonda y más. Además de estas obras, Polk grababa todas sus llamadas telefónicas con Warhol, que eran bastantes, y cargaba una grabadora a todos lados; una grabación suya de The Velvet Underground tocando fue lanzada como el álbum ‘Live at Max’s Kansas City’, el primer álbum en vivo que lanzó la banda. Tomaba fotos obsesivamente con su polaroid, tanto autorretratos como retratos y fotos de lo que sucedía en The Factory.

Fotografía: Brigid Polk

En 1969, Andy Warhol le dijo de broma a la revista Time que en realidad Polk era la persona detrás de sus pinturas, pero estás bajaron de valor casi inmediatamente por lo que rápidamente desmintió la bromita. Polk murió el año pasado, a los 80 años. Nunca se consideró una artista, pero preservar, registrar, es una acción que igualmente involucra sentimientos y emociones. Es decir, cómo saber que vale la pena guardar. A fin de cuentas, todo lo que vamos dejando atrás queda como un pedazo de la persona que fuimos, incluso algo como el dibujo de un pene.

La opinión de Jesús Silva Herzog Márquez

Cada semana en Sopitas x Aire Libre, el analista Jesus Silva Herzog Márquez nos da su opinión acerca de los quehaceres políticos y sociales del país

Viernes 17 de diciembre de 2021

Viernes 10 de diciembre de 2021

Viernes 3 de diciembre de 2021

Viernes 26 de noviembre de 2021

Viernes 19 de noviembre de 2021

Viernes 5 de noviembre de 2021

Viernes 22 de octubre de 2021

Viernes 15 de octubre de 2021

Viernes 8 de octubre de 2021

Viernes 1 de octubre de 2021

Viernes 20 de agosto de 2021

Viernes 30 de julio de 2021

Viernes 23 de julio de 2021

Viernes 16 de julio de 2021

Viernes 2 de julio de 2021

Viernes 25 de junio de 2021

Viernes 18 de junio de 2021

Viernes 11 de junio de 2021

Viernes 4 de junio de 2021

Viernes 28 de mayo de 2021

Viernes 21 de mayo de 2021

Viernes 14 de mayo de 2021

Viernes 7 de mayo de 2021

Viernes 30 de abril de 2021

Cerveza Pacífico estrena cortometraje ‘Un viaje al Pacífico: al encuentro con las ballenas’

Por: Alejandro Acuña

Fotografía de ‘Un viaje al Pacífico: al encuentro con las ballenas’

Cinco personas. Un Océano, o la diosa Calixto como dicen los piratas. Y el ojo de una ballena. Cerveza del Pacífico presenta un cortometraje producido por Alejandro Rossi y fotografiado por Emilio Valdés. Este se basa en una idea de New y María Paula Martínez, fotógrafa y documentalista mexicana, quien también dirige este sensitivo relato audiovisual ‘Un viaje al Pacífico: al encuentro con las ballenas’. 

El corto explora los recorridos de las personas al conectarse con el mar, al igual que los seres majestuosos que lo habitan. Sea cual sea el camino que les haya puesto el destino, las cinco personas que protagonizan el viaje tienen en común un profundo amor al océano, a las vibraciones que se irradian de la tierra y enlazan la vida que nace y muere en las olas, a la serenidad del Pacífico y la costa oeste mexicana. 

Entre cantos y saltos de ballena, el cortometraje es una carta de amor que inspira a reflexionar sobre los encuentros con la parte natural del mundo, regresando a los orígenes de la existencia; la paz submarina y el misterio que yace en los ojos de las ballenas, que crea su propio mundo de sanación y se comunica con un lenguaje emotivo que gobierna al corazón, al alma, y al cuerpo, ahí donde se mezcla la esencia con la construcción del amor y de la energía que nos forma como individuos sin excluir a la Tierra que habitamos. 

Teniendo como set de grabación al mar, con tomas aéreas y submarinas, las historias que se presentan brevemente en el corto de 12 minutos cobran vida, y en estas se descubren nuevos horizontes, donde se posibilita hacerse mejor persona con tan solo mirar los ojos de una ballena. Disponible en la página cervezadelpacifico.com y en el canal de YouTube de Cerveza Pacífico hasta el 12 de julio.

Cortometraje de Pacifico México

Desabastos: la voz de mexicanos en pos de una vida sin carencias

Por: Ximena Eunice Manjarrez

Sin resolución el número de desabastos en México por medicamentos oncológicos, agua y vacunas. 

Foto: EFE

Desabasto. Una palabra popular a lo largo de la última semana, pero en realidad, más recurrente de lo que parece. Y es que, según la Real Academia española, en el sentido estricto de la palabra, su significado refiere a gastar, disminuir o debilitar. Por un lado, padres de niños con cáncer denuncian la falta de medicamentos oncológicos para el tratamiento oportuno de sus hijos; por otro, un grupo de personas más presentan quejas por desabasto de agua ante la CEDH; y finalmente un posible desabasto de vacunas contra la gran crisis sanitaria que nos aqueja hoy en día. 

Pero ¿Cómo llegamos a este punto?

Si nos ponemos a pensar en todos los factores que nos orillaron a estas circunstancias, habría que escribir todo un reporte de investigación. Por el contrario, si nos detenemos a ver cómo desembocan no sólo estos casos, sino la mayoría de las situaciones en las cuales existe de manera directa un desabasto, podemos observar una constante: sociedad civil. 

Pero la historia de la sociedad civil no ha sido del todo lineal. La etapa de un gobierno autoritario mermó en la capacidad organizativa ajena a los intereses del Estado, y hacia finales del siglo XX los ciudadanos comenzaron a organizarse por medio de movimientos y organizaciones políticas y sociales, a fin de cambiar la estructura normativa en la que vivimos, apunta Alfonso León Pérez doctor en Estudios Sociales de la UAM. 

Y algo es un hecho, el desabasto de medicamentos, de agua, de alimentos o de cualquier otro tipo de escasez, incumbe a temas meramente políticos que atentan directamente contra el bienestar de toda ciudadanía al violentar su salud, tranquilidad, derechos e incluso economía. He aquí el porqué de la importancia que da el llamado tercer sector para poder exigir lo que “por derecho nos corresponde” y que se aleja de hacer movimientos golpistas. 

Prueba de lo anterior, es la constante labor que las Organizaciones de la Sociedad Civil (OSC) han realizado a lo largo de los últimos años en materia de políticas públicas en México, mayormente relacionados con los Objetivos de Desarrollo Sostenible (ODS) enmarcados por la ONU. Sin embargo, actualmente, uno de los mayores retos a los cuales se enfrenta este sector, es la desacreditación o subestimación de su trabajo en la administración actual. En un artículo de Animal Político, María Elena Morera y Ángeles Quintana opinan: 

“Lamentamos profundamente que la situación pueda empeorar con el nuevo gobierno. […] El presidente López Obrador ha reiterado su desconfianza, e incluso desagrado respecto de la sociedad civil, a la que ha calificado de “fifí” y de ser parte de la mafia del poder. Estos señalamientos, que descalifican el trabajo de miles de mexicanas y mexicanos, están muy lejos de tender puentes de diálogo, que es lo único que nosotros queremos con el presidente, así como con las autoridades de todos los órdenes de gobierno: queremos espacios que nos permitan exponer nuestros argumentos y conocer con detalle sus propuestas, acciones y resultados; queremos también que haya transparencia y rendición de cuentas, la obligación más elemental que tienen los gobernantes para con sus gobernados. No queremos confrontación con nadie; únicamente queremos diálogo y colaboración en favor de nuestro país.”

El pasado miércoles 30 de junio, el subsecretario Hugo López Gatell acusó en televisión que la falta de medicamentos para niños con cáncer es una mentira y aseguró a los manifestantes –entre ellos, miembros del tercer sector– de tener narrativas golpistas. 

Luis Cárdenas Palomino e Israel Vallarta codo a codo en el penal del Altiplano

Por: Jorge Salcedo

El extitular de Seguridad Regional nombrado Mejor Policía de México en 2010 ahora espera sentencia en el centro penitenciario al igual que Israel Vallarta, quien lleva esperando una resolución por más de 15 años tras la acusación de liderar la banda de secuestradores “Los Zodiacos”.   

Luis Cárdenas Palomino, exfuncionario de Seguridad Pública y uno de los principales colaboradores de Genaro García Luna en la administración de Felipe Calderón, fue detenido el lunes en Naucalpan por el delito de tortura como instigador y autor material en el caso Florence Cassez.

En diciembre de 2005 el mexicano Israel Vallarta y su novia de entonces, la francesa Florence Cassez, fueron arrestados y acusados por liderar la banda de secuestradores “Los Zodiacos”. Las autoridades realizaron un montaje del operativo el cual se transmitió en televisión abierta a través del noticiario de Carlos Loret de Mola. Este tenía como fin simular la aprehensión de los acusados y exponer el momento en que Vallarta es torturado para dar un testimonio falso.  

La detención de Cárdenas Palomino ocurre después de que la Fiscalía General de la República (FGR) presentara ante un juzgado, en septiembre de 2020, la acusación en contra del exfuncionario de Seguridad Pública y 12 policías más que estaban bajo su mando. Dicha acusación los culpa de haber golpeado y torturado a cuatro personas en 2012 para que confesaran ser parte de la banda “Los Zodiacos”.

Las irregularidades en el caso y la presión política entre Francia y México lograron que en 2013 la ciudadana francesa fuera liberada, pero el mexicano Israel Vallarta no corrió con la misma suerte, ya que ha permanecido más de 15 años en la cárcel sin sentencia. 

Mary Sáinz, esposa de Israel Vallarta, comentó en una entrevista para Sin Embargo, que ahora Vallarta y Cárdenas Palomino se cruzan en los pasillos del penal federal del Altiplano, en donde Vallarta defendió a su torturador de sus compañeros pues según su esposa lo vio “mal y deprimido” por lo que en vez de sentir coraje ante su victimario le dio lástima.